“O MASSACRE DE VOLÍNIA” (“WOLYN”), Polônia, 2016, roteiro e direção de Wojtka Smarzowskiego. Drama histórico que relembra um dos maiores massacres ocorridos na Polônia durante a Segunda Grande Guerra. Como se sabe, a Polônia foi invadida pelos alemães em setembro de 1939, dando início àquele que é considerado o maior conflito mundial do Século XX. Enquanto as tropas nazistas entravam pelo oeste, para onde foi mobilizado praticamente todo o exército polonês, alguns dias depois os russos invadiam o país pelo leste sem encontrar praticamente nenhuma resistência. A região de Voivodia, especialmente o vilarejo de Volínia, povoada por poloneses, ucranianos e judeus, foi a primeira a enfrentar o terror infligido pelos russos e depois pelos alemães. Além de russos e alemães, os habitantes de Volínia ainda sofreram uma limpeza étnica por parte dos ucranianos – chamados de “bandeiristas” - que mataram milhares de poloneses. O filme, em duas horas e meia, mostra de forma bastante realista o sofrimento dos habitantes de Volínia, incluindo cenas que certamente não farão nada bem ao estômago do espectador mais sensível. Paralelamente a toda essa tragédia, o diretor Wojtka conta a história de amor entre dois jovens habitantes de Volínia, a bela polonesa Zosia Glowacka (Michalina Labacz) e o ucraniano Petro (Wasyl Wasylik). Zosia é obrigada pelo pai a casar com um comerciante rico, em troca de alguns acres de terra, algumas galinhas e um cavalo. De qualquer forma, o cenário trágico da guerra e do massacre de Volínia é que prevalece neste excelente drama polonês. Vale a pena conhecer – pelo lado histórico - mais esse fato triste e lamentável ocorrido durante a Segunda Guerra. Sofrimento e maldade na sua mais pura essência. Apesar de tudo, imperdível!    

O drama sueco “FlUG PARKEN” (no inglês, “Blowfly Park” - como não chegou ao nosso circuito comercial, não há tradução para o português), 2014, roteiro e direção de Jens Östberg (seu primeiro longa-metragem), conta a história de Kille (Skerrir Gudnadson) um jovem trintão totalmente perdido, sem eira nem beira, psicologicamente abalado e altamente depressivo. O motivo: a morte do amigo Alex (Leonard Terfelt), um bêbado crônico casado com a bela Diana (Malin Busca). Aos poucos, acabamos entendendo que Kille, Alex e Diana viviam um triângulo amoroso, sem ficar definido quem transava com quem, embora fique claro que Elias (Joar Hennix Raukola) pode ser filho de Kille – talvez a principal razão das constantes tentativas de suicídio de Alex. Enfim, o filme nos leva a acompanhar a trajetória histérica de Kille e no desfecho o enfrentamento com o pai de Alex (o veterano ator Peter Andersson). Trata-se de um filme bastante depressivo, difícil de recomendar.  

Mais do que um filme muito interessante e sensível, “LUCKY”, 2017, EUA, homenageia um dos atores mais importantes do cinema e da TV norte-americanos: Harry Dean Stanton. Sua longa carreira começou em 1954 e partir de então deslanchou com participações marcantes em séries como Bat Masterson, O Fugitivo, Paladino do Oeste etc. No cinema, também marcou presença em clássicos como “No Calor da Noite”, “O Poderoso Chefão 2”, “Paris, Texas” e “À Espera de um Milagre”, entre tantos outros. Em “Lucky”, Stanton faz o papel principal, o velho Lucky, de 91 anos, solitário, preso a uma rotina que inclui fazer alguns alongamentos logo que acorda ao som de um tango, tomar café da manhã na lanchonete do Joe (Barry Shabaka Henley), onde resolve palavras cruzadas, e no final da tarde curtir um Bloody Mary no bar de Elaine (Beth Grant). Nos dois lugares, Stanton conversa com todo mundo e sempre tem na ponta da língua um sarcasmo implacável. Aliás, o que mais gostei no filme foram os diálogos. “Lucky” também seus momentos bem-humorados e sensíveis, como quando ele canta, durante uma festa, uma bela canção mariach em espanhol. O filme ficou com cara de homenagem póstuma a Stanton, que faleceu no mesmo mês (setembro de 2017) em que foi lançado nos cinemas dos Estados Unidos. “Lucky” foi o primeiro filme dirigido pelo conhecido ator John Carroll Lynch, com roteiro de Logan Sparks e Drago Sumonja. Do elenco, também participam Ron Livingston, David Linch, Tom Skerritt e James Darren. Enfim, um filme para quem curte cinema de qualidade, digno de um ator que ficou conhecido como uma lenda do cinema independente norte-americano. Não perca!       

“DEPOIS DAQUELA MONTANHA” (“THE MOUNTAIN BETWEEN US”), EUA, 2017, estrelando Kate Winslet, Idris Alba, Beau Bridges e Dermot Mulroney. Não se engane com o bom elenco. O filme é um ABACAXI com letra maiúscula. A fotojornalista Alex (Winslet) e o neurocirurgião Ben (Alba) estão num aeroporto aguardando o mesmo vôo. Não se conhecem. Ela está a caminho da cidade onde casará com Mark (Mulroney). Ben está voltando de um congresso médico.  Como o vôo é cancelado, os dois resolvem alugar um pequeno avião, com um piloto (Bridges) que não oferece a mínima confiança. Tava na cara que algo trágico estava prestes a acontecer. E não dá outra: o avião cai numa região montanhosa (fiquei sem saber onde fica essa região; o filme não explica; só fiquei sabendo que as gravações aconteceram no Canadá). Alex e Ben, além do cão labrador órfão do piloto, tentam sobreviver ao frio intenso, tempestades de neve, quedas e nenhuma comida. E dá-lhe papo furado, num ritmo arrastado e monótono. Os dois acabam tendo um romance que parece ter ficado para trás depois que conseguem voltar à civilização. O desfecho é constrangedor. Consegue ser pior do que aqueles finais horríveis daqueles  filmes românticos da pior qualidade. A grande surpresa foi constatar que o diretor é o israelense Hany Abu-Assad, que havia dirigido dois filmes excelentes, “Paradise Now”, indicado ao Oscar 2006, e “Omar”, também indicado ao Oscar, desta vez em 2014. O roteiro ficou a cargo de J. Mills Goodloe e Chris Weitz, que adaptaram a história do livro “The Mountain Between Us”, de Charles Martin. Difícil acreditar que ótimos atores como Kate Winslet e Idris Alba tenham concordado em participar de tamanha bomba. Se eles correram risco durante as filmagens, isso eu não sei, mas o perigo maior sobrou para o espectador: perigo de um sono profundo.       

“NA FLOR DA IDADE” (título original “GRZELI NATELI DGEEBI”; em inglês, ficou “IN BLOOM”), 2013, roteiro e direção de Nana Ekvtimishvili e Simon Grob. O filme foi selecionado para representar a ex-república soviética da Geórgia na disputa do Oscar 2014 de Melhor Filme Estrangeiro (vencido pelo italiano “La Grande Bellezza”). A história, ambientada no início dos anos 90 em Tbilisi, capital da Geórgia, é centrada na amizade entre as adolescentes Eka (Lika Babluani) e Natia (Mariam Bokeria), mas o pano de fundo é o momento dramático vivido pelo país. Na época, a Geórgia tinha acabado de proclamar sua independência, logo após o colapso da União Soviética. A situação no país era de caos: guerra civil, desabastecimento de comida e constantes apagões de energia elétrica. Filas imensas para conseguir um pedaço de pão terminavam sempre em confusão. Dentro desse clima sombrio, Eka e Natia viviam às turras com suas respectivas famílias: o pai de uma era um bêbado crônico e o da outra estava preso já há algum tempo. Mas elas seguiam sua vida em frente, se comportando como todos os jovens da sua idade. Aliás, o enredo reserva um bom espaço para explorar o comportamento da juventude georgiana. A amizade entre Eka e Natia sempre esteve acima dos problemas e algumas desavenças. O mais interessante do filme, porém, é o destaque dado ao modo de vida dos georgianos, suas tradições, cultura e folclore. O melhor momento do filme, inclusive, é justamente uma festa de casamento onde todo mundo dança ao som de uma música típica do país. O filme não chegou a ser exibido por aqui no circuito comercial, apenas durante a 41ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, em outubro/novembro de 2017.   

Representante oficial da Islândia na disputa do Oscar 2018 de Melhor Filmes Estrangeiro, “A SOMBRA DA ÁRVORE” (“UNDIR TRÉNU”), roteiro e direção de Hafsteinn Gunnar Sigurdsson,  é uma ótima comédia de humor negro. O enredo percorre duas vertentes. Na primeira, Agnes (Lára Jóhanna Jónsdóttir) surpreende o marido Atli (Steibór Hróar Steinbórsson) se masturbando na frente do computador assistindo a um vídeo onde ele próprio faz sexo com outra mulher. O casamento entra em crise e Atli volta a morar com os pais. Na segunda vertente, a história é centrada em dois casais de vizinhos, um deles justamente os pais de Atli, Inga (Edda Björguinsdóttir) e Baldwin (Sigurour Sigurjónsson), que vivem a amargura da terceira idade, ela uma mulher insatisfeita e sempre disposta a encarar uma briga. Na casa deles, uma grande árvore impede que os vizinhos Agnes (Lára Jóhanna Jónsdóttir) e Atli (Steibór Hróar Steinbórsson) curtam o sol no terraço. Começa a desavença, incluindo o sumiço do gato de Inga e do cachorro pastor alemão de Agnes e Atli. Os casais se acusam pelo desaparecimento dos bichos, transformando a convivência num verdadeiro inferno, com direito a confrontos que terminam num verdadeiro banho de sangue. Apesar do contexto de intolerância, tudo é levado no maior bom humor, tornando essa comédia um ótimo entretenimento. Por aqui, foi exibido durante a programação da 41ª Mostra Internacional do Cinema de São Paulo, em out./nov. 2017.    

“EU, TONYA” (“I, TONYA”), 2017, EUA, direção do australiano Craig Gillespie (“A Garota Ideal”,  “Horas Decisivas”), com roteiro de Steven Rogers. Trata-se da cinebiografia da patinadora artística norte-americana Tonya Harding, que às vésperas dos Jogos Olímpicos de Inverno de 1994 participou de um plano macabro, juntamente com o marido Jeff Gillooly e mais dois amigos: ferir sua principal rival na época, Nancy Kerrigan, impedindo-a de disputar a competição. Na época, o caso ficou famoso no mundo inteiro, colocando-se entre as páginas mais tristes e chocantes do mundo esportivo. O filme mostra o início da carreira vitoriosa de Tonya, que aos 4 anos de idade já encantava os adeptos e os fãs da patinação artística no gelo. Ano após ano, Tonya conquistaria inúmeros torneios, tornando-se a estrela máxima do seu esporte, a única patinadora a realizar com perfeição o “Triple Axel”, o mais difícil e complicado movimento da patinação artística. Poucos sabiam, porém, que por trás dessa garota havia uma mãe obcecada, violenta e descontrolada, responsável direta não apenas pela trajetória de Tonya, mas também por tudo de mal que a garota seria capaz de fazer para conquistar suas vitórias. Tonya só era feliz quando estava no ringue de patinação com os holofotes e os aplausos do público. Na verdade, sua vida particular era um verdadeiro inferno, com sua mãe insana e o marido que a espancava quase todo dia. Não deixe de ver os créditos finais, que explicam os destinos que tiveram os principais personagens da história. Tudo isso está em “Eu, Tonya”, que consagrou a australiana Margot Robbie (Tonya) como uma ótima atriz, tendo sido indicada para receber o Oscar 2018. Seu trabalho é excelente. O diretor Gillespie tentou deixá-la menos linda, o que é impossível. Conseguiu pelo menos desglamourizá-la. Eu mesmo achava, antes deste filme, que Margot Robbie era mais bonita do que competente. Ela me convenceu também do contrário. Outro destaque do filme é a veterana Allison Janney no papel de LaVona Harding, mãe de Tonya, o que lhe valeu, com muita justiça, o Oscar 2018 de Melhor Atriz Coadjuvante. Enfim, um ótimo programa para curtir na telinha.  

“ELES” (“ILS”), 2006, escrito e dirigido por David Moreau e Xavier Palud. Competente terror francês, recheado de muito suspense e alta tensão. Conta a história de um casal de franceses, Clémentine (Olivia Bonamy) e Lucas (Michaël Cohen), moradores num casarão na zona rural próxima a Bucareste (capital da Romênia) – o filme não explica porque eles se estabeleceram por lá. Ela dá aulas de francês numa escola e ele é – ou tenta ser – escritor. Numa noite qualquer, eles escutam barulhos fora da casa e saem para ver o que está acontecendo. Um bando de intrusos cerca a casa e alguns tentam entrar. Como eles não aparecem na tela, até o desfecho o espectador fica imaginando quem seriam os intrusos: vândalos ciganos, zumbis, assaltantes ou até mesmo vampiros – afinal, a Romênia não é a terra do Drácula? Esse suspense prossegue em ritmo acelerado, prendendo e segurando a atenção até o final do filme. Dessa forma, como terror psicológico até funciona bem, mesmo porque tem alguns bons sustos e muita aflição, garantindo um bom entretenimento. No gênero, já vi vários filmes parecidos, alguns piores, outros melhores. Ah, esqueci de ressaltar que a história é baseada em fatos reais, como é explicado nos créditos finais.          

“COLHEITA AMARGA” (“Bitter Harvest”), 2017, Canadá, roteiro e direção do diretor alemão George Mendeluk. Trata-se de um drama histórico baseado em fatos reais, ambientado nos primeiros anos da década de 30 na Rússia.  Stalin ordenou a expropriação das terras produtivas dos agricultores ucranianos, alegando que elas pertenciam ao estado russo. Como os ucranianos não concordaram, Stalin simplesmente mandou seu exército confiscar tudo o que era produzido na Ucrânia. Além disso, como uma espécie de vingança, lançou o Projeto “Holodomor”, cujo objetivo era promover a morte da população da Ucrânia por inanição. O caso ficou conhecido como o “holocausto ucraniano”, pois causou a morte de cerca de 10 milhões de ucranianos. Esse lamentável fato histórico somente viria a público em 1991, logo depois da desintegração da União Soviética. Esse pavoroso genocídio colocou Stalin como um assassino  pior do que Hitler. “Colheita Amarga”, em sua fase inicial, é ambientado no vilarejo ucraniano de Smila, onde vivem as famílias de Yuri (Max Irons) e Natalka (Samantha Barks), ambas atingidas pela perseguição violenta de Stalin. O avô de Yuri é um herói de guerra ucraniano, Ivan Kachaniuk (Terence Stamp), opositor ferrenho de Stalin. Numa segunda fase, a ação muda para Kiev, para onde vai Yuri tentar a vida e ganhar dinheiro para enviar para sua família. O filme retrata de forma bastante realista o sofrimento do povo ucraniano, com muitas cenas de execução e tortura. Nem mesmo o romance entre Yuri e Natalka consegue amenizar o contexto dramático deste que foi considerado um dos maiores genocídios do Século XX. O filme merece ser visto por retratar um fato histórico tão importante.           

“O SACRIFÍCIO DO CERVO DOURADO” (“THE KILLING OF A SACRED DEER”), 2017, Inglaterra. O título já não é muito convidativo. E a sensação de dúvida aumenta ainda mais quando a gente lê na sinopse que o filme foi escrito e dirigido pelo diretor grego Yórgos Lánthimos, conhecido no mundo da Sétima Arte como um autor de filmes esquisitos, tais como “Dente Canino” e “O Lagosta”. Ou seja, um diretor excêntrico e hermético. Tentei desvendar o segredo do título e descobri que se refere a uma tragédia grega escrita por Eurípedes. O diretor Yórgos levou tão a sério que o filme realmente virou uma tragédia, repulsivo, desconfortável, perturbador e lúgubre. E olha que o elenco não é tão ruim: Colin Farrell, Nicole Kidman e Barry Keoghan (de “Dunkirk”), só para citar os principais nomes. Vamos à história: em suas horas de folga, o médico Steven Murphy (Farrell), um renomado cirurgião cardíaco, sempre conversa com o jovem Martin (Keoghan). Há anos que os dois mantém uma relação de verdadeiros amigos. Há um elo bastante forte que une os dois: o pai de Martin morreu durante uma operação de coração realizada por Murphy. Aos poucos, Martin vai se aproximando da família do médico, da esposa Anna (Kidman) e dos dois filhos Bob (Sunny Suljic) e Kim (Raffey Cassidy). A partir daí, o filme se transforma num suspense psicológico até que interessante: será que o garoto vai atingir a família do médico para se vingar da morte do pai? Tchan, tchan, tchan... Não espere explicações plausíveis para o que você vai ver. Pior de tudo é que o filme venceu o Prêmio de Melhor Roteiro no Festival de Cannes.  

Com “RODA GIGANTE” (“WONDER WHEEL”), 2017, Woody Allen comprova que ainda está em grande forma como roteirista e diretor, mesmo aos 82 anos. Este talvez seja seu melhor filme dos últimos anos, com uma trama bem apimentada e muito saborosa. É o Woody Allen de sempre: roteiro primoroso, diálogos inteligentes, trilha sonora com muito jazz antigo etc. Faltou um pouco mais de humor - não tem nem piada de judeu –, mas o resultado final é simplesmente irresistível. Ambientada nos anos 40, a história é centrada em Ginny (Kate Winslet), esposa de Humpty (James Belushi), operador de carrossel num parque de diversões na praia de Coney Island (distrito do Brooklyn, New York). Atriz fracassada, ela vive com Humpty um segundo casamento infeliz, ainda tendo que aturar os aprontos de Richie (Jack Gore), seu filho de 8 anos cujo único prazer é incendiar tudo que vê pela frente. Ginny acaba conhecendo o salva-vidas Mickey (Justin Timberlake) e os dois começam um caso. O romance proibido vai bem até a chegada da jovem e bela Caroline (Juno Temple), filha de Humpty, que abandonou um poderoso namorado mafioso. Para desespero de Ginny, Mickey começa a se interessar por Caroline, e vice-versa. Como a situação vai terminar, só vendo o filme. A  fotografia do consagrado Vittorio Storaro, que já havia trabalhado com Allen em “Café Society”, é nada menos do que deslumbrante. Mas o grande destaque é, sem dúvida, a atriz inglesa Kate Winslet, que tem, certamente, o melhor desempenho de toda a sua carreira, principalmente nas cenas em que demonstra – sem querer demonstrar - um ciúme doentio. Sua atuação é simplesmente magistral. Por este seu trabalho, merecia ganhar o Oscar de “Melhor Atriz”, mas não foi nem indicada. Mistérios da Academia... Em seus filmes, Allen sempre criou personagens femininas interessantes e poderosas, tanto é que nada menos do que cinco atrizes ganharam o Oscar dirigidas pelo diretor norte-americano: Kate Blanchett, Dianne West, Diane Keaton, Mira Sorvino e Penélope Cruz. E Allen continua com a corda toda: atualmente, está filmando “A Rainy Day in New York” (“Um dia chuvoso em Nova Iorque”). Depois de Fellini e Mario Monicelli, Woody Allen sempre foi meu diretor preferido. Resumo da ópera: “RODA GIGANTE” é imperdível!                         

“MÁS NOTÍCIAS PARA O SR. MARS” (“Des Nouvelles de La Planète Mars”), 2015, França/Bélgica, roteiro e direção do alemão Dominik Moll. Trata-se de uma comédia muito engraçada sobre um engenheiro, Phillippe Mars (François Damiens), que de repente se vê às voltas com várias situações que vão deixá-lo à beira de um ataque de nervos. Começa que sua ex-mulher, Myrian (Léa Drucker), uma repórter de TV, é obrigada a cobrir um evento internacional em Bruxelas (Bélgica) e pede a Phillippe que cuide dos seus dois filhos adolescentes. Como se não bastasse, sua irmã Xanaé Mars (Olivia Cotê) promove uma exposição de quadros nos quais retrata os pais completamente nús e, mais tarde, obriga Phillippe a ficar com seu cachorrinho de estimação. O suplício de Phillippe ainda não terminou. Jérôme (Vincent Macaigne), seu colega de trabalho no escritório, tem um surto psicótico, é internado numa clínica e depois liberado, indo pedir “asilo” na casa de Phillippe, levando a tiracolo uma paciente pela qual se apaixona, a birutinha Chloé (a maravilhosa atriz belga Verlee Baetens, do ótimo “Alabama Monroe”). A confusão está formada, garantindo boas risadas durante a maior parte do tempo. Só que nos minutos finais, o filme perde o ritmo de comédia e passa a adotar momentos do mais puro sentimentalismo, sem prejudicar o resultado final. Em todo caso, vale pelos diálogos bem humorados e pelas situações divertidas. Uma delas, a aparição dos fantasmas dos pais de Phillippe, dois velhinhos simpáticos que alegram o ambiente. Sem dúvida, um ótimo programa.                     

“O FILHO DE JOSEPH” (“Les Fils de Joseph”), 2016, França, escrito e dirigido por Eugène Green. A história é centrada no jovem Vincent (Victor Ezenfis), de 15 anos, criado pela mãe solteira Marie (Natacha Régnier). Vincent insiste que ela revele o nome do seu pai, que durante anos foi um segredo trancado a sete chaves. A mãe sempre tinha a mesma resposta: “Você não tem pai”. Um dia, porém, Vincent, garoto esperto, acaba descobrindo a identidade do pai, Oscar Pormenor (Mathieu Amalric), um importante editor de livros. Em meio a uma vingança planejada por Vincent contra o próprio pai, surge na história Joseph (Fabrizio Rongione), irmão de Oscar, que aparece do nada para pedir um empréstimo. Logo fica evidente que os irmãos nunca se deram e continuarão assim depois que Oscar recusa-se a atender ao pedido de Joseph. Papo vai, papo vem, Joseph faz amizade com Vincent, que fica interessado em Marie.  Até aí o filme fica interessante, mas perde o ritmo no final, principalmente quando, numa longa cena, Joseph, Marie e Vincent caminham na praia com um burrinho, uma referência explícita à cena bíblica de José e Maria a caminho de Belém. Trata-se de mais uma excentricidade do diretor norte-americano radicado na França, responsável pelo elogiado “La Sapienza”, também difícil de digerir. Na maioria de seus filmes, Eugène Green faz questão de colocar pitadas de humor negro, diálogos com pretensões intelectuais e uma certa erudição. Em "O Filho de Joseph", por exemplo, ele dá grande destaque a um quadro pendurado no quarto do jovem Vincent, "O Sacrifício de Isaac", pintado por Caravaggio no Século 17. Resumo da ópera: Eugène quis fazer um filme com pretensões intelectuais, mas acabou reforçando ainda mais a sua imagem de diretor excêntrico. Como informação adicional, lembro que assinam a produção Luc e Jean-Pierre, conhecidos como os Irmãos Dardenne, consagrados diretores belgas. “O Filho de Joseph” é apenas interessante, longe de agradar o grande público.                   

“ROMAN J. ISRAEL” (“Roman J. Israel, Esq.”), roteiro e direção de Dan Gilroy (do excelente “O Abutre”, com Jake Gyllenhaal), conta a história de um advogado criminalista brilhante, Roman Israel (Denzel Washington), mas um tipo bastante estranho: gordo, desajeitado, roupas cafonas e um cabelo “black power” igual aos ativistas dos anos 60/70 – ele idolatra especialmente Angela Davis. Durante anos, ele atuou nos bastidores do escritório e dos tribunais, elaborando as estratégias de defesa que seu sócio, Willian Henry Jackson, utilizava, com grande sucesso nos julgamentos. Quando Willian sofre um ataque cardíaco e entra em coma, Roman é obrigado a assumir o seu trabalho nos tribunais. Só que Roman é um advogado radicalmente idealista, seguindo à risca os princípios morais e éticos da profissão. Pode estar diante de um juiz no tribunal ou de um importante promotor, ele não tem medo de enfrentar qualquer autoridade para fazer valer as suas convicções. Depois que seu escritório é fechado, ele passa a trabalhar para outro advogado de sucesso, George Pierce (o ator irlandês Colin Farrel), um verdadeiro “tubarão” no meio jurídico, advogado/empresário que só enxerga o Direito como uma forma de ganhar dinheiro, sem concessões à ética da profissão. Mais um grande trabalho de Denzel Washington, que, pelo papel, foi indicado ao prêmio de “Melhor Ator” no Oscar 2018. Denzel já havia conquistado a estatueta de Melhor Ator em 2002 por “Dia de Treinamento” e a de Melhor Ator Coadjuvante por “Glory”, em 1990. “Roman J. Israel” tem como seu maior trunfo justamente o desempenho de Denzel, embora a história também seja ótima e o filme muito bom.                     

Selecionado para representar o Senegal na disputa do Oscar 2018 de Melhor Filme Estrangeiro, “FÉLICITÉ”, roteiro e direção de Alain Gomis, é um drama bastante pesado, centrado numa mulher bastante sofrida, maltratada pela vida. Ao contrário do que possa sugerir o seu nome, Félicité (Véronique Beya Mputu) é uma mulher infeliz, mas muito corajosa para manter e custear as despesas da casa e sustentar o filho Tabu (Gaetan Claudia), um jovem de 16 anos que ainda não encontrou um caminho na vida. Ela mora num bairro pobre de Kinshasa, capital da República Federal do Congo, e faz bico como crooner de uma banda num bar que para ser chamado de espelunca precisa melhorar muito. Quando seu filho sofre um grave acidente e precisa ser operado, Félicité vai à luta para arranjar dinheiro. Pede para todo mundo, inclusive para quem não conhece, expondo-se várias vezes a uma grande humilhação. E mesmo assim ela vai em frente. Triste acompanhar o drama dessa mulher batalhadora, cujo único prazer é cantar. Trata-se de um filme de grande impacto, dramático além da conta, mas que apresenta uma personagem de muita coragem, representada por uma ótima atriz. Enfim, um filme que não abre concessão para nenhum tipo de sorriso ou momento sensível. Estreou durante o 67º Festival de Cinema de Berlim, em fevereiro de 2017, conquistando o Grande Prêmio do Júri.      

“MARK FELT – O HOMEM QUE DERRUBOU A CASA BRANCA” (“Mark Felt: The Man Who Brought Down The White House"), 2017, EUA, roteiro e direção de Peter Landesman. Quem não se lembra do famoso caso Watergate e a consequente renúncia do presidente Richard Nixon em 1974? Quem não se lembra também que tudo aconteceu depois que um informante misterioso entregou todo o esquema escabroso da Casa Branca (invasão à sede do Partido Democrata) aos jornalistas Bob Woodward e Carl Bernstein, do jornal Washington Post? Até 2005, a identidade do informante, na época apelidado de “Garganta Profunda” (“Deep Throat”), ficou escondida. Até que Mark Felt resolveu escrever um livro de memórias, “A G-Man’s Life”, juntamente com o advogado John D. O’Connor. Contou tudo, desde a tramoia da Casa Branca para esconder a responsabilidade de Nixon e o esquema engendrado pelo governo para nomear um homem de confiança para ocupar o posto de nº 1 do FBI no lugar do recém-falecido J. Edgar Hoover. Felt seria o substituto natural, já que era o nº 2. Além disso, Felt conta em detalhes o que aconteceu nos bastidores da Casa Branca e do FBI durante aquela grave crise política, para enfim confessar que foi ele mesmo quem entregou tudo aos jornalistas do Washington Post. O elenco é ótimo: Liam Neeson, Diane Lane, Maika Monroe, Josh Lucas Tony Goldwyn, Eddie Marsan, Noah Wyle, Tom Sizemore e Kate Walsh. Embora a crítica especializada não tenha gostado do filme, eu gostei muito, pois adoro todos esses filmes que revelam os bastidores de casos importantes, como foi o de Watergate. Eu achei um filmaço!       

                    

“A GAROTA DESCONHECIDA” (“Lafille inconnue”), 2016, Bélgica, roteiro e direção de Jean-Pierre e Luc Dardenne, mais conhecidos como os Irmãos Dardenne. A história é centrada na jovem médica Jenny (Adèle Haenel), que assumiu interinamente os trabalhos de uma clínica pertencente a um experiente médico que foi seu mentor na faculdade e na fase de residência. Além de atender os pacientes na clínica, a dra. Jenny também tem como rotina de trabalho visitas a pessoas idosas e com dificuldade de locomoção. Em determinada noite, uma hora após fechar a clínica, a campainha toca e Jenny, dado o adiantado da hora, resolve não atender. Depois, porém, ela fica sabendo que quem tocou a campainha foi uma imigrante africana que na mesma noite seria encontrada morta. Pronto, acabou o sossego para a médica, que não se conforma com o fato da moça ter sido enterrada como indigente porque ninguém apareceu para reclamar o cadáver. A assim o filme segue com a dra. Jenny tentando achar a família da falecida, o que lhe acarretará alguns perigos por parte de alguns marginais. O pessoal que assistiu o filme no Festival de Cannes, público, jornalistas e críticos, não gostou. Numa das sessões, o filme chegou a ser vaiado. Realmente, não é o melhor dos Irmãos Dardenne, que já nos presentearam com ótimas produções como “A Garota da Bicicleta” e “A Criança”. De qualquer forma, impossível não elogiar a excelente atuação de Adèle Haenel, jovem atriz francesa que está entre as melhores de sua geração. Quem quiser conferir outros trabalhos magistrais de Haenel, recomendo “Amor à Primeira Briga” e “Os Homens que Elas Amavam”.       

                    

Vencedor do Oscar/2018 de Melhor Filme Estrangeiro, o drama chileno “UMA MULHER FANTÁSTICA” (“UNA MUJER FANTÁSTICA”), roteiro e direção de Sebastián Lelio (do espetacular “Glória”), teve sua primeira exibição ocorrida durante o Festival de Berlim, em fevereiro de 2017, causando grande polêmica. Afinal, sua história é toda centrada na garçonete/cantora transexual Marina (Daniela Vega, também transexual e cantora lírica na vida real). Ela mora com o namorado bem mais velho Orlando (Francisco Reyes), que logo no começo do filme sofre a ruptura de um aneurisma e acaba falecendo. Pressionada pela família de Orlando, que não se conformava com o romance – afinal, quando os dois se conheceram Orlando ainda era casado –, a polícia começa a desconfiar que Marina pode ter assassinado o companheiro. Mesmo sofrendo esse tipo de perseguição, incluindo a humilhação de ser proibida de comparecer ao velório e ao enterro de Orlando, Marina enfrenta tudo com muita coragem. Numa das cenas mais bonitas do filme, Marina está andando por uma rua e, de repente, é atingida de frente por uma violenta ventania. Ela se enverga, luta contra o vento e consegue se manter de pé. Daniela Vega é uma atriz espetacular. Um belo filme, sem dúvida, mas preferia que o austríaco “Corpo e Alma” fosse o vencedor do Oscar.   

“FEITO NA AMÉRICA” (“AMERICAN MADE”), 2017, direção de Doug Liman, com roteiro de Gary Spinelli, conta a incrível história, baseada em fatos reais, do piloto de aviação Barry Seal (Tom Cruise), que no fim dos anos 70 abandonou uma carreira segura como piloto da TWA (Trans World Airlines) depois de ser recrutado pela CIA para fotografar bases de guerrilheiros rebeldes e zonas dedicadas à produção de drogas em países da América do Sul e Central. Nesse trabalho, que entrou pelos anos 80, Seal contrabandeou armas para os “contras” da Nicarágua e depois, cooptado pelos traficantes colombianos, incluindo Pablo Escobar, transportou toneladas de cocaína da Colômbia para os Estados Unidos. Ganhou rios de dinheiro, ficou milionário, mas depois teve de pagar o preço por essa vida arriscada e aventureira. Toda essa história é contada num ritmo alucinante, com muita ação. Os vôos arriscados e os perigos inerentes ao trabalho de piloto servindo aos traficantes são o ponto alto do filme. O diretor Doug Liman é especialista em filmes de ação. Dirigiu, por exemplo, “A Identidade Bourne”, “No Limite do Amanhã” e “Na Mira do Atirador”, entre outros. “Feito na América” também ratifica o astro Tom Cruise como um ótimo ator de filmes de ação. Neste, especialmente, ele dá show. Excelente entretenimento!                    

“EM CIMA DO MURO” (“L’EMBARRAS DU CHOIX”), 2017, França, roteiro e direção de Eric Lavaine (“Sobre Amigos, Amor e Vinho”). Trata-se de uma simpática e agradável comédia romântica com alguns diálogos inteligentes e bons momentos de humor. Aos 40 anos, Juliette (a feiosa/charmosa Alexandra Lamy, 46 anos na vida real) conserva um defeito que carrega desde criança: é indecisa demais. Para escolher um esmalte ou uma roupa, depende sempre da opinião das amigas Joelle (Anne Marivin) e Sonia (Sabrina Ouazani), além dos conselhos do pai. Um dia, com a ajuda de Joelle e Sonia, Juliette entra num site de relacionamentos e acaba conhecendo Paul (Jamie Bamber), um bonitão escocês pelo qual se apaixona perdidamente. Ao mesmo tempo, porém, ela conhece Étienne (Arnaud Ducret), um charmoso professor de culinária. Pinta nova paixão. E agora? Qual deles ela escolherá? Mais uma indecisão que lhe trará grandes problemas. A partir daí, o filme ganha algumas situações muito engraçadas, pois Juliette, sem saber o que fazer, vai tentar “enrolar” os dois, mas não é esperta o suficiente. No gênero “comédia romântica”, trata-se de um filme acima da média, mesmo que não exija muito dos neurônios.                     

Selecionado para representar o Nepal na disputa do Oscar 2018 de Melhor Filme Estrangeiro, “SOL BRANCO” (“SETO SURYA”, título original, e nos países de língua inglesa “White Sun”), é o segundo longa-metragem escrito e dirigido pelo nepalês Deepak Rauniyar – o primeiro foi Higway, de 2012. A história é ambientada num pequeno vilarejo montanhoso cuja população continua arraigada às tradições milenares do Tibete. Um de seus antigos moradores, Chandra (Dayahang Rai), chega à aldeia depois de lutar ao lado dos rebeldes maoístas – apoiados pela China, claro – contra o governo monárquico (a guerra civil se estendeu por 10 anos, de 1996 até 2006, ocasionando a morte de 12.700 pessoas). Chandra voltou para participar do enterro do pai. Ao chegar, Chandra passou a discutir com o irmão Suraj (Rabindra Singh Baniya) por motivos políticos e também por disputarem a mesma mulher. Pela tradição, o corpo do pai tem de ser levado pelos filhos, mas Suraj se recusa a fazê-lo com o irmão maoísta. Está criado o impasse, envolvendo ainda as lideranças do vilarejo e até mesmo as crianças. Apesar do contexto dramático, a situação acaba gerando um certo humor negro, o que torna essa produção do Nepal, de curta duração (89 minutos), um entretenimento dos mais agradáveis. Um dos trunfos do diretor Rauniyar foi a utilização de atores amadores, o que tornou a história mais realista.                   

“TRÊS ANÚNCIOS PARA UM CRIME” (“Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”), EUA, 2017, roteiro e direção de Martin McDonagh. Com este sensacional thriller policial, Frances McDormand acaba de ganhar seu segundo Oscar como Melhor Atriz (o primeiro foi por “Fargo”, em 1998). Ela interpreta Mildred Hayes, uma mãe que teve a filha assassinada e que se revolta com o fato da polícia local, comandada pelo xerife Bill Willoughby (Wood Harrelson), não ter encontrado o assassino. Decide, então, comprar espaço publicitário em três outdoors de estrada e lá escreve acusações contra o xerife. O fato provoca uma série de reações não só por parte da polícia como também da população local, já que todo mundo adora Bill. Jason Dixon (Sam Rockwell), um dos policiais da cidade, toma as dores do chefe/xerife e começa a perseguir Mildred, que jamais se intimida. Pelo contrário, parte também para a violência – algumas cenas lembram o estilo de Tarantino. Frances McDormand dá um show como a mulher durona que não tem medo de partir para a briga. Outro destaque é o ator Sam Rockwell, também com justiça vencedor do Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. Sempre achei Rockwell um ótimo ator, mas pouco aproveitado por Hollywood. Quem sabe a partir de agora sua carreira deslanche de vez. Ponto também para o diretor Martin McDonagh, responsável por outros dois bons filmes, “Na Mira do Chefe” e “Sete Psicopatas e um Shih Tzu”, este último também com Sam Rockwell.