“FLORES” (“Loreak”), 2015, Espanha, direção de Jon Garaño e José Mari Goenaga. Trata-se do primeiro filme espanhol inteiramente falado em basco. Além disso, foi selecionado para representar a Espanha na disputa do Oscar 2016 de Melhor Filme Estrangeiro. Merecia melhor sorte, pelo menos estar entre os cinco finalistas, pois o filme é muito bom. Talvez o seu maior trunfo seja o primoroso roteiro, elaborado pelos diretores – com a colaboração de Aitor Arregi – para contar uma história extremamente sensível. Ane (Nagore Aranburu), uma mulher de meia idade, está fragilizada pela indiferença do marido e, para piorar, recebe a notícia do seu médico informando que acabara de entrar numa menopausa precoce. Ao mesmo tempo, passa a receber flores de algum admirador anônimo, o que de certa forma faz com que recupere o ânimo e passe a se sentir melhor. Numa cena tocante dentro de um ônibus lotado, ela fica olhando os homens imaginando qual deles ela gostaria que fosse o seu admirador. Numa segunda vertente da história, Lourdes (Itizar Ituño) vive uma crise no casamento com Beñat (Josean Bengoetxea) por conta da intromissão constante da sogra Tere (Itziar Aizpurn) em sua rotina doméstica. Tere fica xeretando a vida íntima do casal e ainda interfere na decoração da casa, o que deixa Lourdes furiosa. Beñat assiste a tudo sem tomar partido. Ele é colega de trabalho de Ane num canteiro de obras, responsável pela operação de um guindaste e passa o dia nas alturas. Com um binóculo, ele costuma bisbilhotar tudo o que se passa na área, inclusive os passos de Ane. Um dia, para consternação geral, Beñat morre num acidente de carro. Semanas depois, ao depositarem flores no local do fatídico acidente, a mãe e a esposa de Beñat percebem que mais alguém faz o mesmo. Tere logo descobre quem deposita as flores. Lourdes demora a descobrir. A reação de ambas em relação à pessoa é completamente diferente. As três mulheres comandam o filme inteiro, ressaltando o maravilhoso desempenho das atrizes que as interpretam, motivando o crítico Luiz Zanin, do Estadão, a afirmar que “Loreak revela-se uma obra de alma feminina”. Não dá para acreditar que um filme tão bom não tenha sido exibido por aqui no circuito comercial. Só o viu quem esteve no 25º Cine Ceará – Festival Íbero-Americano de Cinema, realizado em junho de 2015. Imperdível!     

Para quem gosta de filmes de ação, “O ASSASSINO: O PRIMEIRO ALVO” (“American Assassin”), 2017, EUA, não nega fogo. Tem pancadaria à vontade, tiros, perseguições e muita ação. A história é baseada no livro “American Assassin”, escrito por Vince Flynn, especialista em romances políticos e de espionagem. A direção é de Michael Cuesta (“O Mensageiro” e o roteiro assinado pelo quarteto Edward Zwick, Marshall Herskovitz, Michael Finch e Stephen Schiff. Depois de presenciar a morte de sua noiva Katrina (Charlotte Vega) num atentato terrorista, o jovem Mitch Rapp (Dylan O’Brien, de “Maze Runner: Prova de Fogo”) jura vingança, passa a praticar artes marciais e consegue infiltrar-se no grupo responsável pelo atentado. Quando parte para a ação, sozinho, ele elimina os assassinos. Sem saber, Mitch está sendo monitorado pela CIA, que resolve recrutá-lo e treiná-lo. Mitch é encaminhado para um centro de treinamento comandado pelo ex-militar e ex-agente da CIA Stan Hurley (Michael Keaton). Os métodos são violentos e desencorajadores, mas Mitch é durão e passa no teste. Nesse meio tempo, a CIA consegue informações a respeito de um grupo terrorista iraniano que tem em seu poder uma bomba atômica cujo destino é Israel. A CIA entra imediatamente em ação e escala a turma de Hurley, incluindo Mitch, para a difícil missão de descobrir o paradeiro do grupo terrorista e desarmar a bomba. As cenas de ação são muito bem elaboradas e o filme teve locações em cidades como Istambul, Varsóvia e Roma, entre outras. “American Assassin” é um dos maiores sucessos em vendas (só nos EUA foram 12 milhões de exemplares) do escritor Vince Flynn, falecido precocemente, aos 47 anos, em 2013. Mitch Rapp é personagem de vários livros escritos por Flynn.   

Premiadíssimo filme iraniano, o drama “NAHID – AMOR E LIBERDADE” (“NAHID”), 2015, marca a estreia na direção da jovem diretora Ida Panahandeh, também autora do roteiro. A história é centrada em Nahid (Sareh Bayat), que conseguiu obter o divórcio de Ahmad (Navid Mohammadzadeh), um viciado que não consegue largar as drogas, principalmente a heroína. Eles têm um filho de 10 anos, Amir Reza (Milad Hossein Pour), que ficou com a guarda da mãe depois de um acordo acertado com o pai – segundo as leis religiosas iranianas de divórcio, o pai obtém automaticamente a guarda do filho. No Irã, os divórcios só podem ser concretizados mediante a autorização do marido. Nahid obteve a guarda do filho, mas jamais poderá casar novamente. Só que ela acaba se apaixonando por Masoud (Rejman Bazeghi), um viúvo proprietário de um pequeno hotel no litoral. Nahid enfrentará um grande dilema, ou seja, assumir o romance com Masoud, que quer casar com ela, e perder a guarda do filho para o ex-marido drogado ou então ficar com o filho e renunciar ao amor de Masoud. Complicado, principalmente depois que a família de Ahmad fica sabendo da relação de Nahid com Masoud. O filme é todo de Sareh Bayat, a ótima atriz que estreou no cinema em “A Separação”, de 2011, Oscar de Melhor Filme Estrangeiro. “Nahid” foi premiado no Festival de Cannes 2015 com o “Prix Avenir Prometteur”, destinado a diretores estreantes.   

O drama francês “UMA HISTÓRIA BANAL” (“Une Histoire Banale”), 2014, escrito e dirigido por Audrey Estrougo, conta a história de Nathalie (Marie Denarnaud), uma mulher bonita e charmosa que, aos 30 anos, vive uma fase bastante feliz. Está prestes a morar com o namorado Wilson (Oumar Diawr), por quem está apaixonada, vive cercada de amigos e curte seu ambiente de trabalho como enfermeira num hospital. Toda essa felicidade vai durar pouco. Depois de sair com os amigos para dançar, Nathalie aceita a carona de um deles, Damien (Renaud Astegiani), que demonstrava há tempos uma evidente obsessão por ela, assediando-a com telefonemas e convites para sair. Ao chegar à casa de Nathalie, Damien parte para o ataque, mas é rejeitado. Ele se vinga estuprando a moça. Depois do que aconteceu, a vida de Nathalie vira um tormento. Traumatizada e com sérios problemas psicológicos em razão do que aconteceu, Nathalie passa a se comportar de maneira estranha. Para quem não passou pela mesma experiência traumática, talvez seja difícil entender a Nathalie pós-estupro. O desfecho dá margem às mais variadas interpretações e motiva as espectadoras a fazer uma difícil reflexão: o que eu faria no lugar de Nathalie? O desempenho da atriz Marie Denarnaud é excelente. Mais um bom filme francês que merece ser visto.   

Para atuar em “Clube de Compras Dallas”, o ator Matthew McConaughey teve de emagrecer 22 quilos, o que contribuiu, além da sua ótima atuação, para conquistar o Oscar 2014 de Melhor Ator. Em “OURO E COBIÇA” (“GOLD”), 2017, para interpretar o personagem do empresário Kenny Wells, McConaughey precisou engordar 19 quilos. No filme, além de gordo, o ator aparece bastante calvo e usando uma dentadura falsa, adotando um visual bem diferente do galã que estamos acostumados a ver na tela. E seu desempenho é também muito bom, o que pode garantir uma nova indicação ao Oscar 2018. Vamos aguardar. “Ouro e Cobiça” é baseado em fatos reais que resultaram num grande escândalo financeiro no início dos anos 90 envolvendo a empresa canadense BRE-X Mineral Corporation. No filme, McConaughey vive o empresário e aventureiro Kenny Wells, que em meados dos anos 80 se associa ao geólogo Michael Acosta (o ator venezuelano Edgar Ramirez) para explorar uma possível mina de ouro na Indonésia. A notícia do resultado positivo dessa exploração chega a Wall Street e a empresa de Wells passa a ser um grande sucesso na Bolsa, atraindo milhares de investidores. Logo depois, porém, a verdade virá à tona e não será nada agradável, nem para Wells e muito menos para os investidores. O filme vale pela história em si, desconhecida por aqui, como pelo desempenho magistral de McConaughey, que na vida real é casado, desde 2012, com a modelo brasileira Camila Alves. 

“DUNKIRK”, 120 minutos, EUA, retrata um dos episódios mais impressionantes e incríveis da Segunda Guerra Mundial. Em maio de 1940, mais de 300 mil soldados ingleses e aliados foram encurralados pelas tropas alemãs nas praias de Dunkirk, em território francês (nos livros de história que li, o nome que aparecia era sempre Dunquerque). Se não houvesse a evacuação imediata, os soldados certamente teriam sido mortos pelo exército nazista, maior em número e bem mais armado. A estratégia emergencial colocada em prática – que recebeu o nome de Operação Dínamo – foi a utilização de embarcações civis e militares para buscar os soldados do outro lado do Canal da Mancha e levá-los para a Inglaterra. No total, foram utilizados 665 barcos civis e 222 embarcações militares. O primeiro-ministro Winston Churchill queria os soldados de volta para reforçar a defesa da Inglaterra contra uma possível invasão alemã. No filme, escrito e dirigido pelo inglês Christopher Nolan (conhecido pela trilogia Batman, “Intersestelar”, “Amnésia” e “A Origem”), a ação predomina em ritmo frenético, numa proposta visual bastante ousada, com algumas cenas realmente sensacionais e poucos diálogos. O filme foi realizado sob três perspectivas diferentes: terra, mar e ar. Na terra, o enfoque envolveu as tentativas do soldado Tommy (Fionn Whitehead) e de seus companheiros de fugir da praia e entrar numa das embarcações. No mar, a ação privilegiou os esforços das embarcações civis em chegar a Dunkirk e resgatar os soldados, em especial o barco de Dawson (Mark Rylance). No ar, o filme destacou os esforços do piloto Ferrier (Tom Hardy) em afastar os aviões alemães de Dunkirk, em ótimas cenas de batalha aérea. O filme de Nolan é muito bom e tem tudo para conquistar algumas indicações ao Oscar 2018, incluindo até mesmo a trilha sonora criada por Hans Zimmer. Sem dúvida, um dos melhores filmes de guerra feitos nos últimos anos.                   

O que você faria se sua filha de 17 anos resolvesse, de uma hora para outra, ingressar no Estado Islâmico e virar uma terrorista? O drama francês “NÃO ME ABANDONE” (“Ne M’Abandonne Pas”), 2015, direção de Xavier Durringer, pode ajudar você a dar essa resposta. A jovem Chama (Lina El Arabi), de 17 anos, sofre a tradicional lavagem cerebral e acaba se casando pela Internet com um antigo namorado francês, que foi cooptado pelo EI e que agora mora na Síria. Está tudo preparado para que Chama vá para a Síria fazer parte do grupo terrorista. A médica Inès (Samia Sassi), mãe de Chama, descobre o plano e fará tudo para que a filha não entre nessa “furada”. Para isso, conta com a ajuda do ex-marido Sami (Sami Bouajila) e de Adrien (Marc Lavoine), pai de Louis, o jovem francês recrutado pelo EI e marido “virtual” de Chama. Pela Internet, Inès fica sabendo como o EI faz a cabeça dos jovens – o filme, de forma didática, mostra alguns vídeos do EI com mensagens motivacionais e os métodos empregados para atrair candidatos para a causa. O filme também acompanha o sofrimento de Inès e sua luta para resgatar a filha das garras dos terroristas. “Não me Abandone” foi produzido originalmente para ser uma minissérie para a TV francesa, exibida em 2016, e que agora virou filme. O tema é bastante atual e merece ser motivo de reflexão. Ninguém está livre dessa situação.              

“EU SOU UM ASSASSINO” (“JESTEM MORDERCA”), Polônia, 2016, escrito e dirigido por Maciej Pieprzyca. Baseado em fatos reais, o filme relembra o caso do “Vampiro”, como foi apelidado o serial killer Zdzislaw Marchwicki, responsável pelo assassinato de 14 mulheres em cidades próximas a Varsóvia. A polícia não conseguia encontrar o assassino e foi ainda mais pressionada depois que ele assassinou a sobrinha de Edward Gierek, um alto dirigente do partido comunista, então no poder na Polônia. Policiais mais experientes foram afastados do caso e as investigações passaram a ser comandadas pelo detetive Janusz Jasinski (Miroslaw Haniszewski, em ótima atuação), sem muita experiência nesse tipo de caso. Até chegar ao assassino, inclusive com a ajuda de um computador, o policial sofrerá uma grande pressão não só de seus superiores como da mídia em geral. Jasinski chegará ao limite físico e psicológico, tentando aplacar a situação com um cigarro atrás do outro e muita vodka, além dos favores de uma amante bem mais jovem que sua esposa. Mesmo depois de chegar ao criminoso – que no filme recebeu o nome de Wieslaw Kalicki (Arkadiusz Jakubik)–, e se transformar num verdadeiro herói, Jasinski não desestressou. Passou a duvidar das evidências e, depois de visitar diariamente o assassino na prisão, chegou à conclusão de que Kalicki não tinha o perfil de um serial killer. Na última quarta parte do filme, a história passa a destacar o julgamento do assassino e sua possível condenação à morte. O filme é excelente, tem muito suspense e um ritmo frenético. Imperdível!       

Para quem gosta de filmes históricos, “A JOVEM RAINHA” (“The Girl King”), 2015, coprodução Finlândia/Alemanha/Canadá/Suécia/França - falado em inglês - é um ótimo programa. Escrito por Michel Marc Bouchard e dirigido pelo diretor finlandês Mika Kaurismäki, o filme conta a atribulada trajetória da Rainha Cristina da Suécia, em meados do Século XVII. Órfã de pai aos seis anos de idade, depois da morte do Rei Gustavo II, Cristina era a única herdeira do trono, só que para os padrões daquela época, inconcebível uma mulher assumir cargo tão importante. Dessa forma, nas mãos do seu tutor, Chanceler Axel Oxenstierna, ela foi criada como um príncipe. Aos 18 anos, foi finalmente coroada rainha. Após assumir, Cristina passou a cultivar as artes e as ciências, além da filosofia – ela se correspondia e depois ficaria amiga do filósofo francês René Descartes (1596-1650). Cristina ficou famosa também por gostar de mulheres (o título original é esclarecedor). Seu caso mais rumoroso foi com a dama de companhia, a condessa Ebba Sparre. Nos papéis principais, ótimos desempenhos da atriz sueca Malin Buska (Rainha Cristina), Michael Nyqvist (ator sueco falecido em junho de 2017) como o Chanceler Axel Oxenstierna, a canadense Sarah Gadon como a condessa Sparre, e o ator francês Patrick Bauchau, como René Descartes, além da atriz alemã Martina Gedeck e do ator francês Hippolyte Girardot. Outros destaques positivos são a ótima fotografia e a recriação de época, especialmente os cenários e os figurinos. “A Jovem Rainha” pode ser considerada uma refilmagem livre do clássico “Rainha Cristina”, de 1933, com Greta Garbo arrasando no papel principal. Irmão do também diretor de cinema Aki Kaurismäki, Mika tem uma relação antiga e muito próxima com o Brasil. Ele foi o responsável, por exemplo, pelos documentários “Brasileirinho – Grandes Encontros do Choro”, de 2005, “Bem-Vindo a São Paulo, de 2004, e “Moro no Brasil”, de 2002. Mika mora há 25 anos no Rio de Janeiro, é casado com uma baiana e tem dois filhos brasileiros.       

Momentos de muita tensão e suspense estão garantidos no drama de guerra “NA MIRA DO ATIRADOR” (“THE WALL”), 2017, EUA, direção de Doug Liman. Iraque, 2007, os sargentos norte-americanos Allen Isaac (Aaron Taylor Johnson) e Shane Matthews (John Cena) são enviados a um local extremo no deserto iraquiano para investigar um possível atentado que matou vários engenheiros e militares que trabalhavam na construção de um oleoduto. Ao chegarem ao local, porém, descobrem que as vítimas foram mortas a tiros precisos na cabeça, indicando que a matança tenha sido obra de um franco-atirador, ou seja, um sniper. A confirmação viria logo depois, quando ambos são atingidos por tiros disparados não se sabe de onde. Encurralados pelo atirador, os dois soldados norte-americanos só contam com a proteção de uma antiga parede de tijolos. Para piorar ainda mais a situação, o atirador iraquiano consegue interceptar uma comunicação via rádio que Isaac tentava concluir para pedir ajuda ao seu pelotão. O iraquiano fala um inglês fluente e inicia uma longa conversa com Isaac, transformando o embate num claro duelo psicológico. Não será muito fácil para os soldados norte-americanos saírem vivos dessa situação, a não ser que cheguem reforços, a famosa “cavalaria”. O maior mérito do diretor Liman foi manter o nível de tensão mesmo com apenas dois personagens e uma voz in-off em cena, o que poderia deixar o filme arrastado e monótono. Mais uma prova da competência do diretor, responsável também por bons filmes de ação como “A Identidade Bourne” e “Sr. & Sra. Smith”, entre outros. "Na Mira do Atirador" revela-se, portanto, um ótimo programa.           

O drama norte-americano “CASTELO DE VIDRO” (“The Glass Castle”), 2017, com roteiro e direção de Destin Daniel Cretton, é baseado no livro autobiográfico da jornalista Jeanette Walls, “The Glass Castle”, lançado em 2005 e traduzido para mais de 30 idiomas. Enfim, um grande best-seller. Walls relembra todos aqueles anos em que ela e os três irmãos conviveram com os pais totalmente desequilibrados e irresponsáveis, Rex (Woody Harrelson) e Rose Mary (Naomi Watts). Ele, um sonhador lunático, desempregado crônico e alcoólatra. A mãe, uma artista plástica que imagina um dia sagrar-se uma grande pintora, mas sem nenhum talento para tal. Pai e mãe sempre encararam a vida contrários a qualquer tipo de rotina familiar convencional. Nem com os quatro filhos eles foram capazes de mudar a filosofia de vida. Viraram nômades, mudavam de cidade para cidade, sempre morando em casas caindo aos pedaços. Para disfarçar sua incompetência como chefe de família, Rex prometia que um dia construiria uma grande casa de vidro, o tal castelo do título. Jeanette e os irmãos podem se queixar que, por causa dos pais irresponsáveis, passaram por muitas dificuldades, incluindo falta de comida e lugar para dormir. Mas jamais poderiam se queixar de que a vida da família era uma rotina chata. Pelo contrário, foi, durante anos, uma grande aventura, cheia de imprevistos, a cada dia uma novidade, boa ou ruim. No filme, interpretada pela excelente Brie Larson (Oscar de Melhor Atriz em 2016 por “O Quarto de Jack”), Walls aparece já como uma jornalista de sucesso em Nova Iorque, querendo esquecer o seu passado, mas não consegue, principalmente em razão da sua forte ligação com o pai, uma relação de amor e ódio. A atuação de Woody Harrelson é excelente, tanto que muitos críticos já estão acreditando numa possível indicação ao Oscar 2018 para disputar o prêmio de Melhor Ator. No geral, o filme é muito bom. Nos créditos finais, o diretor Cretton apresenta os verdadeiros personagens como estão nos dias de hoje. 

Típico representante do cinema de arte francês, “O IGNORANTE” (“Le Cancre”), 2016, tem roteiro e direção de Paul Vecchiali, que ainda atua como o personagem principal. É basicamente uma obra teatral, verborrágica e musical, com diálogos bastante inspirados e bem-humorados, mas muitas vezes arrastados além da conta. A base da história é o difícil relacionamento entre Rodolphe (Vecchiali) e seu filho Laurent (Pascal Cervo). Ao discutir sua vida com Laurent, Rodolphe faz um balanço reflexivo da sua agitada vida amorosa. Nesse ponto, as mulheres com as que se relacionou surgem em cena para conversar com Rodolphe e relembrar o romance que tiveram, os altos e baixos e, principalmente, tentam descobrir o que não deu certo nas respectivas relações. Fica evidente, desde o início, que Rodolphe só teve um grande amor na vida, sua cunhada Marguerite (Catherine Deneuve), irmã de sua esposa. Os momentos mais engraçados ficam por conta da falta de sintonia entre pai e filho. Rodolphe tem a pose aristocrática, veste hobby de chambre e echarpes, enquanto Laurent não troca um moletom surrado, alvo constante da implicância do seu pai. Além de Vecchiali, Cervo e Deneuve, completam o elenco atores e atrizes consagrados do cinema e teatro francês, como Mathieu Amalric, Annie Cordy, Françoise Lebrun, Françoise Arnoul, Edith Scob e Marianne Basler. Sem dúvida, um filme bastante interessante e inteligente, mas muito longe de agradar o grande público.    

“VIVA”, 2015, coprodução Irlanda/Cuba, direção de Paddy Breathnach, com roteiro de Mark O’Halloran. O drama é centrado no jovem Jesus (Héctor Medina), de 18 anos, que vive perambulando pelas ruas de Havana tentando sobreviver fazendo bicos como garoto de programa – os principais clientes são os turistas que visitam a ilha – e como maquiador e penteador de perucas num clube noturno de drag queens. Ele gosta de cantar e um dia pede uma chance ao dono do clube para fazer uma apresentação com o nome artístico de “Viva”, o que justifica o título do filme. Jesus faz sucesso e acaba incluído na programação. Tudo vai bem até aparecer seu pai Angel (o ótimo Jorge Perugorría), um ex-boxeador que estava preso há 15 anos. Claro que ele, machão convicto, não vai gostar do que o filho está fazendo e aí os dois entram em conflito, dificultando o relacionamento. Ao mesmo tempo, o filme pinta um quadro não muito otimista sobre o regime cubano: mostra uma Havana triste, com muitos desempregados e gente sem esperança. As pessoas vivem pedindo dinheiro emprestado para comprar comida. Para contrastar, “Viva” apresenta um sistema público de saúde que funciona para os mais pobres, principalmente quando Jesus precisa internar o pai gravemente enfermo. O filme foi premiado em vários festivais pelo mundo afora e representou a Irlanda na disputa do Oscar 2016 de Melhor Filme Estrangeiro – foi um dos 9 pré-finalistas. Sua primeira exibição por aqui, antes do circuito comercial, aconteceu durante o 24º Festival Mix Brasil de Cultura da Diversidade, em novembro de 2016. Resumo da ópera: um ótimo filme que merece ser visto por quem aprecia cinema de qualidade. 

Baseado em fatos reais, “O ZOOLÓGICO DE VARSÓVIA” (“The Zookeeper’s Wife”), 2017, EUA/Polônia, direção da norte-americana Niki Caro, conta a incrível história do casal Antonina e Jan Zabinski, que durante a Segunda Guerra Mundial salvou centenas de judeus enquanto a Polônia era dominada pelos alemães. Antonina (Jessica Chastain) e Jan (o ator belga Johan Heldenbergh) eram proprietários do Zoológico de Varsóvia quando a invasão nazista aconteceu, em setembro de 1939. Nessa época, mantinham uma grande amizade com o zoologista alemão Lutz Heck (Daniel Brühl), dono de um zoológico em Berlim, que depois da invasão virou oficial nazista. Jan e Antonina ajudaram centenas de judeus a fugir dos guetos de Varsóvia para escondê-los no seu zoológico – segundo o livro “The Zookeepers’s Wilfe: A War Story”, escrito pela norte-americana Diane Akerman, no qual o filme é baseado, o casal conseguiu salvar mais de 300 judeus. Um filme emocionante e tocante, embora muito triste e, em alguns momentos, bastante chocante. Jessica Chastain mais uma vez domina o cenário com sua habitual competência. Uma história de coragem que merece ser conhecida.       

  

“UM INSTANTE DE AMOR” (“Mal De Pierres”), 2016, França, 120 minutos, direção da atriz, roteirista e diretora Nicole Garcia, que escreveu o roteiro em conjunto com Jacques Fieschi e Natalie Carter. A história, baseada no romance best-seller “Mal Di Pietre”, da escritora italiana Milena Agus, é ambientada nos anos 50 numa pequena aldeia francesa, onde a jovem Gabrielle (Marion Cotillard) é conhecida por sua rebeldia e por sua compulsão sexual. Ao ser rejeitada por um professor casado, Gabrielle entra em surto e passa a se comportar de um modo bastante anormal. A solução encontrada por seus pais foi arranjar um casamento com o pedreiro José (o ator espanhol Alex Brendmühl). Com dificuldade para engravidar, Gabrielle é examinada por um médico, que diagnosticou o tal “Mal de Pierres”, aqui conhecido como cálculo renal. Gabrielle então é encaminhada a um spa nos alpes suíços e inicia um tratamento para eliminar as pedras no rim. Aqui, ela conhece o tenente André Sauvage (Louis Garrel), pelo qual se apaixona perdidamente, colocando em risco o seu casamento com José. O filme comprova mais uma vez o talento dramático de Marion Cotillard, já demonstrado em “Ferrugem e Osso”, “Era uma vez em Nova Iorque” e, principalmente, em “Piaf – Um Hino ao Amor”, pelo qual foi premiada com o Oscar de Melhor Atriz em 2007. Além de tudo isso, ela é linda. “Um Instante de Amor” é muito bom e merece ser conferido. Segundo o crítico Cássio Starling Carlos, da Folha de S. Paulo, trata-se de “Um bom champanhe servido em copo de plástico”. Ou seja, ele não achou tão bom como eu achei. A primeira exibição de "Um Instante de Amor" por aqui aconteceu durante o Festival Varilux de Cinema Francês/2017.   

“JOÃO, O MAESTRO”, 117 minutos, nacional, 2017, roteiro e direção de Mauro Lima. Conta a história da emocionante trajetória de vida do maestro João Carlos Martins. Em sua primeira fase, o filme acompanha o menino pianista virtuoso, um verdadeiro gênio precoce, os primeiros professores e o início dos seus problemas de saúde. Ainda jovem – segunda fase –, alcança fama internacional como especialista na obra de Bach, viaja pelo mundo realizando concertos e vai morar em Nova Iorque. É nesta cidade que Martins sofre um acidente que afetará, para sempre, os movimentos de sua mão direita. Já adulto, ele aprende a conviver com suas deficiências e se consagra como maestro, regendo orquestras em vários países. Enfim, um exemplo de superação que aprendemos a admirar nos últimos anos. O filme é muito interessante ao exaltar seu impressionante talento como pianista, reconhecido e exaltado pelos principais músicos, maestros e compositores do mundo inteiro. Além de gênio musical, Martins sempre foi um mulherengo convicto, um aspecto praticamente desconhecido de sua biografia. Até agora. Na adolescência, o maestro é interpretado pelo garoto Davi Campolongo; na juventude, pelo ator Rodrigo Pandolfo; e, na fase adulta, pelo ator Alexandre Nero. Ainda estão no elenco Aline Moraes e Caco Ciocler, entre outros bons atores. Mais um bom trabalho do diretor Mauro Lima, que se especializou em cinebiografias, como  “Meu Nome não é Johnny” e “Tim Maia” – seu próximo filme será “Casagrande e seus Demônios”, sobre o ex-jogador de futebol e atual comentarista global.    

“AS NOITES BRANCAS DO CARTEIRO” (“Belye Nochi Pochtalona Alekseya Tryapitsyna”), 2014, Rússia, 1h30min. Trata-se de um projeto arrojado e inusitado da roteirista Elena Kiseleva e do diretor Andrei Konchalovsky. Eles escolheram um vilarejo distante e isolado ao norte da Rússia, às margens do lago Kenozero, reuniram os moradores, formaram o elenco, cada qual representando a si mesmo, e montaram a história. O personagem principal é o carteiro (Alekseya Tryapitsyna), responsável pela entrega das correspondências e pagamento das aposentadorias. É o único elo com o mundo exterior. Como meio de transporte, ele utiliza um barco, pois os moradores residem em volta do lago. Eles vivem distantes de qualquer modernidade, talvez bem próximo de como viviam seus antepassados. Ele visita as famílias, entra nas casas, conversa com um ou com outro e ainda encontra tempo para se apaixonar por uma moradora (Irina Ermalova, a única atriz profissional do elenco). Para conseguir um melhor resultado com relação às interpretações, Konchalovsky utilizou câmeras escondidas em várias cenas. O resultado final é muito interessante, principalmente para os espectadores que gostam de cinema de arte e novidades estéticas. O filme valeu a Konchalovsky o Prêmio de Direção no Festival de Veneza 2014. Por aqui, foi exibido somente na 38ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo.  

  

Com raríssimas exceções, como o ótimo “A Separação” (Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 2012), os filmes iranianos são muito contemplativos e reflexivos. É o estilo reinante no cinema iraniano. Mais um exemplo desse estilo, adorado pelos críticos profissionais e pelos júris dos festivais, é o drama “QUE HORAS SÃO NO SEU MUNDO?” (“Dar Donyaye to Sa’at Chand Ast?”), 2014, que marcou a estreia no roteiro e direção de Safi Yazdanian. A história é centrada em Gizeh Gol (Leila Hatami, atriz de “A Separação”), que volta ao Irã para visitar sua cidade natal, Rasht, depois de vinte anos residindo em Paris. Logo que chega, ela é assediada por Farhad (Ali Mosaffa, marido de Leila na vida real), um fabricante de molduras que, sabe-se lá por que, conhece tudo sobre a vida de Gizeh e não larga do seu pé. Enquanto isso, Gizeh aproveita para visitar o túmulo da mãe, falecida cinco anos antes, e outras pessoas que, de alguma forma, tiveram relação com sua família. Gizeh também passa o tempo refletindo sobre o seu passado, relembrando fatos de sua infância e adolescência. O filme, exibido por aqui durante a 39ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, ainda apresenta uma versão interessante do bolerão “Quizas, Quizas, Quizas” em francês. Só para quem aprecia o cinema iraniano.     

“PRIMEIRO-MINISTRO” (“DER PREMIER”), 2016, Bélgica, roteiro e direção de Erik Van Looy. Prestes a receber a presidente dos EUA em Bruxelas para uma reunião sobre a Paz Mundial e o Meio Ambiente, o Primeiro-Ministro da Bélgica (Koen De Bouw) é envolvido numa trama bastante sinistra. Sua esposa e filhos são sequestrados por um grupo terrorista internacional e serão assassinados se ele não matar a presidente americana (Saskia Reeves). Eva (Charlotte Vandermeersch), assessora de Comunicação do Primeiro-Ministro, também será envolvida no caso e também correrá risco de morte. Sem dúvida, o filme garante muito suspense do começo ao fim e o espectador, com certeza, acompanhará tudo roendo as unhas. A tensão aumenta ainda mais a partir do momento em que o Primeiro-Ministro tenta contornar a situação não obedecendo às ordens dos vilões. Mas é preciso reconhecer que a história é inverossímil demais do começo ao fim, com muitos furos (cadê o pessoal da segurança do Primeiro-Ministro?) e situações fantasiosas, incluindo a improvável e surpreendente revelação da identidade do grupo criminoso, culminando com um desfecho pra lá de constrangedor. Sou obrigado a reconhecer: Hollywood faz muito melhor.    

Mais um filme daqueles para dar inveja do cinema argentino. Mesmo que não seja dos melhores, mas é muito bom. Estou falando de “O CIDADÃO ILUSTRE” (“EL CIUDADANO ILUSTRE”), 2016, direção da dupla Gaston Duprat/Mariano Cohn (“O Homem do Lado”), com roteiro de Andrés Duprat. A história é centrada no escritor argentino Daniel Mantovani (Oscar Martinez), que acaba de receber o Prêmio Nobel de Literatura. Rico, famoso, vaidoso, egocêntrico e um tanto arrogante, ele vive numa bela casa em Barcelona. Depois do Nobel, ele passa a receber inúmeros convites para palestras, homenagens e entrevistas, rejeitando a todos, menos um: o convite para receber o título de “Cidadão Ilustre” em sua pequena cidade natal, Salas, no interior da Argentina. Foi de lá que, há quarenta anos, Daniel saiu para tentar a vida como escritor na Europa. Deu certo. Publicou dezenas de livros, muitos deles sucesso de vendas e de crítica. Daí o Nobel. Ao chegar a Salas, Daniel é homenageado com um busto na praça principal, recebe o convite para presidir um júri de um concurso de pinturas e para proferir palestras sobre a arte em geral. A levada do filme é de comédia, com muitas situações bastante hilariantes. Ao mesmo tempo, motiva reflexões acerca do choque cultural evidente entre o escritor famoso, culto e bem sucedido, e as pessoas de origem simples, que não evoluíram culturalmente e nem por isso deixaram de ser importantes na vida do escritor, haja vista que muitos de seus livros foram baseados em histórias e personagens de sua antiga cidade. O filme estreou no Festival de Veneza 2016, de onde saiu com o Prêmio de Melhor Ator para Oscar Martinez, também conhecido por ter atuado em “Ninho Vazio”, “Inseparáveis”, “Kóblic”, “Relatos Selvagens” e “Paulina”. Sem dúvida, um dos melhores atores argentinos da atualidade, ao lado de Ricardo Darín. “O Cidadão Ilustre” foi o filme de maior bilheteria na Argentina em 2016. Além de Oscar Martinez, estão no elenco Belén Chavanne, Andrea Frigerio, Gustavo Garzón e Dady Brieva.   

Em abril de 1980, terroristas ligados à Frente Nacional do Khuzistão invadiram a Embaixada do Irã em Londres fazendo 26 reféns. A exigência dos terroristas: que o governo iraniano libertasse 91 militantes da FNK que estavam presos no Irã. “6 DIAS” (“6 DAYS”), produção da Netflix que estreou no dia 9 de setembro de 2017, conta os detalhes desse episódio, a tomada da embaixada, os bastidores das negociações, o trabalho da imprensa, o planejamento do grupo especial do SAS (Special Air Service) encarregado de invadir o prédio e soltar os reféns, além do desfecho violento. Nos papéis principais, o ator Jamie Bell (quem se lembra dele, adolescente, na pele de “Billy Elliot”, de 2000?) como o soldado líder do grupo SAS, Mark Strong, como o negociador, e Abbie Cornish como a repórter televisiva que ganhou fama depois de um excelente trabalho de cobertura. O filme também destaca a firme posição de Margaret Tatcher, que assumira recentemente o cargo de primeira-ministra do Reino Unido. Ela não admitiu, em nenhum momento, qualquer tipo de negociação com os sequestradores. Toa Fraser assina a direção e Glenn Standring o roteiro. Vale assistir apenas para relembrar o que aconteceu, mas, como cinema, deixa muito a desejar. Faltou tensão e ação. Ficou parecendo um filme-reportagem.  

“ATRÁS DAS NUVENS” (“Achter De Wolken”), 2016, Bélgica, é o primeiro longa-metragem dirigido por Cecília Verheyden, com roteiro de Michael DeCock. Trata-se de um drama que explora a paixão ardente entre uma mulher e um homem na terceira idade. O filme começa mostrando o velório do marido de Emma (Chris Lomme). Um dos presentes é Gerard (Jo De Meyere), muito amigo do falecido e antigo admirador de Emma. Ele não a via há 50 anos e, ao reencontrá-la, reavivou a antiga paixão. Dessa forma, passou a assediá-la, utilizando as mais elementares armas da conquista, a começar com um buquê de flores – a cena em que ele vai entregar o buquê é hilariante. Conversa vai, conversa vem, acabam se apaixonando ardentemente. Eles, porém, encontrarão a forte resistência de Jacky (Katelijne Verbeke), a filha infeliz e mal-amada de Emma, que não se conforma com o repentino romance. A única a dar força a Emma é sua neta, Evelien (a graciosa Charlotte de Bruyne). Aqui, o tema da paixão na terceira idade é tratado com rara sensibilidade, inclusive nas cenas de sexo. Sim, tem sexo! A atriz Chris Lomme e o ator Jo De Meyere, ambos de 78 anos, dão um show de interpretação, tornando o filme ainda mais irresistível. Pena que não tenha chegado por aqui. Imperdível!    

“MONSIEUR & MADAME ADELMAN”, França, 2016, primeiro filme dirigido pelo ator e roteirista Nicolas Bedos. A história: logo depois da morte do escritor de grande sucesso Victor Adelman (Bedos, o diretor), sua viúva Sarah (Doria Tillier) resolve contar a um jornalista – que pretende escrever uma biografia do falecido – tudo sobre o seu relacionamento de 45 anos com o escritor. A trajetória do casal é acompanhada desde 1971, quando se conhecem, até a morte dele, em 2016. Como pano de fundo, alguns dos fatos marcantes da vida cultural e política da França. Uma verdadeira e conturbada história de amor, pontuada por momentos dramáticos e outros de muito bom humor. Os diálogos são muito inteligentes, pontuados por certa erudição e engraçados, resultando em cenas bastante hilariantes, como as consultas do escritor com seu psicanalista e os jantares durante os quais um apresenta a família para o outro. Para fechar a história com chave de ouro, esse maravilhoso filme francês ainda reserva para o seu desfecho revelações surpreendentes acerca da vida do casal. A atriz Doria Tillier faz sua estreia no cinema – é mais conhecida por sua participação em séries da TV francesa. E que atriz maravilhosa. É a alma do filme, embora Bedos também esteja ótimo. Um trabalho primoroso, duas horas de puro prazer cinematográfico, um filme para ficar na memória de quem curte cinema de qualidade. Simplesmente imperdível! 

“A VIAGEM DE FANNY” (“LE VOYAGE DE FANNY”), 2016, França, terceiro longa-metragem dirigido por Lola Doillon, com roteiro de Anne Peyègne, que o escreveu baseada no livro autobiográfico “Le Voyage de Fanny – L’histoire Vraie D’Une Jeune Fille Au Destin Hors Du Commun”, escrito por Fanny Bel-Ami. É mais uma daquelas histórias incríveis e verídicas ambientadas durante a Segunda Guerra Mundial. Assim como milhares de outras crianças de origem judia, Fanny, na época com 12 anos, foi entregue, juntamente com as duas irmãs menores, a uma instituição que cuidava de organizar fugas de crianças para outros países, fugindo dos nazistas que ocupavam a França. A Suíça era um dos destinos escolhidos. Depois de entregue a uma dessas instituições, Fanny e mais algumas crianças acabam ficando por conta própria, tentando chegar até a Suíça. Uma jornada de muitos perigos e sofrimento, passando fome e frio. A diretora não carregou muito no drama, embora mantenha muitos momentos de alta tensão e suspense, com belas locações no interior da França. O filme tratou a história como uma aventura infantil, “Um drama disfarçado de sessão da tarde”, como bem definiu um crítico profissional. De qualquer forma, por se tratar de uma história verídica, vale a pena curtir. O elenco conta com Léonie Souchaud, a Fanny, e com as participações especiais de Cécile de France, Stéphane de Groodt e Olivier Massart. Informação importante: entre 1938 e 1944, mais de 5 mil crianças judias escaparam da França rumo à Suíça, EUA e Espanha.     

Ao ser exibido como filme de abertura do Festival de Cannes 2016, dentro da Mostra “Um Certain Regard”, o drama egípcio “CLASH” (“Eshtebak”), roteiro e direção de Mohamed Diab, surpreendeu e causou polêmica não apenas pelo forte teor político, mas também pela estética inovadora. Trata-se de um filme bastante perturbador, cuja ação é toda ambientada dentro de um camburão da polícia. Cairo, 2013, a capital egípcia vive momentos de alta tensão com a queda do presidente islamita Mohamed Morsi. As manifestações de rua são violentas e precisam ser reprimidas. Uns manifestantes são a favor deste ou daquele credo religioso, como também pró-exército, além dos fanáticos defensores da Irmandade Muçulmana e daqueles que defendem outras ideologias. Ninguém se entende, uma confusão danada. O tal camburão – sempre filmado de dentro –, percorre as ruas do Cairo recolhendo os manifestantes mais exaltados, sejam eles adultos, jovens, mulheres, velhos e até crianças. Claro que no camburão as diferenças serão colocadas em jogo, tumultuando ainda mais o ambiente. As pessoas detidas no camburão gritam o tempo todo defendendo cada qual sua posição política, aumentando ainda mais a tensão e a sensação claustrofóbica. Resumo da ópera: é um filme bastante interessante e, ao mesmo tempo, muito indigesto e desagradável. “Clash” foi o representante oficial do Egito na disputa do Oscar 2017 de Melhor Filme Estrangeiro, lembrando que foi o segundo filme escrito e dirigido pelo diretor Mohamed Diab – o primeiro foi o também elogiado “Cairo 678”. 

“TERRA SELVAGEM” (“Wind River”), EUA, 2016, escrito e dirigido por Taylor Sheridan. A história, ambientada nas montanhas geladas do Wyoming em pleno inverno, começa quando Cory Lambert (Jeremy Renner), caçador de animais predadores, encontra o cadáver de uma jovem no meio da neve. Como há vestígios de violência no corpo da vítima, a polícia local comunica o fato ao FBI, que envia a agente Jane Banner (Elizabeth Olsen) para investigar o crime misterioso. Jane pede ajuda a Cory e ao policial Dan Crowheart (Graham Greene). Os três seguirão algumas pistas, encontrarão alguns suspeitos e, finalmente, os criminosos. O filme prende a atenção do começo ao fim, tem suspense e muita ação. É o segundo filme escrito e dirigido por Taylor Sheridan, mais conhecido pela assinatura dos roteiros dos ótimos “Sicario: Terra de Ninguém”, de 2015, e “A Qualquer Custo”, de 2016, este último indicado ao Prêmio de Melhor Filme no Oscar 2017. Por “Terra Selvagem”, Taylor Sheridan também conquistou o Prêmio de Melhor Diretor no Festival de Cannes 2017, dentro da Mostra “Un Certain Regard”. Sem dúvida, um ótimo programa. 

“MULHERES DO SÉCULO XX” (“20TH CENTURY WOMEN”), 2016, EUA, roteiro e direção de Mike Mills. Trata-se de uma produção independente que mereceu duas indicações ao Oscar 2017: “Melhor Roteiro” e “Melhor Atriz” (Annette Bening). Ambientada na segunda metade dos anos 70, a história é centrada em Dorothea Fields (Bening), uma cinquentona divorciada que cria sozinha o filho adolescente Jamie (Lucas Jade Zumann). Tudo acontece ao redor de Dorothea, que aluga um quarto da casa para a jovem Abbie (Greta Gerwig) e outro para William (Billy Crudup). A jovem Julie (Elle Fanning), amiga de infância de Jamie, também frequenta o círculo familiar, mas de maneira diferente: ela entra escondida pela janela e vai dormir com Jamie – na base da amizade. Recheado de diálogos e reflexões bem-humoradas, o roteiro procura destacar o modo de pensar das diferentes gerações, assim como tenta fazer um passeio cultural e comportamental da família norte-americana nos anos 70, com direito a discussões sobre sexo – o principal assunto –, política, anticoncepcionais, família, religião etc., com direito à reprodução de uma parte de um discurso em cadeia nacional do então presidente Jimmy Carter. Outro destaque no filme é o enfoque dado ao nascimento do movimento punk, do qual a jovem Abbie é adepta fanática. O filme tem bons momentos, como nos diálogos entre Jamie e a mãe, além de um jantar constrangedor entre amigos durante o qual os assuntos principais são “menstruação” e “orgasmo”. Com relação ao elenco, gostei da atuação de Annette Bening, embora tenha exagerado um pouco em caras e bocas, e também de Elle Fanning, cada dia mais competente. Dá para assistir numa boa, mas não chega a justificar uma recomendação entusiasmada. 

Quem acompanha o noticiário esportivo sabe que o ciclista norte-americano Lance Armstrong foi um grande fenômeno. Basta lembrar que, entre 1999 e 2005, venceu sete edições do Tour de France, a mais importante prova ciclística do mundo. Desde os anos 90, Armstrong dominava o cenário esportivo mundial, chegando ao nível de herói nacional, principalmente depois que venceu um câncer e voltou a competir em alto nível. Em 2012, porém, a revelação bombástica: durante todos aqueles anos, Armstrong utilizou substâncias químicas proibidas, anabolizantes e o EPO (Eritropoietina). Caiu em desgraça no mundo esportivo, perdeu seus títulos e acabou execrado por todos aqueles que o consideravam um verdadeiro “Capitão América”. Toda essa história está contada no drama “O PROGRAMA” (“The Program”), 2016, Inglaterra/França, dirigido pelo veterano diretor inglês Stephen Frears. Para esse projeto, Frears adaptou o livro “Sete Pecados Capitais”, escrito pelo jornalista irlandês David Walsh (Chris O’Dowd), que durante anos investigou a possibilidade do ciclista norte-americano ter utilizado substâncias químicas ilegais para vencer as competições. O filme também destaca a ligação de Armstrong (Ben Foster) com o médico italiano Michelle Ferrari (Guillaume Canet), que há anos dopava vários atletas de ponta. Frears foca todo o seu filme na questão do doping, não abrindo espaço para mostrar como foram algumas de suas vitórias e nem mesmo a vida particular do atleta. Não é o melhor trabalho de Stephen Frears, diretor de filmes memoráveis como “Ligações Perigosas”, “Alta Fidelidade”, “A Rainha”, “Philomena” e “Florence - Quem é Essa Mulher?”, mas obrigatório para quem curte o mundo esportivo.    

“NOSSAS NOITES” (“Our Souls at Night”), 2017, produção Netflix, direção do indiano Ritesh Batra (“The Lunchbox”), com roteiro de Scott Neustadter e Michael H. Heber, que adaptaram a história do romance escrito por Kent Haruf, cujo título é o mesmo do original do filme. Louis Waters (Robert Redford) e Addie Moore (Jane Fonda) são vizinhos de muitos anos e suas famílias chegaram a se relacionar. Quando ficaram viúvos, porém, deixaram de se falar por um bom tempo. Um dia, porém, Addie resolve tomar a iniciativa e procura Louis, se queixando de que não aguentava mais a solidão da noite, principalmente na hora de dormir. Ela faz, então, uma inusitada e surpreendente proposta: dormirem juntos, deixando claro que “sem sexo”. A partir daí começa uma grande amizade e a promessa de um caso de amor, que nem as inconvenientes visitas de Gene (o ator belga Mathias Schoenaerts), filho dela, e de Holly (Judy Greer), filha dele, conseguem estragar. Como é bom ver dois artistas tão veteranos (Redford tem 81 e Fonda 79 anos) em plena forma, esbanjando charme e ainda atuando com grande competência. Aliás, esta é a quarta vez que eles contracenam juntos, depois de “Caçada Humana” (1966), “Descalços no Parque” (1967) e “O Cavaleiro Elétrico” (1979). O filme foi dirigido com muita sensibilidade pelo jovem diretor indiano, transformando-se num entretenimento dos mais agradáveis. Redford também assina a produção. Resumo da ópera: Redford e Fonda juntos tornam esse filme imperdível!       

Pouco antes de morrer, em outubro de 2016, o consagrado diretor polonês Andrzej Wajda encerrou sua carreira com chave de ouro, realizando o ótimo “AFTERIMAGE” (“POWIDOKI”), com roteiro de Andrzej Mularczyk. O filme conta a história dos últimos anos de vida de Wladyslaw Strzeminski (Boguslan Linda), considerado o mais importante artista plástico de vanguarda da Polônia no Século XX. Como pano de fundo para a história está o domínio soviético sobre a Polônia a partir de 1948, contra o qual o artista se insurgiu e depois sofreu as consequências – o aspecto político da história da Polônia sempre esteve presente nos filmes de Wajda. Strzeminski não tinha uma perna e um braço, o que não o impedia de exercer sua criatividade e dar aulas na Escola de Belas Artes de Lodz. Os estudantes o idolatravam. Suas palestras eram com plateia lotada, repleta de jovens que queriam ouvir sua opinião sobre tudo, inclusive política. Strzeminski não abria mão de sua liberdade artística e de expressão, recusando-se a obedecer as “orientações” artísticas das autoridade soviéticas. Mais um grande filme de Wajda, selecionado para representar a Polônia na disputa do Oscar 2017 de Melhor Filme Estrangeiro. Imperdível!  

Sempre gostei de filmes que abordam a questão Palestina, a difícil convivência com Israel, a cultura de cada povo, os imbróglios políticos que envolvem aquela região. “OS ÁRABES TAMBÉM DANÇAM” (“Aravim Rokdim”), 2014, Israel, direção de Eran Riklis, trata de todos esses assuntos. A história, ambientada a partir de 1982, quando Israel invade o Líbano, é baseada no livro autobiográfico “Dancing Arabs”, escrito por Sayed Kashua, que também assina o roteiro. A trama é centrada no jovem Eyad (Tawfeek Barhom), que reside com a família árabe no vilarejo de Tira. Esperto e inteligente, Eyad consegue uma bolsa para estudar na prestigiada Israel Arts and Science Academy, em Jerusalém. Sua origem árabe fará com que Eyad enfrente muitos desafios, como o da língua, da cultura e muito preconceito. Até o romance com uma judia, Naomi (Danielle Kitsis), será tumultuado por causa das diferenças culturais. No filme, há muitos momentos sensíveis, como a amizade de Eyad com Yonatan (Michael Moshonov), um jovem israelense que sofre de uma grave doença degenerativa, e com a mãe dele, Edna (Yaël Abecassis). Nos créditos iniciais aparece a informação de que 20% dos cidadãos israelenses são árabes, o que dá um total de 1.617.000 pessoas. Fica evidente na narrativa e nas situações que a mensagem que o diretor quis transmitir é a seguinte: não deveria haver tanta inimizade, pois somos praticamente irmãos. Sem dúvida, um filme bastante esclarecedor e realizado com grande sensibilidade. Do mesmo diretor recomendo “A Noiva Síria”, “Lemon Three” e “A Missão do Gerente de Recursos Humanos”. 

“NEVE NEGRA” (“NIEVE NEGRA”), 2017, Argentina, segundo longa-metragem escrito e dirigido por Martín Hodara. Suspense dos melhores, cuja história é centrada no reencontro dos irmãos Marcos (Leonardo Sbaraglia) e Salvador (Ricardo Darín), que não se viam nem se falavam há trinta anos. A visita não era para matar as saudades do irmão Salvador e sim tentar convencê-lo a aceitar uma proposta de venda da velha cabana e das terras que pertenciam à família no interior da Patagônia. Salvador vive isolado ali há muitos anos. Casado com Laura (a atriz espanhola Laia Costa) e prestes a ser pai, Marcos precisa de dinheiro para bancar as despesas com o nascimento do bebê, médico, hospital etc. Salvador se recusa a discutir o assunto e manda Marcos ir embora com a mulher. A rivalidade entre os irmãos tem a ver com uma tragédia familiar ocorrida no passado, envolvendo a morte do irmão mais novo, Juan. A verdade do que aconteceu virá à tona no desfecho, com uma surpreendente revelação. O diretor Martín Hodara já havia trabalhado com Darín em 2007 no policial noir “O Sinal”, sua estreia na direção. Mesmo que Darín não seja o protagonista principal, sua presença carismática valoriza o drama. Outro destaque é a qualidade do roteiro, um primor, que consegue manter o suspense do começo ao fim  e ainda explicar toda a história sem recorrer a malabarismos intelectuais, além das presenças, também marcantes, de Dolores Fonzi e Federico Luppi. Mais um filme argentino que merece ser visto.   

Durante a Guerra Fria entre a União Soviética e os Estados Unidos, a corrida espacial era uma das “armas” ideológicas mais importantes. Era questão de honra sair na frente do outro. Em 1965, a União Soviética colocou em prática a Missão Voskhod 2, que teve como principal objetivo fazer com que um astronauta soviétivo fosse o primeiro homem a caminhar no espaço. Toda essa história é contada no filme “PRIMEIRA VEZ” (“VREMYA PERVYKH”), 2017, Rússia, direção de Dmitriy Kiselev (“Trovão Negro”). A missão ficou a cargo dos astronautas Alexey Leonov (Evgeniy Mironov) e Pavel Belyayev (Konstantin Khabenskiy). O filme, de um esmero técnico comparável aos melhores do gênero feitos por Hollywood, não esconde o fato de que naquela época participar de uma missão no espaço era quase um suicídio, haja vista a precariedade dos equipamentos – o filme não esconde esse detalhe. Para quem não conhece a história da Missão Voskhod ou não se lembra do seu desfecho, o filme é uma ótima oportunidade para resgatar um feito heroico dos mais representativos na corrida espacial.   

De vez em quando a gente descobre uma preciosidade. Estou falando de “A CONSTITUIÇÃO” (“Ustav Republike Hrvatske”), 2016, Croácia, escrito e dirigido por Rajko Grlic (“O Posto da Fronteira”). Eu não tinha qualquer referência sobre este filme, a não ser o fato de ter sido exibido durante a 41ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, em 2016. Uma surpresa das melhores, um filme inteligente, bem-humorado e sensível, mesmo que o pano de fundo seja a rivalidade entre sérvios e croatas. A história é toda centrada em quatro personagens que moram no mesmo edifício: o professor homossexual Vjeko Kralij (Neojsa Glogovac, numa atuação espectacular) e seu pai grudado numa cama com as duas pernas amputadas; a enfermeira Maja (Ksenija Marinkovic) e seu marido, o policial Ante Samardzic (Dejan Acimovic). Em troca de Maja ir de vez em quando dar banho e cuidar do seu pai, Vjeko se propõe a dar aulas sobre a Constituição da Croácia a Ante, preparando-o para uma prova que poderá lhe significar um aumento de patente. Os dois vão se estranhar o tempo todo, já que Ante é sérvio e Vjeko é croata, o que resulta em momentos bastante divertidos. Tudo muito contido, claro, sem apelações humorísticas. O filme foi vencedor do Grand Prix Des Amériques no Festival de MontreaL 2016 e eleito o melhor filme do Festival de Santa Bárbara 2017. Além disso, foi premiado no Festival da Eslovênia e fez parte da seleção oficial do Festival de Munique 2017. Fazia muito tempo que eu não me entusiasmava tanto por um filme. IMPERDÍVEL!     

“TONI ERDMANN”, 2016, escrito e dirigido por Maren Ade, era o grande favorito para conquistar o Oscar 2017 de Melhor Filme Estrangeiro para a Alemanha. Ficou entre os cinco finalistas, mas acabou perdendo para o iraniano “O Apartamento”. O filme alemão é muito bom, tem humor, momentos sensíveis e um grande personagem. Na verdade, Toni Erdmann é o nome inventado pelo sessentão Winfried Conradi (Peter Simonischek) quando assume a personalidade de um cara gozador, que faz brincadeiras inusitadas disfarçando-se com uma dentadura postiça e uma peruca comprida, inventando histórias mirabolantes e se apresentando cada vez com uma profissão diferente. Depois da morte de seu cão de estimação e companheiro de todas as horas, Winfried resolve dar mais atenção à sua filha Ines (Sandra Hüller), uma executiva workhlic que trabalha no escritório de uma empresa alemã em Bucareste (capital da Romênia). Ele vai visitá-la e tentar, com suas brincadeiras e disfarces, romper a armadura de seriedade que envolve a filha, que não tem o mínimo sendo de humor e só pensa em trabalhar. Que atriz maravilhosa é Sandra Hüller. Só ela vale o filme. “Toni Erdmann” foi exibido pela primeira vez no 69º Festival de Cannes, em maio de 2016, e encantou críticos e público. Foi eleito o melhor filme estrangeiro de 2016 pelos críticos de Nova Iorque, pela Revista Sight & Sound e pela conceituada revista francesa Cahiers Du Cinéma. Realmente, um filmaço!           

“MANUSCRITOS NÃO QUEIMAM” (“DAST-NEVESHTEHAA NEMISOOSAND”), 2013, Irã, 2h14m. Polêmico thriller político escrito e dirigido por Nohammad Rasoulop, que teve a coragem de desafiar, novamente, o governo iraniano. Desde 1910, quando foi preso por fazer filmes denunciando a censura e a repressão existentes no país, Rasoulop estava proibido de trabalhar. Além disso, seu passaporte foi confiscado pelas autoridades iranianas, que impediram sua viagem à Alemanha para participar do Festival Internacional de Direitos Humanos de Nuremberg. As filmagens de “Manuscritos não Queimam” foram realizadas clandestinamente e, por questão de segurança, os nomes dos atores e da equipe técnica não aparecem nos créditos. Claro que o filme foi proibido no Irã, mas foi aclamado no Festival de Cannes 2013, onde conquistou o prêmio FIPRESCI da Mostra “Um Certo Olhar”. Sua exibição terminou com o público aplaudindo de pé. Por aqui, somente foi exibido no Festival Internacional de Cinema do Rio de Janeiro, em 2013. O filme denuncia um caso verídico ocorrido anos antes envolvendo uma tentativa do governo iraniano de assassinar 21 escritores num atentado que não deu certo. A história toda está contada nos manuscritos guardados na casa de um poeta. Os assassinos de aluguel Morteza e Khosrow ficaram encarregados de encontrá-los e assassinar o seu autor. Confesso que até bem depois da metade do filme fique especulando, sem entender, o que estava acontecendo. Mas logo depois, além de entender, deu para sentir a força impactante dessa produção clandestina iraniana. Não digo que seja um filmaço, mas muito poderoso pela denúncia. Só para espectadores que curtem filmes políticos.                 

“O EFEITO AQUÁTICO” (“L’Effet Aquatique”), 88 minutos, França/Islândia, 2015, escrito e dirigido pela diretora islandesa Sólveig Anspach. Logo após o término das filmagens, Anspach faleceu e a montagem ficou a cargo do francês Jean-Luc Gaget, seu assistente direto. Trata-se de uma comédia romântica que conta a história de Samir (Samir Guesmi), um operador de guindaste em Montreuil, arredores de Paris, que se apaixona pela instrutora de natação Agathe (Forence Loiret Caille). A paixão foi tão forte que Samir inscreve-se nas aulas de Agathe numa piscina pública de Paris. O romance começa bem, mas logo termina a partir do momento em que Agathe descobre que Samir nada muito bem. A partir daí, o filme passa para uma segunda etapa, na Islândia, para onde Agathe viaja para participar de um congresso internacional de instrutores de piscina. Samir descobre e também vai para a Islândia tentar a reconciliação. O filme foi premiado como Melhor Roteiro na mostra “Quinzena dos Realizadores” do Festival de Cannes 2016 e também no tradicional César, o Oscar francês. Por aqui, foi exibido no Festival Internacional de Cinema do Rio de Janeiro 2016, mas não ganhou projeção no circuito comercial. Achei o filme muito fraco, oferece pouco humor para uma comédia romântica e é tão sem graça quanto o ator Samir Guesmi, uma espécie de Mr. Bean francês. Se algo vale a pena são as paisagens islandesas exploradas com competência pela fotografia de Isabelle Razavet. Da mesma diretora, recomendo o drama "Lulu Nua e Crua", este sim um belo filme.              

“A ÚLTIMA PRINCESA” (“DEOKHYEONGJU”), 2016, Coreia do Sul. Belíssimo trabalho de reconstituição histórica do roteirista e diretor Jin-Ho Hur, enfocando a turbulenta trajetória de vida da Princesa Deokhye (1912-1989), última remanescente da Dinastia Joseon (1392-1897). A história, baseada no livro "Princesa Deokhye", de Kwon Bi-Young, começa quando a princesa, ainda menina, vê o seu pai (Rei Gojong) morrer envenenado. Na época, a Coreia era dominada pelo Japão. Quando perceberam que a princesa poderia causar problemas, os japoneses a exilaram no Japão, onde foi obrigada a casar com o Conde So Takeyukim, membro importante da monarquia imperial japonesa. De tão infeliz, principalmente por não poder voltar ao seu país, Deokhye acaba sofrendo um colapso e é internada num hospital psiquiátrico. Muitos anos depois, graças ao empenho de um antigo amigo, Jang-Han (Park Hae II), a princesa consegue finalmente voltar à Coreia. Deokhye é interpretada na juventude por So-Hyun Kim e, na fase adulta, por Son Ye Jin. O filme é irresistível, não apenas pelo fundo histórico e político – uma aula de história coreana –, mas também pela caracterização de época, cenários deslumbrantes e uma fotografia da mais alta qualidade. Recomendo também outro filme cujo pano de fundo é a resistência coreana ao domínio japonês: “A Era da Escuridão”.              

“O BAR” (“EL BAR”), 2016, Espanha, roteiro e direção de Álex de La Iglesia (“Balada do Amor”). Um misto de suspense, comédia de humor negro e ficção científica. Num bar no centro de Madri, as pessoas vão chegando para o café da manhã. De repente, ecoa um tiro e o pessoal que está no bar vê que um pedestre foi atingido na calçada. Um dos clientes sai para socorrer o que foi baleado e também recebe um tiro. Claro que ninguém mais quer sair do tal bar. São três mulheres e cinco homens que observam o mundo lá fora ficar muito estranho: ruas vazias, os cadáveres dos homens desaparecem, começa um grande incêndio, homens com máscaras antigás desinfetando tudo pela frente etc. De dentro do bar, a impressão que dá é que o mundo está acabando. A partir daí, toda a ação se resume ao interior do bar e depois pelo esgoto da cidade. Entre os oito “reféns” da situação estão um mendigo que não para de citar a Bíblia, uma dondoca à espera do namorado, um policial aposentado, a dona e um funcionário do bar, além de outras figuras estranhas. O desespero da situação conturba o ambiente e começam os desentendimentos. Eles só irão se entender a partir do momento em que precisam encontrar uma saída para fugir do bar. Ou seja, recuperar a sanidade e tentar sair dali vivos. Se o filme é fraco por si só, o desfecho então beira o ridículo. Aliás, ridículo mesmo é figurino que arranjaram para o galã canastrão Mario Casas, com barba e suspensório ao estilo Amish. O filme estreou no 67º Festival de Berlim, em fevereiro de 2017, e tem no elenco atores e atrizes espanhóis bastante conhecidos: além de Casas, Blanca Suárez, Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Alejandro Awada e Terele Pávez. Descartável!         

“ASSIM QUE ABRO MEUS OLHOS” (“À PEINE J’OUVRE LES YEUX”), Tunísia/França, 2015, marca a estreia da tunisiana Leyla Bouzid na direção – ela também assina o roteiro. Mesmo que o centro da história seja ficcional, o filme resgata os acontecimentos que deram origem ao movimento que viria a se chamar “Primavera Árabe”, a partir de dezembro de 2010, responsável pela derrubada dos presidentes da Tunísia, do Egito e da Líbia, além de gerar violentos protestos em outros países do Oriente Médio e do Norte da África. O filme é todo ambientado em Túnis e centrado na jovem Farah (Baya Medhaffar), de 18 anos, vocalista de uma banda de pop-rock cujas letras protestam contra o governo tunisiano comandado pelo ditador Zine el-Abidine Ben Ali, que seria deposto meses depois. Canções de protesto, contendo letras com frases como “Ricos têm dentes de ouro, enquanto os pobres estão desdentados” ou “Assim que abro meus olhos eu vejo aqueles privados de trabalho e de comida”. A banda se apresenta em bares lotados de Túnis e os jovens aderem às músicas, gritando seus refrões. Claro que não demora  muito para as autoridades começarem a repressão, o que desencadeia todo um movimento revolucionário. Além do aspecto político, o filme destaca o relacionamento conflituoso entre Farah e a mãe, Hayet (a maravilhosa atriz Ghalia Benali). O filme representou a Tunísia na disputa do Oscar 2017 de Melhor Filme Estrangeiro, foi premiado em diversos festivais, inclusive o de Veneza, e foi considerado pelo site IndieWire “O melhor filme de ficção sobre a Primavera Árabe até agora”. Realmente, um filmaço!      

O cinema atual da Romênia já nos presenteou com grandes filmes, como “Instinto Materno”, de 2013, e “Casamento Silencioso”, de 2008, que considero uma pequena obra-prima cinematográfica, entre tantos outros. “GRADUAÇÃO” (“BACALAUREAT”), 2016, chega para consagrar em definitivo o diretor Cristian Mungiu, também autor do roteiro. Mungiu caiu nas graças dos críticos profissionais depois de “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias”, de 2007, que conquistou a Palma de Ouro no Festival de Cannes. Em 2012, Mungiu assinou o roteiro e a direção de outro grande filme, “Além das Montanhas”. Em “Graduação”, Mungiu trata de moral e ética ao contar a história de Romeo Aldea (Adrian Titieni), um médico bastante respeitado na pequena cidade de Cluj, na Transilvânia, que fará tudo para conseguir que a filha Eliza (Maria Victoria Dragus) obtenha uma nota alta nos exames finais que lhe darão uma bolsa para estudar Psicologia na Inglaterra. Só que, um dia antes, Eliza é atacada por um tarado e fica abalada psicologicamente, o que a impedirá de realizar uma boa prova. O pano de fundo político entra na história ao lembrar que tanto Romeo quanto sua esposa Magda (Lia Bugnar), na juventude, tiveram a liberdade cerceada pela ditadura de Ceauseascu. Além de uma manobra bastante antiética para favorecer a filha, Romeo ainda enfrenta o colapso do seu casamento e a pressão da amante Sandra (Malina Manovici), diretora da escola de Eliza. O filme garantiu a Mungiu o Prêmio de Melhor Diretor no Festival de Cannes 2016. Adrian Titieni ganhou o Prêmio de Melhor Ator no Festival de Chicago. Imperdível!      

“A PROMESSA” (“The Promise”), 2016, EUA, 2h15m, roteiro e direção do irlandês Terry George (“Hotel Ruanda” e “O Negociador”). Pela primeira vez, Hollywood trata da questão do genocídio praticado pelos turcos contra os armênios entre 1914 e 1917 – os turcos negam até hoje. Pelo menos um milhão e meio de armênios foram perseguidos e assassinados pelo exército do então Império Otomano (atual Turquia). Infelizmente, o diretor Terry George preferiu dar mais ênfase ao triângulo amoroso envolvendo a bela Ana (a atriz canadense Charlotte Le Bon), Michael (o ator guatemalteco Oscar Isaac) e Michael (Christian Bale). As informações históricas sobre o genocídio ficaram de lado, fazendo com que o assunto fosse colocado apenas como pano de fundo para uma trama de amor à beira do novelesco. Resumo da história: o armênio Michael sonha em ser médico, mas a família não pode pagar a faculdade. Dessa forma, ele aceita casar com a jovem Maral (Angela Sarafyan) em troca de um dote substancioso. Longe de Maral, Michael conhece a também armênia Ana, namorada do fotógrafo norte-americano Chris. Até o final do filme, os dois disputarão o amor da moça. Claro que no meio do romance tem muita cena de ação e violência, uma das poucas referências ao genocídio. O filme somente foi realizado graças ao milionário Kirk Kerkorian, filho de imigrantes armênios que se tornou um grande empresário em Hollywood e dono de cassinos. Antes de morrer, aos 98 anos, em 2015, ele investiu do próprio bolso US$ 100 milhões na produção do filme, que talvez não tenha conseguido ver depois de pronto. “A Promessa” estreou no Festival de Toronto/2016 sem conseguir arrancar aplausos da plateia e nem críticas elogiosas, mas é um bom programa.      

“MEL” (“MIELE”), 2013, Itália. Em seu primeiro filme como diretora e roteirista, a atriz Valeria Golino dá mostras de que entende do riscado. O pano de fundo é a eutanásia. A história toda é centrada em Irene (Jasmine Trinca), também chamada de “Honey”, o que justifica o título. Com a orientação de um amigo médico, de quem é sócia na empreitada, Irene ajuda pacientes em estado terminal a morrer de maneira digna e sem dor. Para isso, utiliza um remédio utilizado para sacrificar animais doentes e que, pelo que entendi, não deixa vestígios nos seres humanos. Para obter a substância, Irene faz constantes viagens ao México, onde a venda do remédio é  liberada. Irene começa a repensar sua atividade quando recebe a incumbência de ajudar o engenheiro Carlo Grimaldi (o ótimo Carlo Cecchi) a passar para o outro mundo. No meio do processo, ela descobre que Carlo não tem nenhuma doença grave, o que não justificaria o procedimento. A italiana Jasmine Trinca brilha como a personagem principal, o que não é surpresa, pois vem demonstrando muita competência desde que estreou no cinema, em 2001, no filme “O Quarto do Filho”, de Nanni Moretti. Depois participou de filmes como “Maravilhoso Boccacio” e “O Franco Atirador”, contracenando com o astro Sean Penn. Jasmine Trinca consolida-se cada vez mais como uma das atrizes italianas mais bonitas e competentes da atualidade. “Mel” foi selecionado para a mostra “Um Certain Regard” do Festival de Cannes 2013, recebendo uma menção especial do Júri Ecuménico.