“EM TODA PARTE” (“ILS SONT PARTOUT”), 2016, França, 1h51m, disponível na Netflix, direção e roteiro de Yvan Attal, ator e cineasta franco-israelense nascido em Telaviv (Israel). Trata-se de uma comédia inteligente, irreverente e cáustica, explorando – no estilo Woody Allen – as mazelas do povo judeu. São várias histórias curtas, começando com Yvan Attal no papel dele próprio em consulta com um terapeuta. Ele se sente perseguido pelo fato de ser judeu. As outras histórias envolvem um político de extrema-direita e antissemita que, às vésperas de uma eleição, descobre que é judeu. Outra história, a mais engraçada, é a de um agente do Mossad (serviço secreto de Israel) encarregado de uma missão muito especial: voltar no tempo e assassinar o bebê Jesus. Tem também a história de um judeu fracassado que é rejeitado pela própria família por ser pobre. Outro episódio hilariante é o de um antissemita cuidador de idosos que se sente discriminado por ser ruivo, desencadeando uma série de protestos de minorias por toda Paris. E ainda tem uma reunião hilária do presidente francês e seus ministros, que decidem converter a população francesa para o judaísmo, pois assim teriam mais chance de sucesso e de ganhar dinheiro. Enfim, situações muito engraçadas, humor fino, diálogos inteligentes e um elenco de primeira. Veja: Yvan Attal, Gilles Lellouche, Dany Boon, Benoit Poelvoorde, Valérie Conneton, Charlotte Gainsbourg (esposa do diretor na vida real), François Damiens, Denis Podelydès e Catherine Frot. Imperdível!      

 

“A PEQUENA SUÍÇA” (“LA PEQUEÑA SUÍZA”), 2019, Espanha, 1h26m, disponível na Netflix, direção de Kepa Sojo, que também assina o roteiro com Sonia Pacios, Daniel Monedero, Jelen Morales e Alberto Lopez. Trata-se de um besteirol daqueles, mas muito divertido. Uma comédia totalmente despretensiosa, a não ser fazer rir o tempo inteiro. O ponto de partida é bastante original. Um vilarejo fictício chamado Tellería, localizado na região central do país basco, tenta há 700 anos, sem sucesso, ser reconhecido como basco. Uma parte da população defende que o vilarejo pertence à Espanha, enquanto outra defende que pertence a Castela. A maioria, porém, quer ser basca. O imbróglio pode ter uma solução inesperada quando dois historiadores especializados em arqueologia descobrem sem querer, sob uma igreja histórica, o túmulo do filho de Guilherme Tell, aquele herói que teria vivido num cantão da Suíça. O prefeito de Tellería, incentivado por seus principais assessores, resolve levar adiante a ideia de reivindicar, junto ao governo suíço, que o vilarejo seja reconhecido como um novo cantão da Suíça. Toda essa situação acaba numa enorme confusão, com uma série de sequências muito divertidas. Este é o segundo longa-metragem do cineasta Kepa Sojo, mais conhecido como diretor de curtas. O elenco é ótimo, destacando-se Maggie Civantos, Jon Plazaola, Ingrid García-Jonsson, Pepe Rapazote, Ramon Barea, Secun de La Rosa, Kandido Uranga e Enrique Villén. Nos créditos finais, ainda há cenas de bastidores, com erros de gravação, e atores interpretando um musical. Tudo muito alegre e sem compromisso. Ao contrário da crítica especializada, eu gostei e recomendo. Em tempos tão tenebrosos, rir é ainda o melhor remédio.    

 

 

“O CÉU DA MEIA-NOITE” (“THE MIDNIGHT SKY”), 2020, Estados Unidos, produção original Netflix, 2h2m, direção de George Clooney, que também atua. O roteiro é assinado por Mark L. Smith, que se inspirou em “Good Morning, Midnight”, romance de estreia da escritora Lily Brooks-Dalton. Não li o livro e, portanto, não sei se a adaptação foi bem feita. O filme de Clooney (o sétimo que dirige) apresenta duas histórias que se alternam na tela quase até perto do desfecho, quando então se conectam. O ano é 2049. O cientista e astrofísico Augustine Lofthouse (Clooney) está  numa base científica na Groelândia. Segundo se presume, é o único habitante da Terra ainda vivo (será que foi a Covid que matou todo mundo?). Ele sofre de uma doença terminal que o obriga a realizar sessões de hemodiálise diárias, utilizando um aparelho portátil que ele mesmo opera. Ele só tem a companhia de uma menina chamada Iris (Caovlinn Springall), que se escondeu na estação quando todo o pessoal da base foi embora. O principal objetivo de Augustine é continuar vivo para entrar em contato com a tripulação da espaçonave “Aetherde” e avisar para que não retornem à Terra. Na espaçonave estão cinco astronautas: o comandante Adewole (David Oyelowo), Sully (Felicity Jones), Sanchez (Damían Bichir), Maya Peters (Tiffany Boom) e Mitchell (Kyle Chandler). Eles estão de volta após uma missão bem sucedida no espaço, ou seja, encontrar um planeta que seja habitável. Eles encontraram: a Lua K-23 de Júpiter (haja ficção!). O roteiro alterna cenas no Ártico com Clooney e a menina enfrentando violentas tempestades para encontrar uma base que tenha sinal para se comunicar com a espaçonave, com as sequências no espaço com os clichês de sempre: chuvas de meteoro, defeitos em equipamentos que só podem ser consertados fora da nave, muito papo saudosista sobre as famílias que ficaram na Terra etc. Com exceção de algumas boas cenas de ação e de perigo, o restante do filme chega a ser entediante, recheado de papo furado. A crítica especializada ficou dividida: uns detestaram, outros acharam bom, apenas bom. Eu achei o resultado final decepcionante, uma bola fora de Clooney.

 

 

“MAKTUB”, 2017, Israel, 1h40m, direção de Oded Raz, seguindo roteiro de Guy Amir e Hanan Savyon. A dupla de roteiristas também atua no filme representando os personagens centrais da história. Em “Maktub” (a palavra, em árabe, quer dizer “Já estava escrito”), Steve e Chuma (Savyon e Amir) são dois pilantras que trabalham fazendo cobranças, na base da violência, para o agiota Elkaslasi (Itzik Cohen), chefão de uma organização criminosa que atua em Jerusalém. No caso dos restaurantes visitados, a dupla, além de fazer as cobranças, almoça de graça e ainda interfere na elaboração do cardápio. Quando não gostam da comida, chegam a espancar o chef responsável. Mas não se assuste. Tudo é levado no maior bom humor. Um dia, estão em um restaurante onde acontece um atentado à bomba. Eles são os únicos sobreviventes e acreditam que se salvaram por um milagre. Diante disso, resolvem deixar de trabalhar para o mafioso. Como forma de retribuição ao milagre, decidem, dali para a frente, só fazer o bem. Para começar, vão para o Muro das Lamentações e escolhem uma pessoa para ajudar. Pegam o bilhete que ela coloca no Muro fazendo um desejo e tentarão atendê-lo. Assim acontece com um marido rejeitado pela esposa, com uma mulher que quer engravidar e por aí vai. Só que o chefão mafioso exige que eles voltem a trabalhar para ele. O maior trunfo do filme é, sem dúvida, a química perfeita da dupla de comediantes Guy Amir e Hanan Savyon, que escrevem e atuam também num programa humorístico de grande audiência na TV israelense. Também estão no elenco Igal Naor, Chen Amsalem e Anastasia Fein. Talvez por causa da fama da dupla de humoristas, o filme foi campeão de bilheteria nos cinemas de Israel e depois integrado à plataforma da Netflix. “Maktub” é uma comédia bem leve e muito divertida. Entretenimento de primeira!    

 

 

“BITCH”, 2018, Estados Unidos, 1h37m, roteiro e direção de Marianna Palka, que ainda encontrou fôlego para atuar. O filme é mais um exemplo do bom cinema independente norte-americano. Para criar a história, Marianna Palka se inspirou num caso verídico relatado pelo famoso psiquiatra inglês Ronald David Laing (1927/1989). O filme mistura comédia e terror, encaixando-se perfeitamente no gênero Terrir. Jill (papel da diretora) é uma dona de casa em tempo integral, sofrendo um estresse terrível, não só pelo trabalho de cuidar de quatro filhos, mas também por aguentar as ausências constantes do marido Bill (Jason Ritter), sempre envolvido com outras mulheres. Depois de um violento surto psicótico, Jill simplesmente passa a agir como cachorro (“Bitch” é cadela em português). Sobrou para o marido, que praticamente abandona o escritório para cuidar dos filhos. A parada é dura, então ele pede socorro para sua cunhada Beth (Jaime King). Uma psiquiatra recomenda que Jill seja imediatamente internada, mas Bill não concorda. Apesar dos imensos transtornos, prefere ele mesmo assumir os cuidados com a esposa/cadela. Vamos parar por aqui para não estragar as surpresas do desfecho. Não há dúvida de que “Bitch” é um filme bastante interessante, comprovando o talento da atriz/diretora/roteirista Marianna Palka, nascida na Escócia e radicada nos Estados Unidos, onde faz carreira no cinema independente. O filme estreou no Festival de Sundance e recebeu elogios da crítica especializada e do público.   

 

Já começo o comentário soltando fogos. “A VOZ SUPREMA DO BLUES” (“MA RAINEY’S BLACK BOTT”) é um dos melhores filmes do ano. E pelos inúmeros motivos que destaco ao longo do meu comentário. Trata-se de uma produção norte-americana da Netflix, lançada na plataforma no dia 18 de novembro. Quem assina a direção é George C. Wolfe, com roteiro de Ruben Santiago-Hudson. A história é inspirada na peça teatral escrita em 1984 pelo dramaturgo August Wilson. A personagem central é Ma Rainey, nome artístico de Gertrud Malissa Nix Pridgett Rainey (1886-1939), uma cantora de blues que realmente existiu e foi uma das pioneiras do gênero. O filme é ambientado em 1927 no pequeno estúdio da Paramount Records, em Chicago. Ali estão reunidos os músicos e Ma Rainey (Viola Davis) para gravar um disco. Entre os músicos está o pistonista Levee (Chadwick Boseman, em seu último papel), que gosta de improvisar e tumultuar os ensaios. Ele também entrará em choque com a cantora, que exige fidelidade aos arranjos combinados. Ou seja, sem improvisações. Além de uma saborosa trilha sonora sob a batuta do saxofonista Branford Marsalis, fundamental destacar os diálogos potentes e expressivos, nos quais estão embutidos desde a origem histórica do blues até as tristes lembranças do racismo sofrido pela cantora e pelos músicos. A força do filme está toda aqui, nesse contexto de sofrimento e discriminação dos negros nos Estados Unidos. O grande trunfo do filme, porém, está na atuação espetacular da atriz Viola Davis e no desempenho do ator Chadwick  Boseman (o Pantera Negra), em sua última e brilhante atuação antes de morrer, em agosto último. O trabalho dos dois é tão espetacular que, desde já, estão sendo citados pela crítica especializada como favoritos ao Oscar 2021. O elenco conta ainda com Taylor Paige, Colman Domingo, Glynn Turman, Jeremy Shamos e Michael Potts.  O filme é tão bom que o “Rotten Tomatoes”, o exigente site agregador de avaliações da crítica e do público, o posicionou entre os dez melhores do ano, recebendo a incrível marca de 99% de aprovação. E não é só isso. Tem mais. Ao final da projeção, o filme ainda contempla cenas dos bastidores das filmagens, além de entrevistas com o diretor e o roteirista, com a atriz Viola Davis e com o ator Denzel Washington, que não atua mas é um dos produtores. Enfim, não é exagero considerar “A Voz Suprema do Blues” uma pequena obra-prima do cinema norte-americano. Não perca de jeito nenhum!   

 

 

ISI & ROSSI, 2020, é o primeiro filme original Netflix gravado na Alemanha. Tem duração de 1h35m, com roteiro e direção de Olivier Kiele. É uma comédia romântica diferente daquelas produzidas por Hollywood, açucaradas e cheias de “mimimi”. “Isi & Rossi” apresenta um humor ácido e picante, bem ao estilo alemão. Tem até o avô de um dos personagens que fica preso durante 16 anos e sai da cadeia especialista em cantar rap. Vamos à história. A jovem Isi (Lisa Vicari) é filha de pais milionários que moram em um castelo em Heidelberg. Ela tem como objetivo estudar culinária em Nova Iorque e se tornar chef de cozinha, já que nos estudos é um zero à esquerda. Manfred Voigt (Hans-Jochen Wagner) e Claudia Voigt (Christina Hecke), os pais de Isi, querem que ela ingresse numa faculdade. Como ela é burrinha, eles resolvem comprar uma vaga. Isi fica revoltada com a atitude dos pais e resolve afrontá-los. Primeiro, vai trabalhar na cozinha de uma lanchonete de quinta categoria. Depois, quer encontrar algum jovem pobre para namorar. É aqui que entra na história Ossi (Dennis Mojen), um rapaz chucro, grosso e mal-educado, cujo principal objetivo na vida é se tornar um lutador de boxe profissional. A família do jovem é complicada. A mãe, solteira (Lisa Hagmeister), é chegada no álcool e vive endividada. O avô (Ernst Stötzner) é um ex-detento que vira cantor de rap (são dele os melhores momentos de humor do filme). Imagine quando os aristocráticos pais de Isi conhecerem Ossi e sua família. Nesse contexto, o diretor Olivier Kiele destaca a disparidade entre as classes sociais dos dois jovens. Destaque para a química entre os atores Lisa Vicari e Dennis Mojen, um dos pontos altos da comédia. Outro que merece destaque é o ator russo Ernst Stötzner como o avô rapper. “Isi & Rossi” é uma ótima opção de diversão para esses tempos tão tenebrosos. Viva a comédia! (Com esse filme, meu blog chega à marca de 2.000 filmes comentados. Obrigado pela audiência).

                        

 

TEMPESTADE: PLANETA EM FÚRIA (“GEOSTORM”), 2017, Estados Unidos, 1h49m, disponível na plataforma Netflix, direção de Dean Devlin, que também assina o roteiro com a colaboração de Paul Guyot. É mais um disaster movie para lembramos que não estamos seguros e que, de repente, tudo pode acabar numa tragédia. Tudo começa com um provável defeito no sistema “Dutch Boy’, uma rede de satélites ao redor da Terra criada para controlar o clima no planeta, cuja concepção envolveu 17 países. No início da catástrofe, algumas das principais cidades do mundo são afetadas por efeitos climáticos desastrosos, como aquecimento repentino, congelamento, terremotos, maremotos e furações. Enfim, pânico geral. No começo, são atingidas importantes cidades como Cabul (Afeganistão), Hong-Kong, Madrid, Dubai e até o Rio de Janeiro. Para tentar solucionar o defeito no “Dutch Boy”, o governo norte-americano convoca o engenheiro Jake Lawson (Gerard Butler), responsável pela implementação do sistema, o que incluiu a construção de uma estação orbital internacional. Jake é enviado à estação e lá descobrirá que por trás do defeito no “Dutch Boy” há uma conspiração para matar o próprio presidente dos Estados Unidos. O roteiro incluiu algumas subtramas, como a relação conflituosa entre Jake e o seu irmão mais novo Max (Jim Sturgess), além do namoro proibido deste com Sarah (Abbie Cornish), uma agente do serviço secreto. O filme reserva muita ação do começo ao fim, com sequências de tirar o fôlego. Ainda estão no elenco Andy Garcia, como o presidente Palma – de origem latina, talvez para dar uma “cutucada” em Trump -, Ed Harris como Dekkom, assessor especial do presidente, e a atriz romena Alexandra Maria Lara, comandante da estação espacial internacional. Se há um ponto de destaque no filme são os efeitos especiais – ou espaciais. São realmente sensacionais. Além disso, não há muito o que se destacar. No entanto, devo reconhecer que é um ótimo entretenimento.                     

 

GOSTOS E CORES (“LES GOÛTES ET LES COULEURS”), 2018, França, 1h35m, direção de Myriam Aziza, que também assina o roteiro com a colaboração de Denyse Rodriguez-Tomé. Trata-se de uma comédia romântica que explora vários temas, tais como homossexualismo, religião, racismo, imigração, orientação sexual, preconceito etc. Tudo junto e misturado. Vou resumir a história. A família Benloulou, cujos pais são judeus ortodoxos, tem três filhos: o mais velho é casado, o do meio é homossexual e a mais nova é lésbica. Olha o problemão dos conservadores Benloulou. Enquanto seu irmão já saiu do armário, a mais nova, Simone (Sarah Stern), ainda não revelou sua verdadeira opção sexual. Ela vive um romance secreto com Claire (Julia Piaton) há três anos e sempre consegue se desvencilhar dos casamentos arranjados pelos pais. A confusão não poderia ser maior. Poderia ser, sim, pois Simone começa a rever os seus conceitos depois que conhece o senegalês Wali (Jean-Christophe Folly), cozinheiro de um restaurante. E aí a coisa se complica ainda mais. Ainda estão no elenco Clémentine Poidatz, Catherine Jacob e Richard Barry. O filme até que funciona bem na sua primeira metade, mas depois o ritmo de comédia cai vertiginosamente, culpa de um roteiro pouco criativo e desenvolvido sem boas ideias. A solução criada para o final é simplesmente lamentável. Pena, pois a história daria margem para inúmeras outras situações, principalmente de humor. De 0 a 10, uma nota 5, e olhe lá!.                  

 

“A INCRÍVEL HISTÓRIA DA ILHA DAS ROSAS” (“L’INCREDIBILE STORIA DELLE ROSE”), 2020, Itália, 1h57m, produção Netflix, direção de Sydney Sibilia, que também assina o roteiro com a colaboração de Francesca Manieri. A história é baseada em incríveis eventos reais ocorridos no final dos anos 60. Giorgio Rosa (Elio Germano) é um engenheiro que ficou conhecido em Rimini (cidade natal de Federico Fellini) por suas invenções, inclusive um automóvel muito esquisito. Porém, ele não estava particularmente feliz. Queria criar algo que tivesse uma grande repercussão e modificasse sua vida. Em companhia de um amigo também engenheiro, Giorgio tem a ideia que construir uma ilha – na verdade, uma plataforma de 400 m² suspensa por pilares de aço. Giorgio queria mais do que uma ilha. Ele queria criar uma nova nação independente. Por isso, a instalou 500 metros além das águas territoriais italianas, a nomeou República da Ilha Rosa com o esperanto como língua oficial. Georgio foi até mesmo para Nova Iorque tentar na ONU o reconhecimento da nova nação. Devido à repercussão enorme na mídia, a “ilha” logo se transformou num point da juventude de Rimini e de outras cidades italianas. Milhares de jovens queriam abandonar a cidadania italiana para se naturalizar cidadãos da nova nação. Claro que isso tudo começou a incomodar o governo conservador italiano, que elaborou um plano para acabar com a ilha, inclusive utilizando as forças armadas. Enfim, uma loucura imaginar que tudo isso tenha acontecido de verdade. O ótimo elenco conta ainda com Fabrízio Bentivoglio, Tom Wlaschiha, Matilda De Angelis e a participação especial do ator francês François Cluzet ("Intocáveis"). Somente a história em si já é motivo para tornar “A Incrível História da Ilha das Rosas” um filme obrigatório. Porém, tem mais: muito humor, romance e uma primorosa recriação de época que destaca uma deliciosa trilha sonora dos anos 60. Mais um gol de placa do cinema italiano e da Netflix.                   

Mais uma ótima opção disponível na Netflix: “MAIS UMA CHANCE” (“PRIVATE LIFE”), 2018, Estados Unidos, 2h7m, roteiro e direção de Tamara Jenkins. A história é centrada na escritora Rachel (Kathryn Hahn) e no seu marido Richard (Paul Giamatti), um bem sucedido produtor e diretor de teatro. Há anos que o casal deseja um filho, mas ela não consegue engravidar. Já tentaram inúmeros métodos de fertilização, sem resultado positivo. Como última alternativa, procuram doadoras de óvulos na internet, o que também não dá certo. Finalmente, encontram uma possível solução "caseira": a sobrinha Sadie (Kayli Carter), que topa na hora participar da tentativa. Só que os pais de Sadie, Cynthia (Molly Shannon) e Charlie (John Carroll Lynch), irmão de Richard, são radicalmente contra, o que acaba gerando uma grande crise familiar. Apesar do contexto dramático e da seriedade do tema, o filme é repleto de bom humor, diálogos inteligentes, ácidos e cheios de ironia, com referências a clássicos do cinema, lembrando o estilo de Woody Allen, sem ser tão verborrágico. Também lembra Allen o fato de o filme ser todo ambientado em Nova Iorque, assim como a trilha sonora. Mas o grande trunfo é, sem dúvida, o elenco. As atuações, principalmente de Giamatti e Kathryn Hahn, são primorosas. Enfim, um filme independente de alto nível, comprovando que Tamara Jenkins, como já demonstrou em “A família Savage”, pelo qual foi indicada ao Oscar de melhor roteiro em 2008, é uma das cineastas mais talentosas do cinema norte-americano atual. O filme estreou no Festival Sundance de Cinema Independente (2018), arrancando elogios da crítica e do público. Realmente, “Mais uma Chance” é imperdível, cinema de muita qualidade. 

                     

 

O HOMEM SEM GRAVIDADE (L’UOMO SENZA GRAVITÀ), 2019, Itália, 1h47m, primeiro longa-metragem escrito e dirigido por Marco Bonfanti, mais conhecido como diretor de curtas e documentários. É uma mistura de drama e fantasia. A história começa nos anos 80 dentro de uma sala de cirurgia onde está sendo realizado um parto. O nenê sai da barriga da mãe e flutua no ar, preso apenas pelo cordão umbilical, para espanto da médica, da mãe Natalia (Michela Cescon) e da avó Alina (Elena Cotta). A mãe escolhe o nome Oscar, pois achou que o nascimento do filho lembrou aqueles filmes de Hollywood com astronautas vagando pelo espaço. Mãe e avó criam o garoto preso dentro de casa, evitando que a população do pequeno vilarejo onde moram descubra o segredo. Enquanto cresce, Oscar é obrigado a usar pesos dentro dos bolsos e uma mochila com pesos para não flutuar. Numa ida da mãe a uma loja de frutas, Oscar (Pietro Pescara) conhece uma garota chamada Agata (Jennifer Brokshi), que seria a primeira pessoa a vê-lo “voar”. O tempo foi passando e Oscar continuou dentro de casa, escondido, vendo desenhos animados e se entusiasmando pelo Batman. O filme dá um salto no tempo e Oscar já é adulto (Elio Germano). Um adulto sem qualquer noção da realidade externa, o que começa a incomodá-lo. Um dia ele se rebela e foge de casa com o objetivo de participar de um programa televisivo tipo “Você é o Astro”, quando os candidatos apresentam suas habilidades. Claro, Oscar ganhou fácil e logo depois é procurado por um empresário picareta (Vincent Scarito) que o obriga a assinar um contrato de exclusividade e a se apresentar em shows pelo país afora. Embora famoso, Oscar não estava feliz. Na verdade, queria ser um sujeito normal. Esse dilema o atormentará até o desfecho, quando se apaixona por uma prostituta (Silvia D’Amico), que logo descobrirá ser a sua antiga amiguinha Agata. Embora tenha esse lado fantasioso e surreal, “O Homem sem Gravidade” pode ser encarado como um drama psicológico. Até a metade da projeção, o filme encanta e emociona, mas depois cai num ritmo quase enfadonho, limitando a história a situações forçadas até o desfecho. O principal destaque é realmente a perfeição do efeito de flutuação, que foi muito bem feito e ficou bastante realista. O filme abriu a 14ª edição da Festa do Cinema de Roma, em 17 de outubro de 2020 e logo depois chegou à plataforma Netflix. Resumo da ópera: o filme é interessante, vale a pena conferir.                   

 

NATAL SOB FOGO CRUZADO (WIR KÖNNEN NICHT ANDERS), 2020, Alemanha, 1h45m, disponível na Netflix desde o dia 4 de dezembro de 2020, roteiro e direção de Detlev Buck, que também atua no filme. Esqueça aqueles filmes de Natal com crianças escrevendo para o Papai Noel, as famílias arrumando a decoração em seus jardins e as mulheres na cozinha providenciando a ceia. Neste filme alemão, o Natal só chega no desfecho e de forma trágica. “Natal sob Fogo Cruzado” é uma comédia de humor negro, com cenas de violência que lembram as produções de filmes trash. A história começa com um inusitado caso de amor. Num bar de Berlim, Samuel (Kostja Ullmann), professor assistente de universidade, conhece a desmiolada Edda (Alli Neumann). A paixão é imediata e os dois resolvem passar o Natal com a família dela que mora numa pequena cidade na zona rural da Alemanha Oriental. Ao chegarem ao destino, Samuel testemunha uma tentativa de assassinato e acaba jurado de morte e perseguido pelos agressores. Enquanto isso, Edda mata um policial que tentava estuprá-la. As situações de perigo se acumulam a cada momento, deixando o filme bastante movimentado, num ritmo quase alucinante. Mesmo com a violência reinante, o bom humor corre solto a cada sequência, tornando este filme alemão um entretenimento bastante interessante e divertido. Além dos atores já mencionados, ainda integram o elenco Anika Mauer, Detlev Buck, Sascha Alexander Gersak, Sophia Thomalla, Merlin Rose e Peter Kurth. Uma boa dica de filme em tempos tão tenebrosos.         

 

QUANDO OS ANJOS DORMEM (CUANDO LOS ÁNGELES DUERMEN), 2018, Espanha, disponível na Netflix, 1h31m, roteiro e direção de Gonzalo Bendala – mais conhecido como diretor de curtas e documentários, este é o seu segundo longa-metragem (o primeiro foi “Asesinos Inocentes”, de 2015). O título explica bem a situação do principal personagem, Germán (Julián Villagrán). Sabe aquele dia em que os seus anjos da guarda estão dormindo e esquecem de você. Foi o que aconteceu com Germán, um importante executivo de uma companhia de seguros, justamente no dia do aniversário de sua filha. Ela participava de uma reunião em outra cidade e queria sair logo para chegar a tempo de ver a menina apagar as velinhas. Aí começaria o maior inferno de sua vida. A reunião demorou para acabar e, quando saía do estacionamento, uma perua dá ré e atinge a frente do seu carro. Na estrada, é parado pela polícia não apenas por estar dirigindo em zigue-zague por causa do sono, mas também por estar com o farol apagado pela batida. Germán não segue o conselho dos policiais e volta para a estrada. O sono continua e de repente, quando fecha os olhos por segundos, atropela uma moça. A amiga dela presencia o acidente e entra em choque, que logo depois se transformaria em um violento surto histérico. Enquanto tudo isso está acontecendo, a esposa de Germán liga de cinco em cinco minutos cobrando a presença dele no aniversário da filha. Com a moça ferida no seu carro e a amiga histérica, a situação de Germán se complica ainda mais, fugindo totalmente de controle até chegar a uma tragédia. Encerro a sinopse por aqui para não correr o risco de estragar as surpresas do suspense. Além de Julián Villagrán, integram o elenco Ester Expósito, Ásia Ortega e Marián Álvarez. O grande trunfo do filme foi criar uma grande expectativa em relação ao que vai acontecer no final. Realmente, sua atenção não vai desviar enquanto não chegar à surpreendente reviravolta no desfecho. Recomendo.       

 

MANK, 2020, Estados Unidos, produção e distribuição Netflix (estreou na plataforma no dia 4 de dezembro de 2020), 2h31m, direção de David Fincher. O roteiro foi escrito nos anos 90 por Jack Fincher, pai do diretor (o filme é dedicado a ele, morto em 2003). “Mank” é uma viagem deliciosa à Era de Ouro de Hollywood (anos 1930/1940). A história é centrada em Herman J. Mankiewicz (o “Mank” do título - 1897/1953), o famoso roteirista de “Cidadão Kane”, lançado em 1941 e que até hoje é considerado pela crítica especializada como o maior clássico de todos os tempos. O filme vai e volta no tempo, mostrando Mankiewicz (Gary Oldman) nos bastidores dos estúdios, nas festas e jantares promovidos pelos principais produtores do cinema da época. Nos anos 30, Mankiewicz já era um dos mais importantes roteiristas de Hollywood. Beberrão crônico, dava os maiores vexames, o maior deles durante um jantar promovido pelo magnata da mídia William Randolph Hearst (Charles Dance), que mais tarde seria o principal personagem de “Cidadão Kane”. Interpretado com maestria pelo ator Gary Oldman, Mank escreveu o roteiro inteiro na cama, com a perna engessada, auxiliado por sua secretária particular e datilógrafa Rita Alexander (Lily Collins). Orson Welles, o ator e diretor de “Cidadão Kane”, num gesto nada honesto, dividiu os créditos do roteiro, o que gerou uma grande polêmica, já que todo mundo sabia que havia sido escrito apenas por Mank. Indicado a 9 categorias no Oscar de 1941, “Cidadão Kane” ganhou uma única estatueta justamente com o roteiro. Além de Gary Oldman, Lily Collins e Charles Dance, estão no elenco Amanda Seyfried (Marion Davis), Arliss Howard (Louis B. Mayer, chefão da MGM), Tom Burke (Orson Welles), Tom Pelphrey (Joseph Mankiewicz, irmão de Herman), e Tuppence Middleton (Sara, esposa de Herman). Filmado em preto e branco (a fotografia é espetacular) e com uma primorosa recriação de época, “Mank” é desde já considerado como um dos grandes favoritos ao Oscar 2021. Aposto todas as minhas fichas no prêmio de Melhor Ator para Gary Oldman, magistral, e para o roteiro, que deverá render uma homenagem póstuma a Jack Fincher. Os diálogos são riquíssimos em referências cinematográficas, o que deve agradar em cheio os críticos e os cinéfilos em geral. Realmente, mais um grande tributo a Hollywood. Um verdadeiro FILMAÇO, assim mesmo, em maiúsculas      

 

A FERA (LA BELVA), 2020, Itália, 1h39m, direção de Ludovico Di Martino, que também assina o roteiro juntamente com Claudia De Angelis e Nicola Ravera. É um filme de ação que chegou à Netflix no dia 27 de novembro de 2020, sendo o mais visto da plataforma na primeira semana. A história começa com o sequestro de uma menina de 6 anos por uma gangue envolvida com prostituição infantil. Só que os sequestradores não imaginavam que ela é filha de um ex-soldado das forças especiais do exército italiano, Leonida Riva (Fabrizio Gifuni), que enfrenta problemas psicológicos – o tal estresse pós-traumático que afeta ex-combatentes – e precisa tomar antidepressivos. Ao saber do sequestro da filha, Riva deixa os remédios de lado e entra em ação por conta própria. A polícia é tão incompetente que começa a achar que o ex-soldado está por trás do sequestro. Enquanto isso, Riva vai atrás dos responsáveis e aí começa a pancadaria. Ele bate, mas também apanha muito. Mas, como Bruce Willis, é duro de matar. “A Fera” tem todos os clichês daqueles filmes que, como “Busca Implacável”, com Liam Neeson, colocam em cena um pai em busca de uma filha ou então para vingar a morte de um membro de sua família. O mesmo de sempre. Aqui, com a diferença de que é uma produção do cinema italiano, com inúmeros defeitos, um deles as cenas de luta, muito mal coreografadas. Como entretenimento, tudo bem, mas está bem longe de ser indicado como um bom filme. Razoável, no máximo.   

AVA, 2020, Estados Unidos, 1h37m, disponível na Netflix, direção de Tate Taylor, seguindo roteiro de Mathew Newton. O filme coloca como personagem central uma das atrizes que mais admiro atualmente: Jessica Chastain (ela já trabalhou com o diretor Tayloe em “Histórias Cruzadas”). Além de muito competente, ela é bonita, charmosa e sensual, sem contar a excelente forma física, o que é essencial para as cenas de luta. Jessica é Ava Faulkner, uma assassina profissional contratada por uma organização secreta chefiada por Duke (John Malkovich). Ex-soldada do exército norte-americano, especialista em armas e artes marciais, Ava recebe as missões mais importantes e arriscadas, e sempre se sai bem. Na maioria das vezes, recorre à sua beleza e sex appeal – o que Jessica tem de sobra – para atrair suas vítimas, às quais sempre pergunta “O que você fez para me mandarem matá-lo?” antes de dar o tiro de misericórdia. As vítimas são, em geral, políticos, empresários e mafiosos de vários países. Uma missão, porém, dá errado, e Jessica acaba virando alvo de um de seus colegas também matador de aluguel, Simon (Colin Farrel), que já estava enciumado com o sucesso da colega. No roteiro, incluíram uma subtrama envolvendo a família de Jessica, que mora em Boston. Depois de 8 anos, ela volta a encontrar a irmã Judy (Jess Weixler), sua mãe Bobbi (Geena Davis) e o antigo namorado Michael (Lonnie Rashid Lynn Jr.), que atualmente namora com Judy. As rusgas do passado retornam e Jessica terá que se desdobrar para voltar a ser aceita na família, que não sabe sobre suas verdadeiras atividades profissionais. Embora a história seja um tanto mirabolante, fruto de um roteiro repleto de sequências sem a menor credibilidade, “Ava” pode agradar aos fãs de filmes de ação no que se refere a lutas e tiros, mas o resultado final, como cinema, decepciona. Pelo menos tem Jessica Chastain.    

 

MOSUL, 2019, Estados Unidos, 1h41m, disponível na Netflix, roteiro e direção de Matthew Michael Carnahan. Antes de iniciar o comentário propriamente dito, faço uma pequena introdução para explicar os fatos históricos que resultaram no filme. Mosul era a terceira maior cidade do Iraque até ser invadida e tomada pelo Estado Islâmico em junho de 2014. Os guerrilheiros do EI assassinaram civis, estupraram mulheres e assumiram o governo da cidade, elegendo-a sua capital em solo iraquiano. Durante dois anos, o governo iraquiano tentou expulsar os terroristas, resultando numa verdadeira guerra civil, durante a qual morreu muita gente e Mosul ficou praticamente destruída. Em outubro de 2016, o governo do Iraque, com o apoio de soldados curdos e de uma coalização internacional, lançou uma grande ofensiva na cidade, finalmente expulsando o exército do EI. O filme começa justamente nesse momento. A história é centrada num esquadrão paramilitar intitulado “Swat de Nínive” (antigo nome de Mosul), formado por cerca de dez soldados. Eles estão em Mosul para uma missão especial, que só será revelada ao espectador no desfecho. O grupo, comandado pelo Major Jasem (Suhail Dabbach), entra na cidade e ainda se defronta com alguns retardatários do EI, resultando em ferozes combates. O filme tem muita ação, suspense, tiros e muita violência. Mas tudo bem encenado e realista. Tanto que alguns moradores sobreviventes viram o filme e afirmaram que tudo aconteceu exatamente como é mostrado. Realmente, o filme é muito bom. Embora tenha sido produzido pelos Estados Unidos, “Mosul” é totalmente falado em árabe e somente com atores iraquianos. O filme marca a estreia de Matthew Michael Carnahan como diretor. Para escrever o roteiro, ele se baseou nos fatos descritos na reportagem “The Desperate Battle to Destroy ISIS” (“A Batalha Desesperadora para Destruir o Estado Islâmico”), do jornalista Luke Mogelson, publicada na Revista New Yorker.      

ESTRANHA PRESENÇA (THE LITTLE STRANGER), 2018, Irlanda, 1h51m, à disposição na plataforma Netflix, roteiro e direção de Lenny Abrahamson (“O Quarto de Jack”). Trata-se de um suspense sobrenatural baseado no romance "The Little Stranger", de Sarah Wathers, lançado em 2009. A história é ambientada em 1948 e começa quando o Dr. Faraday (Domhnall Glesson) é chamado para atender um paciente na mansão Hundreds Hall, localizada na zona rural do condado de Warwickshire, região central da Inglaterra. O paciente é Roderick Ayres (Will Poulter), um ex-soldado que voltou da Guerra, a Segunda, com graves sequelas físicas e mentais. Chegando ao casarão, o médico conhece Madame Ayres (Charlotte Rampling), a atual matriarca da família, e sua filha Caroline (Ruth Wilson). Dr. Faraday passa a frequentar a casa e acaba se apaixonando por Caroline. Só que, como descobrirá mais tarde, a mansão esconde um terrível segredo que só virá à tona no desfecho da história. Na verdade, podemos dividir o filme em duas partes. Até a metade, nada acontece, só enrolação. A segunda metade reserva alguma ação na base do fantasmagórico, com alguns sustos. Mas é só. Nem mesmo o desfecho, que poderia ser surpreendente, não passa de um final infeliz e mal explicado. E tem mais: a história é contada num ritmo bastante lento, beirando o enfadonho. Para piorar, o personagem principal, Dr. Faradey, passa o tempo todo com uma expressão catatônica e sonambólica que chega a dar raiva. Sua passividade atinge o auge quando nega fogo com a  carente e fogosa Caroline. Nem mesmo as ótimas atrizes Ruth Wilson e Charlotte Rampling escapam da mediocridade reinante. Resumo da ópera: “Estranha Presença” é decepcionante.   

 

 

ERA UMA VEZ UM SONHO (HILLBILLY ELEGY), 2020, Estados Unidos, 1h56m, roteiro de Vanessa Taylor e direção de Ron Howard. Trata-se de um drama familiar adaptado do livro “Hillbilly Elegy: A Memoir of a Family and Culture in Crisis”, escrito por J. D. Vance (James David Vance), grande sucesso de vendas em 2016 e 2017 nos Estados Unidos. A história é baseada em fatos reais e envolve as memórias de J. D. Vance em relação à sua complicada família interiorana. Ainda garoto (Owen Asztatos), terá de conviver com o comportamento da mãe, solteira, Bev (Amy Adams), viciada em drogas e ex-enfermeira desempregada. O garoto tenta enfrentar a situação ao lado da irmã Lindsay (Haley Bennett) e da avó Mawmaw (Glenn Close). Em meio às overdoses da mãe, J. D. Vance vai crescendo com o sonho de encontrar um caminho próprio para se livrar da mãe viciada. Ele vira um rapagão, agora interpretado por Gabriel Basso, e ingressa no curso de Direito da prestigiosa Universidade de Yale. Em meio a entrevistas de emprego, J. D. terá ainda que voltar a conviver com os problemas da mãe, que voltou a se drogar, desta vez na base de altas doses de heroína. Enfim, um drama familiar bastante tenso, que apresenta todas as condições de concorrer em várias categorias ao Oscar 2021. A começar pelo ótimo elenco, cujo destaque maior fica para o desempenho das atrizes Amy Adams e Glenn Glose. Elas estão magníficas e certamente estarão entre as favoritas aos prêmios de Melhor Atriz e Atriz Coadjuvante, respectivamente. Outro trunfo para indicações ao Oscar é a assinatura do veterano diretor Ron Howard, cineasta consagrado de filmes como “O Código da Vinci”, “Frost/Nixon”, “Apollo 13” e “Uma Mente Brilhante”, este último premiado com o Oscar de Melhor Filme e Melhor Diretor em 2002. Para culminar, o roteiro foi escrito por uma das mais talentosas roteiristas de Hollywood, Vanessa Taylor, conhecida por filmes como “Divergente” e o premiadíssimo “A Forma da Água”. A crítica especializada não gostou de “Era uma Vez um Sonho”, embora tenha elogiado o trabalho das duas atrizes. Para mim, o resultado final agradou e, por isso, recomendo. Como informação final, o filme está à disposição na plataforma Netflix.      

 

“A CURA” (“A CURE FOR WELLNESS”), 2017, Estados Unidos, 2h26m, roteiro e direção de Gore Verbinski. Trata-se de um drama que mistura suspense e terror psicológico. A história é centrada no jovem Lockhart (Dane Dehaan), um dos principais executivos de uma empresa com escritório em Nova Iorque. Um dia, a diretoria ordena que Lockhart viaje para a Suíça com a missão de trazer de volta o CEO Pembroke, internado para tratamento de saúde numa clínica localizada nos Alpes. Na estrada que o levaria até lá, o carro onde está Lockhart atropela uma rena, numa das cenas mais fortes do filme. Resultado do acidente: o jovem executivo quebra uma perna e é internado justamente na clínica onde está Pembroke. Como Lockhart descobriria logo depois, o local não é apenas uma clínica, mas um lugar sinistro cheio de mistério e segredos macabros. Dr. Volmer (Jason Isaacs) é o diretor da clínica e vilão da história. É daqueles médicos que fazem experiências com os pacientes, o que lembra muito o que os nazistas faziam durante a Segunda Grande Guerra. Dessa maneira, a missão de Lockhart será dificultada ao máximo, mas ele não se dá por vencido. Vasculhando pelos corredores da clínica, Lockhart tenta encontrar uma forma de resgatar Pembroke e fugir do lugar. Mas, até lá, muita água vai – literalmente – rolar. Destaque para a participação da jovem atriz Mia Goth como Hannah, a paciente mais jovem da clínica. Mia, que também é modelo, ficou conhecida depois de atuar (sua estreia no cinema) em “Ninfomaníaca”, o polêmico filme do dinamarquês Lars Von Trier. Foi neste filme também que Mia conheceu o ator Shia Labeouf, que foi seu marido de 2016 até 2018. Outra curiosidade sobre Mia: ela é neta da também atriz brasileira de cinema e televisão Maria Gladys, com quem morou aqui no Brasil até os 12 anos. Hoje, Mia é uma das atrizes mais requisitadas por Hollywood. Voltando ao comentário de “A Cura”, considero o filme bastante interessante, embora tétrico, indigesto, perturbador e até repugnante. No estilo da história e na estética visual, “A Cura” lembra muito três grandes clássicos do cinema, como “Laranja Mecânica” (a tortura no rosto), de Stanley Kubrick, “Ilha do Medo”, de Martin Scorsese, e “O Iluminado”, também de Kubrick. Sem dúvida, vale a pena conferir o filme de Gore Verbinski, que se tornou conhecido depois de ter dirigido “O Chamado” e os filmes da série “Piratas do Caribe”.  

 

 

“INSPIRE, EXPIRE” (“ANDID EDLILEGA”), 2018, coprodução Islândia/Suécia/Bélgica, 1h40m, primeiro longa-metragem escrito e dirigido por Ísold Uggadóttir, mais conhecida como diretora de curtas. “Inspire, Expire” é um drama triste, mas muito comovente, que explora sentimentos como amor, amizade e solidariedade. O cenário é a capital Reykjavic em pleno inverno, daqueles de bater os dentes. A trama é centrada em Lára (Kristín Póra Haralsdóttir), ex-viciada em drogas e mãe solteira do garoto Elder (Patrik Nökkvi Pétursson). Sem emprego e sem dinheiro, o que a leva a fugir dos apartamentos para não pagar os aluguéis atrasados. Na maioria das vezes, dorme com Elder em seu velho carro. Finalmente ela consegue uma chance para trabalhar como fiscal no aeroporto internacional de Reykjavic. Enquanto aprende a checar os passaportes de quem vai viajar, ela acaba conhecendo Adja (Babetida Sadjo), que foi obrigada a sair de Guiné-Bissau para não ser presa por causa de sua opção sexual – é lésbica. Adja não consegue embarcar para o Canadá, como era seu desejo, porque estava com um passaporte francês falso. Ela é detida e fica à disposição das autoridades islandesas, correndo o risco de ser deportada de volta para o seu país. Os destinos de Lára e Adja se cruzarão e, juntas, tentarão sobreviver ao sofrimento, à pobreza e às dificuldades do cotidiano. Há sequências muito sensíveis e comoventes, como aquela em que Adja conversa com Elder num abrigo de ônibus. O diálogo é um primor. Embora ambientado num cenário gélido e inóspito, o filme consegue aquecer os corações não só das personagens principais, como também dos espectadores, que certamente irão se comover com o drama dessas duas mulheres. “Inspire, Expire” emociona muito. Méritos para as protagonistas principais e também para a cineasta Ísold Uggadóttir, que, com toda justiça, conquistou o prêmio de Melhor Direção no Festival de Sundance (EUA). Imperdível!   

 

 

“O SILÊNCIO DA CIDADE BRANCA” (“EL SILENCIO DA LA CIUDAD BLANCA”), 2019, Espanha, 1h50m, direção de Daniel Calparsoro. O roteiro, escrito por Roger Danès e Alfred Pérez Fargas, foi adaptado do romance de Eva García Sáenz de Urturi, “El Silencio de La Ciudad Blanca”, best seller de 2016. Trata-se de um suspense psicológico cuja história é centrada na investigação da polícia para identificar o serial killer que está matando suas vítimas com requintes de crueldade na cidade de Vitoria, no País Basco. Primeiro, uma injeção paralisante, depois a introdução de abelhas vivas pela boca. Um horror. Depois de mortas, as vítimas, sempre em duplas – um homem e uma mulher – são expostas em locais públicos, uma ao lado da outra, nuas, com as partes íntimas cobertas com um girassol. O modus operandi lembra os assassinatos ocorridos há vinte anos pelo serial killer chamado de “Assassino do Sono”, apelido de Tasio Ortiz Zárate (Alex Brendemühl), que, por sinal, está prestes a sair da cadeia. Os assassinatos atuais estão sendo investigados pelos policiais Unai López (Javier López de Ayala) e Estíbaliz Ruiz (Aura Garrido), chefiados pela comissária Alba Diaz (Belén Rueda). Não sei se foi uma decisão acertada dos roteiristas revelar o assassino logo no começo do filme, o que descartou a expectativa para uma surpresa no desfecho. Na minha opinião, este não é o único defeito do roteiro. Há algumas subtramas mal desenvolvidas e fora do contexto da história. Posso citar duas: o acidente que matou a esposa grávida do policial Unai e a aparição do irmão problemático da sua parceira, sem contar no sexo casual entre o detetive e sua chefe. Como já visto em “O Aviso”, outro filme dirigido por Daniel Calparsoro, há uma certa dificuldade em entender o que está acontecendo. Desde a menção à religião (Adão e Eva), à sociedade das abelhas e até ao fato do serial killer preso ter um irmão gêmeo. Faltou uma explicação mais plausível para essas situações, complicando o entendimento do espectador e prejudicando o resultado final. Talvez o filme ficaria melhor se transformado numa minissérie, já que “El Silencio de La Ciudad Blanc” pertence a uma trilogia com outros dois livros escritos por Eva Garcia, “Los Ritos Del Água” e “Los Señores Del Tiempo”.     

 

 

“O AVISO” (“EL AVISO”), 2018, Espanha, 1h32m, direção de Daniel Calparsoro, seguindo roteiro elaborado por Chris Sparling, Patxi Amezcua e Jorge Guerricaechevarría, que adaptaram a história de um romance escrito por Paul Pen. Trata-se de um thriller de suspense e mistério com algumas pitadas de surreal. Após seu melhor amigo ser baleado na loja de conveniência de um posto de combustíveis, Jon (Raúl Arévalo) descobre um padrão matemático correspondente a outras ocorrências verificadas em décadas anteriores. Por exemplo, outros crimes aconteceram no mesmo local sempre no dia 12 de abril, envolvendo vítimas de determinadas idades, como garotos de 10 anos. Acontece que Jon, na época de estudante considerado um gênio da matemática, é esquizofrênico e psicótico, sofre de alucinações com insetos e toma remédios para tentar viver uma vida normal. Dessa forma, quando diz à polícia e amigos que descobriu um padrão matemático para explicar os crimes, todos acham que é mais uma de suas loucuras. E por aí vai se desenrolando a história, com Jon obcecado em investigar os assassinatos sob o ponto de vista matemático e alertar as prováveis vítimas do próximo dia 12 de abril. O filme também apresenta uma subtrama com uma mãe desesperada com o filho sofrendo bulling na escola e tendo que enfrentar a postura passiva da diretoria. Como previsível, o garoto tem dez anos e se envolverá diretamente no evento final. O roteiro é meio confuso e não ajuda a explicar algumas situações, principalmente a reviravolta que acontece no desfecho. O elenco é de primeira: além de Raúl Arévalo, tem ainda Aura Garrido, Belén Cuesta, Sérgio Mur, Hugo Arbues e Antonio Dechent. O resultado final, porém, decepciona.              

 

 

Imagine a cena: a diva italiana Sophia Loren, aos 86 anos, dançando um samba com um transexual. E mais: o samba é “Malandro”, cantado por Elza Soares. A cena realmente acontece e, por si só, já vale o ingresso. Estou falando do drama “ROSA E MOMO” ("LA VITA DAVANTI A SÉ”), que marca a volta (triunfal!) de Sophia ao cinema, depois de 10 anos do último longa-metragem no qual atuou. Dirigido por Edoardo Ponti, filho da atriz com o produtor Carlo Ponti, “Rosa e Momo” teve o roteiro assinado por Ugo Dhiti e Fabio Natale, que se inspiraram no romance “La Vie Devanti Soi”, do escritor francês Romain Gary. Trata-se de uma história de amor, tolerância e amizade. Madame Rosa (Sophia) é uma judia sobrevivente de Auschwitz e ex-prostituta que mantém uma pequena creche destinada a abrigar menores abandonados, principalmente filhos de prostitutas. Sua rotina acaba mudando quando concorda em acolher Momo (Ibrahima Gueye), um garoto senegalês de 12 anos, até então sob a guarda do dr. Coen (Renato Carpentireri), amigo de longa data de Rosa. Momo, de 12 anos, é um menino bastante problemático, vive se metendo em encrencas e, pior, vende drogas nas ruas a mando de um traficante (Massimiliano Rossi). No início, a convivência com Momo é muito difícil, mas aos poucos Rosa vai ganhando a confiança do garoto, com o qual viverá uma grande amizade. Ambientado na bela cidade litorânea de Bari, no sul da Itália, o filme é realizado com grande sensibilidade por Edoardo Ponti. “Rosa e Momo” tem como trunfo principal a atuação da veterana Sophia Loren e do estreante Ibrahima Gueye, responsáveis pelos momentos mais cativantes e comoventes do filme. Ao lado do pote de pipoca, deixe de prontidão uma caixa com lenços de papel. Ah, o filme é ótimo.          

 

“ALGUÉM TEM QUE MORRER” (“ALGUIEN TIENE QUE MORIR”), 2020, Espanha, minissérie em três episódios (cerca de 1 hora cada um), à disposição na plataforma Netflix desde o dia 16 de outubro de 2020, direção do mexicano Manolo Caro (“A Casa das Flores), que também escreveu o roteiro juntamente com Fernando Pérez e Monika Revilla. Trata-se de um drama familiar com um evidente pano de fundo político numa Espanha sob o domínio do ditador Franco. A história é ambientada em meados da década de 50 do século passado envolvendo duas das mais tradicionais e importantes famílias de Madrid, os Falcón e os Aldama. A história começa com o retorno do jovem Gabino Falcón (Alejandro Speitzer), que estava morando no México há 10 anos (o motivo dessa viagem será elucidado no desfecho). Seu retorno acontece devido a um arranjo casamenteiro entre as famílias com o objetivo de fortalecer os negócios que mantêm em comum. O acordo obriga Gabino a casar com Cayetana Aldama (Ester Expósito). Só que Gabino traz a tiracolo um amigo mexicano, Lázaro (Isaac Herández), que será pivô de algumas situações que mudarão o rumo das intenções familiares. A começar pelo fato de ser dançarino profissional, o que acarreta uma certa desconfiança sobre a relação entre ele e Gambino. Os dois começam a ser chamados de “maricones”, para desespero de Gregorio (Ernesto Alterio), pai de Gambino, e da matriarca da família Falcón, Amparo (Carmen Maura). Mina (Cecilia Suarez) é a única que defende o filho das insinuações. Além de um elenco de primeira, o filme conta com o trunfo de uma primorosa recriação de época, na qual se destacam os cenários, os figurinos e ainda os automóveis. O que acabou destoando, no resultado final, foi o exagerado tom novelesco imposto pelo diretor Manolo Caro, além de um desfecho quase que risível. Em todo caso, são apenas 3 episódios. Se tivesse mais, eu não recomendaria.           

 

“QUANDO A VIDA ACONTECE” (“WAS WIR WOLLTEN”), 2020, Áustria, 1h33m, primeiro longa-metragem da cineasta Ulrike Kofler, seguindo roteiro assinado por Sandra Bohle e Maria Kreutzer. A história é baseada num conto do escritor suíço Peter Stamm, que também colaborou no roteiro. Trata-se de um drama conjugal que tem como pano de fundo a questão da fertilidade. Alice (Lavinia Wilson) é casada com Niklas (Elyas M’Barek) e tenta engravidar há vários anos sem sucesso. Nem mesmo inseminações artificiais deram certo. Depois de mais uma tentativa frustrada, ao receber da médica a notícia de que não haverá mais qualquer possibilidade de gestação, o casal resolve tirar umas férias para relaxar. Escolhem um resort na Sardenha. Mas o que seria apenas uma nova lua de mel acaba se transformando numa situação de pleno estresse. Isto porque na cabana ao lado chega um casal com dois filhos, um deles adolescente e uma menina de uns 7 anos. Meio a contragosto, pois queriam paz, Alice e Nicklas fazem amizade com os novos vizinhos, Christal (Anna Unterberger) e Romed (Lucas Spisser). Esse relacionamento provocará uma série de desentendimentos entre Alice e Nicklas, durante os quais a questão da infertilidade sempre vem à tona. Alice acaba entrando numa depressão profunda, a ponto de evitar contato com o marido. A situação do casal só não complica ainda mais por causa de uma quase tragédia que atingirá os vizinhos. No desfecho, fica no ar a pergunta: será que é possível ser feliz sem filhos? Pensando na resposta, Alice e Nicklas começam a rever os seus conceitos. Como seu filme de estreia, a cineasta austríaca Ulrike Kofler mostra muita segurança e competência ao abordar a questão de como a infertilidade pode afetar o relacionamento de um casal. Selecionado para representar a Áustria na disputa do Oscar 2021 de Melhor Filme Internacional, “Quando a Vida Acontece” é um drama de muita qualidade que merece ser conferido.       

 

 

 

“LAÇO MATERNO” ("MOTHER”), 2020, Japão, produção da Netflix – está na plataforma desde o dia 3 de novembro -, 2h6m, direção de Tatsushi Omori, que também assina o roteiro com Takehiko Minato. Fazia tempo que não assistia a um filme japonês tão bom. Um drama impactante e amargo, cuja história é baseada em fatos ocorridos em 2014. Akiko Misumi (Masami Magasawa) é uma jovem mãe solteira que vive grandes dificuldades financeiras. Por sua culpa. Não trabalha, é preguiçosa, inconsequente e completamente irresponsável, indo para a cama com o primeiro que aparece. E, pior, vive bêbada. Quem sofre com a situação é seu filho Shuhei (Sho Gunji criança e Daiken Okudaira adolescente), que, mesmo pequeno, é obrigado a arrumar dinheiro e fazer as compras. Ele também é manipulado por Akiko para pedir dinheiro para os avós, já que ela havia sido deserdada por tantos problemas que causou na família. Quando seus pais resolvem não dar mais dinheiro, Akiko e Shuhei vão viver nas ruas, até que surge Keichi (Taiga Nakano), um sujeito desagradável e violento, que Akiko acaba aceitando por falta de opção. O filme dá um salto de cinco anos. A situação não mudou muito. Pelo contrário, só piorou. Akiko agora tem outra criança, uma menina, e Shuhei, já um adolescente, continua a serviço das vontades da mãe destrambelhada, que, apesar do caos em que vive, não aceita ajuda do pessoal da assistência social. Continua tão irresponsável como sempre foi, a ponto de instigar o filho a cometer um assassinato para conseguir dinheiro. Não dá para adiantar o que acontece no desfecho, mas não será nada agradável. O roteiro bem elaborado é um dos trunfos de “Laço Materno”, além do desempenho espetacular da atriz Masami Magasawa, que se entrega de corpo e alma ao papel de mãe que mantém uma relação quase tóxica com seu filho Shuhei, assim como com a própria vida. Repito: é um filme bastante perturbador, mas de muita qualidade, a mesma que caracteriza há anos o excelente cinema japonês. Não deixe de ver.         

 

“RETRIBUTION”, à disposição na plataforma Netflix, é uma minissérie em 4 capítulos produzida pela BBC Scotland (Escócia). Quando foi exibida na tv, em 2016, recebeu o título de “One of Us”. A direção é de William McGregor e o roteiro elaborado pelos irmãos Jack e Harry Williams. É um thriller policial ambientado numa zona rural da Escócia, onde vivem as famílias Elliot e Douglas. Muito unidas por laços de amizade, as famílias vivem um momento muito feliz com o casamento de seus filhos Adam Douglas (Jeremy Neumark Jones) e Grace Elliot (Kate Bracken), ela grávida. Essa felicidade, porém, dura pouco, pois o jovem casal recém-casado é morto a facadas em seu apartamento em Edimburgo. A identidade do assassino é revelada logo no início do primeiro capítulo. Trata-se de um viciado em drogas chamado Lee (Owen Whtelaw). Ele sai correndo do local do crime, rouba um carro e foge para a zona rural. No caminho, ele perde a direção e capota, ficando gravemente ferido. Veja só a coincidência: o local do acidente é justamente entre a fazenda dos Elliot e a dos Douglas. Pois são as duas famílias que vão socorrer o assassino. Nesse meio tempo, aparece na televisão uma foto do viciado, acusado do roubo do veículo e suspeito de ser o assassino do jovem casal. O que farão as duas famílias quando souberem que socorreram o sujeito que matou seus filhos? Em outra subtrama da minissérie, a detetive Julliet (Laura Fraser), da polícia de Edimburgo, encarregada de investigar o caso, vive o dilema de tentar arranjar dinheiro para a cirurgia de sua filha, que sofre de grave doença. Para isso, se envolve com traficantes, arriscando-se a perder o emprego. Mas são as duas famílias que estarão envolvidas com os acontecimentos seguintes ao acidente do assassino. Muitas revelações surpreendentes acontecerão pelo caminho, desestabilizando os casamentos e a própria relação familiar, até que no desfecho ocorre aquela que seria a maior revelação, ligada diretamente ao assassinato do jovem casal. O elenco é excelente, contando ainda com Joanna Vanderham, Juliet Stevenson, John Lynca, Joe Dempsie, Christian Ortega, Julie Graham, Kate Dickie, Owen Whitelaw, Adrian Edmondson, Steve Evts e Georgina Campbell. A minissérie é muito boa, garantindo o suspense do começo ao fim. Recomendo.        

 

“A LIÇÃO DE MOREMI” (“CITATION”), 2020, Nigéria, produção Netflix (disponível na plataforma desde o dia 6 de novembro de 2020), 2h31m, roteiro de Tunde Babalola e direção de Kunle Afolayan. Acho que o cinema da Nigéria adora produzir filmes sobre julgamentos e tribunais. Assim foi nos mais recentes que vi: “A Quarta República” (2019) e “The Arbitration”. Neste último, aliás, o roteiro é muito semelhante ao de “A Lição de Moremi”. Enquanto que neste o caso de assédio sexual envolve um professor e uma de suas alunas, em “The Arbitration” os personagens são uma funcionária e seu chefe na empresa. A história de “A Lição de Moremi” é baseada em fatos reais e destaca a relacionamento do professor Lucien (Jimmy Jean-Louis) e sua melhor aluna no curso de pós-graduação, Moremi (Temi Otedola). Antes do ano letivo terminar, Moremi denuncia Lucien por assédio sexual e estupro à direção da universidade, que reúne seus conselheiros e professores para promover um julgamento – independente do resultado, o caso seria encaminhado para a promotoria de justiça providenciar a abertura de inquérito. Mesmo assessorada por uma advogada de renome, Moremi encontra dificuldades para provar o que está dizendo, pois não há testemunhas sobre o supostos assédio e estupro, até que no final acontece uma surpreendente revelação que ajudará uma das partes. Embora muito longo e entediante em vários momentos, o filme prende a atenção apenas com relação à expectativa pelo seu desfecho. No mais, é uma enrolação danada, em tom novelesco, incluindo até excursões dos alunos até Dakar, capital do Senegal, e Cabo Verde, explorando os principais locais de turismo dos dois países. Além do mais, com exceção do ator Jimmy Jean-Louis, que faz o papel do professor, o restante do elenco é muito fraco e o roteiro apresenta vários furos que comprometem o entendimento de algumas situações. Dos filmes nigerianos que assisti, este é, sem dúvida, o mais fraco.           

 

Se você for daquelas pessoas com estômago fraco, não gosta de ver na telinha muita violência, pancadarias e sangue jorrando, não assista “IMPLACÁVEL” (“AVENGEMENT”), filme inglês de 2019 agora disponível na Netflix. Mas se você gosta do gênero “filme pra macho”, não deixe de ver, pois é um dos filmes de ação mais violentos do momento. A direção é de Jesse V. Johnson, que também assina o roteiro com a colaboração de Stu Small. A história toda é centrada no lutador de MMA Cain Burgess (Scott Adkins). Ao vencer uma luta que havia concordado em perder, Cain caiu em desgraça com a quadrilha do poderoso traficante Lincoln Burgess (Craig Fairbrass), justamente seu irmão e o apostador principal na derrota que não aconteceu. Para pagar essa dívida, Cain topa realizar um roubo que não dá certo. Ele fica preso por sete anos numa penitenciária cujos detentos são de alta periculosidade. Resumo da história: alguns presos receberam uma grana alta para matá-lo e quase todo dia ele enfrenta uma briga, muitas vezes contra vários oponentes. Como resultado, tem a face queimada por napalm, perde os dentes da frente e ganha uma enorme cicatriz no rosto. Numa saída para velar a mãe morta, Cain consegue escapar e vai atrás daqueles que o traíram, inclusive seu irmão. Como afirmei no começo, o filme tem inúmeras cenas de violência explícita, muito sangue jorrando e ossos esmigalhados. Mas uma coisa é certa: as cenas de luta são ótimas, realistas e muito bem coreografadas. Nesse ponto, destaco o desempenho do ator Scott Adkins, especialista em artes marciais. Aos 19 anos ele já era faixa preta de Taekwondo e depois ainda se especializou em Kick Boxing, Ninjutsu, Caratê, Wusho, Jiu Jitsu, Krav Maga, Muay Thai e até Capoeira. Ou seja, só armado com um canhão para enfrentar o cara. Créditos maiores, porém, devem ser dados ao diretor Jesse V. Johnson, um craque em filmes de ação, como “O Cobrador de Dívidas”, “O Mercenário”, “Cão Selvagem e “Entrega Mortal, entre outros. Resumo da ópera: para quem gosta de violência e pancadaria, “Implacável” é simplesmente...implacável.     

 

“NATAL EM EL CAMINO” (“EL CAMINHO CHRISTMAS”), 2017, Estados Unidos, 1h39m (disponível na plataforma Netflix), direção de David E. Talbert, seguindo roteiro escrito por Theodore Melfi e Christopher Wehner. Segundo o que foi divulgado pela produção do filme, “Natal em El Camino” seria uma comédia. Sem tê-lo assistido, muitos críticos e sites de cinema acreditaram na sinopse e também o rotularam como comédia. Talvez a presença do comediante Tim Allen no elenco tenha provocado o engano. Trata-se, na verdade, de um drama não muito pesado, mas bem longe de provocar risadas. Talvez um ou outro sorriso amarelo. E só. A história começa com o jovem Eric Rooth (Luke Grimes) chegando à pequena cidade de El Camino com o objetivo de conhecer o pai biológico, cujo endereço descobriu ao encontrar cartas antigas destinadas à sua mãe falecida. Como acontece em quase toda cidade pequena nos Estados Unidos, a polícia pega no pé do recém-chegado, desconfiando até mesmo que ele pode estar envolvido com o tráfico de drogas. Ele é detido e depois solto, indo parar numa loja de conveniência – um mercadinho, na verdade. Aqui se encontram, além de Eric, o proprietário, a funcionária com seu filho e um velho bêbado. Tudo está calmo até a chegada de um policial e é aí que começa toda a confusão. Resumindo: a polícia é mobilizada porque acha que Rooth está mantendo reféns na loja. Uma repórter de TV passa pelo local e descobre o que está acontecendo, fazendo a cobertura para a rede nacional. Dessa forma, o suposto sequestro se transforma no principal assunto dos telejornais. O ritmo do filme cai um pouco a partir do momento em que os personagens que estão dentro da loja conversam entre si sobre seus problemas pessoais e suas histórias de vida, até chegar a uma surpreendente revelação. Como é véspera de Natal, o filme termina com neve caindo, uma jogada do roteiro para amenizar o final trágico. Além de Luke Grimes e Tim Allen, estão no elenco Jessica Alba, Vincente D’Onofrio, Dax Shepard, Michelle Myletr e Kurtwood Smith. Como podem ver, o elenco até que é bom, mas o resultado final não é dos melhores.    

 

Sabe aquelas comédias juvenis tipo “American Pie”, com muita baixaria, palavrões e aquele humor escatológico? Pois é, tudo isso está em “NÃO VAI DAR” (“BLOCKERS”), 2018, Estados Unidos, 1h42m, disponível na plataforma Netflix. A única diferença está no fato do diretor ser uma mulher, no caso Kay Cannon, mais conhecida até agora como roteirista. Aliás, o roteiro foi escrito por uma equipe: Jon Hurwitz, Brian Kehoe, Jim Kehoe, Eben Russell e Hayden Scholossberg. Tanta gente para um resultado tão pífio. O filme acompanha três adolescentes amigas de infância que decidem, num pacto secreto, perderem a virgindade na noite do baile de formatura. Os respectivos pais, sem querer, descobrem num computador de uma delas os termos do pacto e ficam totalmente enlouquecidos. Só que o baile já tinha começado. Eles saem correndo em busca das donzelas, enfrentando um turbilhão de situações desastrosas, incluindo um acidente de carro no caminho. Enfim, entrando na madrugada eles tentarão evitar que suas filhas percam a “pureza”. Como escrevi no começo, tudo o que acontece no filme é baseado na baixaria. O pano de fundo é o sexo, só se fala nisso, com diálogos recheados de palavrões, termos chulos e frases de duplo sentido, além de cenas no mínimo repugnantes, como o nu frontal de um homem de meia idade, jorros de vômito e até ingestão de bebida pelo ânus, além de muito álcool e drogas. Quer mais? Então assista. Anote o elenco: o péssimo John Cena, Leslie Mann (a única que se salva), Ike Barinholtz, Kathryn Newton, Gina Gershon, Gary Cole, Geraldine Viswanathan e Gideon Adlon, só para citar os mais conhecidos. Desde a tradução do título para o português (“Não vai Dar”), tudo no filme é apelação generalizada. Tudo bem, tem gente que gosta. Mas avisa quem amigo é: se você tem algo parecido com inteligência, fuja a galope!