“ESTRELAS ALÉM DO TEMPO” (“Hidden Figures”) conta uma história que há muitos anos ficou praticamente escondida do grande público. Pelo menos não me lembro de ter lido ou ouvido falar de cientistas negras que tiveram um papel fundamental no desenvolvimento do programa espacial norte-americano no início da década de 60, no auge da Guerra Fria, quando os Estados Unidos disputavam com a União Soviética quem ganharia a corrida espacial. Inconcebível que durante tanto tempo essa história não tenha sido contada. Até que, em 2014, Margot Lee Shetterly resolveu transformá-la em livro – “Hidden Figures” -, adaptado para o cinema pela roteirista Allison Schroeder e pelo diretor Theodore Melfi (“Um Santo Vizinho”).  O enredo é centrado na matemática Katherine Johnson (Taraji P. Henson), na especialista em computação Dorothy Vaughn (Octavia Spencer) e na engenheira Mary Jackson (Janelle Monáe), que venceram o forte preconceito racial e, com muita coragem e determinação, encontraram seu espaço na NASA, ocupando cargos do mais alto nível. Só para se ter uma ideia da importância dessas mulheres, basta dizer que Katherine, um gênio precoce da matemática, foi a responsável pelos cálculos que permitiram o lançamento e a reentrada na atmosfera terrestre da cápsula espacial com o astronauta John Gleen, o primeiro a entrar em órbita. Apesar do contexto dramático causado pelo preconceito racial e da Guerra Fria como pano de fundo, o filme é levado com muito bom humor, culminando num entretenimento dos mais agradáveis. Ainda estão no elenco Kevin Costner, Kirsten Dunst e Mahershala Ali, que também atuou em “Moonlight: Sob a Luz do Luar”, pelo qual ganhou o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante. Por falar em Oscar 2017, “Estrelas Além do Tempo” foi indicado em três categorias: “Melhor Filme”, “Atriz Coadjuvante” (Octavia Spencer) e Roteiro Adaptado. IMPERDÍVEL!

Indicado ao Oscar 2017 em seis categorias, inclusive Melhor Filme, “LION: UMA JORNADA PARA CASA” (“Lion”), EUA/Austrália, direção de Garth Davis, conta a história verídica do indiano Saroo Brierley, que, em 1986, aos cinco anos de idade se perdeu do irmão mais velho Guddu numa estação de trem do interior da India e acabou mais perdido ainda em Calcutá, depois de uma viagem de mais de 1.600 km. Saroo é encaminhado para um orfanato e logo depois adotado por um casal australiano. Vinte e cinco anos depois, ele sente a necessidade de rever sua mãe biológica e seu irmão. Este é, basicamente, o enredo dessa incrível e comovente história, adaptada para o cinema pelo roteirista Luke Davies (“Life – Um Retrato de James Dean”), que se baseou nos fatos narrados por Saroo na autobiografia “A Long Way Home”. O elenco é ótimo: Dev Patel (Saroo), Sunny Pawar (Saroo menino), Rooney Mara (Lucy), Nicole Kidman (Sue, a mãe adotiva) e David Wenham (John, o pai adotivo). Impossível não se emocionar com a trajetória épica de Saroo. Um belo filme que merece ser visto. Espere os créditos finais, nos quais aparecem os personagens verdadeiros se encontrando, inclusive a mãe biológica e a mãe adotiva. Lenços de papel à mão...

 

No final dos anos 80, o lutador norte-americano Vinny Pazienza surpreendeu o mundo do boxe ao retornar aos ringues depois de ter sido declarado “desenganado” para as lutas. Campeão do mundo na categoria superleves, ele sofreu um grave acidente automobilístico, no qual fraturou o pescoço e lesionou a coluna cervical. Os médicos foram unânimes: ele não voltaria a andar, muito menos a lutar. Pois Vinny voltou a lutar meses depois e ainda conquistou mais um cinturão de campeão do mundo. Toda essa história é contada no ótimo “SANGUE PELA GLÓRIA” (“Bleed For This”), 2016, roteiro e direção de Ben Younger (“Terapia do Amor”), que ainda teve como produtor executivo Martin Scorsese, um aval e tanto. Quem interpreta Pazienza é o ator Miles Teller, conhecido por ter protagonizado o espetacular “Whiplash – Em Busca da Perfeição”, de 2014. Como Vinny Pazienza, Miles apresenta mais uma interpretação magistral, provando que é um dos melhores atores da nova geração. O filme ainda conta com a participação de Aaron Eckhart, quase irreconhecível (careca) como o treinador Kevin Rooney, e Ciarán Hinds como o pai de Vinny. Este não é, com certeza, o melhor filme sobre boxe, mas tem inúmeras qualidades, a principal delas referente às cenas de luta. São sensacionais. Para valorizar ainda mais, a história é incrível, um dos maiores exemplos de superação já vistos no mundo do esporte. Não perca os créditos finais, nos quais aparecem os personagens reais. Simplesmente IMPERDÍVEL!

 

“BEM-VINDO A MARLY-GOMONT” (“Bienvenue à Marly-Gomont”), 2016, França, direção de Julien Rambaldi, é mais uma produção da Netflix. Conta a história, baseada em fatos reais, do médico Syolo Zantoko (Marc Zinga), formado em Kinshasa, capital do Zaire – o filme é ambientado em 1975, quando tudo aconteceu. Depois de recusar, por questões ideológicas, um emprego como médico do General Mobutu Sese Seko, presidente do seu país, Zantoko viaja para a França e faz especialização em Lille. Ele é convidado para assumir o cargo de médico na comuna Marly-Gomont, uma zona rural ao norte da França, e convence a mulher Anne (Aïssa Maïga) e os filhos Kamini (Bayron Lebli) e Sivi (Médina Diarra) a saírem do Zaire para acompanhá-lo na nova empreitada. O médico, porém, não sabia de alguns detalhes importantes, como, por exemplo, o fato de que os moradores daquela região eram extremamente racistas. Além disso, o clima é gélido, obstáculo quase intransponível para quem estava acostumado com o calor africano. O filme inteiro se baseia justamente nos esforços da família Zantoko de vencer estes e outros obstáculos. Apesar de abordar um tema sério como o racismo, o diretor Rambaldi deu ao filme (seu segundo longa-metragem) um tom de comédia, com momentos de muito humor e situações hilariantes, tornando-o bastante agradável de assistir. Informação adicional: grande parte do roteiro foi escrito pelo próprio filho do médico, Kamini Zantoko, hoje um rapper de sucesso na França.           

                                               

Vencedor do “Leão de Ouro” do Festival de Veneza/2015, o drama venezuelano “DE LONGE TE OBSERVO” (“Desde Allá”) conta a história de Armando (Alfredo Castro), um empresário de 50 anos, proprietário de um laboratório de próteses dentárias, que tem uma tara das mais sórdidas: pagar rapazes para ficarem nus enquanto se masturba. Um dia, Armando “contrata” Elder (Luis Silva), um delinquente líder de uma gangue e, pior, homofóbico. A relação entre os dois é, a princípio, bastante tumultuada, até violenta, depois vira amizade. Claro, uma amizade doentia de ambas as partes. Trata-se do primeiro filme escrito e dirigido por Lorenzo Vigas Castes, que contou com a colaboração, na elaboração do roteiro, do diretor mexicano Guilhermo Arriaga (“21 Gramas”, “Amores Brutos” e “Babel”). Outro trunfo do filme é o excelente desempenho do ator chileno Alfredo Castro, que tem no currículo filmes importantes como “O Clube”, “No” e “Post Mortem”. Também destaco a participação do jovem ator Luis Silva em sua estreia no cinema – ele lembra Cauã Reymond mais jovem. Mesmo com esses predicados, não é um filme que possa se chamar entretenimento. Tem poucos diálogos, é lento e bastante pesado, pois aborda temas desagradáveis como a promiscuidade e a obsessão sexual. Difícil acreditar que tenha conquistado um prêmio tão importante como o “Leão de Ouro”. Enfim, parodiando Geraldo Vandré, “a vida não é feita só de festivais”.        

 O pano de fundo é a questão da pena de morte na África do Sul, abolida somente em 1995 quando Mandela assumiu a presidência do país. Até aquela data, ocorreram 4.200 execuções. O drama inglês “CORDEIROS E CARRASCOS” (“Shepherds and Butchers”), direção do sul-africano Oliver Schmitz, aborda o tema baseado no que ocorreu na capital executiva Pretória em 1987, quando aconteceram 164 enforcamentos. A história, baseada em fatos reais e transformada em roteiro por Brian Cox, é centrada no julgamento do jovem agente penitenciário Leon Labuschagne (Garion Dowds), de 19 anos, que, num surto psicótico, assassinou a tiros sete integrantes de uma equipe de futebol. Depois de preso, Leon vai a julgamento e tem como defensor o advogado Johan Webber (Steve Coogan, de “Philomena”). O destino do jovem parece ser mesmo a pena de morte. Apesar de todas as evidências em contrário, da pressão das famílias dos mortos e do clamor popular, o advogado tentará de todas as maneiras evitar a execução de Leon. Trata-se de mais um drama de tribunal, recheado de flashbacks dos acontecimentos, incluindo cenas chocantes da execução de presos por enforcamento. São chocantes mesmo, acredite! A destacar, o excelente desempenho do jovem ator Garion Dowds em sua estreia no cinema (antes, havia participado de um filme feito para a TV e de uma minissérie). Também está no elenco a atriz inglesa Andrea Riseborough, como a promotora que atua no caso. O filme estreou no Festival de Berlim/2016 e teve boa recepção por parte da crítica e do público. Minha opinião: é mais interessante, pela história, do que bom.  

                                               

“FOME DE PODER” (“The Founder”), 2016, com roteiro de Robert D. Siegel e direção de John Lee Hancock (“Um Sonho Possível”), conta a fascinante história da expansão da rede de lanchonetes McDonald’s, talvez um dos mais emblemáticos cases de sucesso do mundo dos negócios. No início dos anos 50 já havia uma lanchonete McDonald’s no sul da Califórnia, fundada e comandada pelos irmãos Richard e Maurice Mac McDonald. Em 1954, o vendedor Ray Kroc, de Illinois, visitou a lanchonete – ele vendia equipamentos para a preparação de alimentos - e ficou maravilhado com o seu funcionamento, a forma inovadora de atendimento e o cardápio. Com seu apurado tino comercial, Kroc vislumbrou, naquele pequeno negócio, um enorme potencial de crescimento, ou seja, expandir para uma rede de franquias por todo o país e, posteriormente, para o mundo inteiro. Kroc inicialmente associou-se aos irmãos e depois deu sua cartada final: fundou uma empresa franqueadora com o mesmo nome, deixando de fora os ingênuos irmãos. A ganância acima da ética. Michael Keaton está ótimo como Ray Kroc, provando que ainda é um dos melhores atores de Hollywood. Ainda estão no elenco Nick Offerman, John Carroll e Laura Dern. O filme é muito bom, ágil e esclarecedor, apresentando um dos maiores exemplos de empreendedorismo bem sucedido do mundo moderno. Imperdível!                        

Em “VERSÕES DE UM CRIME” (“The Whole Truth”), EUA, 2016, você não verá Keanu Reeves enfrentando bandidos em meio a pancadarias, tiros e perseguições. Muito menos vestido de preto desviando de balas em câmera lenta. “Versões de um Crime” é um filme de tribunal do começo ao fim. Tem pouca ação e muito falatório. Reeves é o advogado criminalista Richard Ramsey, que assume a defesa do jovem Mike (Gabriel Basso), acusado e réu confesso de ter assassinado o pai, Boone (James Belushi). A trama também envolve a viúva de Boone, Loretta (Renée Zellweger). Ramsey é amigo da família há tempos e costumava frequentar as reuniões sociais realizadas na mansão de Boone, um bem sucedido empresário, mas prepotente e violento. Em alguns flashbacks, o filme mostra cenas envolvendo Boone e a família, tentando explicar os possíveis motivos que levaram Mike a cometer o crime. O filme é repleto de pistas falsas, tem um eficiente clima de suspense e algumas reviravoltas perto do desfecho. O roteiro, assinado por Nicholas Kazan (filho do famoso cineasta já falecido Elia Kazan), mantém a atenção do espectador até o final. Este foi o segundo longa-metragem dirigido por Courtney Hunt – o primeiro foi o bom policial “Rio Congelado”, de 2008. Embora não seja o melhor filme de tribunal – longe disso -, “Versões de um Crime” certamente agradará o espectador que curte o gênero. Keanu Reeves continua sendo um ator muito fraco e quase não fica com o papel, destinado inicialmente ao ator inglês Daniel Craig, que desistiu na última hora. Não dá para não comentar a participação da atriz Renée Zellweger, completamente irreconhecível graças a uma plástica que a deixou com cara de estátua de cera, daquelas que são expostas em museus de celebridades.                       

O drama francês “MARGUERITE & JULIEN – UM AMOR PROIBIDO” (“Marguerite & Julien”) resgata uma história verdadeira ocorrida no início do Século XVII, quando dois irmãos foram condenados por sua relação incestuosa – interpretados por Anaïs Demoustier (Marguerite) e Jérémie Elkaïm (Julien de Ravalet). A ideia de fazer um filme contando essa história surgiu no início da década de 70, quando o diretor François Truffaut resolveu desenvolver um roteiro, mas o projeto não foi concretizado. A atriz e agora cineasta Valérie Donzelli retomou a ideia,  transformando-o no seu quinto longa-metragem. Embora a trama seja ambientada originalmente em 1603, Donzelli desenvolveu-a em várias épocas, misturando o Século XVII com o início do Século XX e culminando nos dias atuais. Em outras palavras: uma confusão cronológica daquelas, com carruagens antigas ao lado de carros modernos e até de um helicóptero. Mais esquisito ainda foi o fato de toda essa história de incesto e amor proibido ser contada num orfanato para meninas que nem chegaram à adolescência. Não é por nada, mas acho que Valérie Donzelli exagerou na dose, extrapolando o bom senso. Melodramático demais. Mesmo tendo concorrido à Palma de Ouro no Festival de Cannes 2015, não achei pontos positivos suficientes para recomendá-lo.                   

Os telespectadores que assistiam ao noticiário do Channel 40 da Cadeia WXLT, de Sarasota (Flórida) na manhã do dia 15 de julho de 1974 tiveram a oportunidade de presenciar uma das cenas mais chocantes da história da televisão mundial. Na bancada do estúdio, após pronunciar a frase “Para dar continuidade à política do Canal 40 de trazer as últimas notícias sobre sangue e miolos, vocês verão outro primor: uma tentativa de suicídio”, a repórter Christine Chubbuck, aos 29 anos, faria ao vivo seu trágico ato final. O dia fatídico e os que antecederam essa tragédia são retratados no drama “CHRISTINE” 2016, EUA, com direção de Antonio Campos (filho do jornalista brasileiro Lucas Mendes), que também assina o roteiro ao lado de Craig Hilowich. O filme explora os antecedentes psicológicos da repórter, interpretada com maestria pela atriz inglesa Rebecca Hall. Christine tinha um histórico de depressão e uma vida pessoal tumultuada, principalmente a relação conturbada com sua mãe Peg (J. Smith-Cameron). No trabalho, Christine era sempre pressionada a conseguir reportagens que aumentassem a audiência da emissora, o que a levava ao limite do estresse. O filme estreou no Festival de Sundance em 2016 e, no mesmo ano, foi exibido durante o Festival Internacional de Cinema do Rio de Janeiro. O filme é muito bom, ainda mais pelo maravilhoso desempenho de Rebecca Hall, injustamente não indicada ao Oscar 2017 por essa atuação.            

O drama independente “MELHORES AMIGOS” (“Little Men”), 2016, EUA, reúne novamente o diretor Ira Sachs com o roteirista brasileiro Maurício Zacharias (“O Céu de Suely” e “Madame Satã”). Eles trabalham juntos há vários anos, sendo responsáveis por filmes como “O Amor é Estranho”, “Deixe a Luz Acesa” e “Vida de Casado”. O fio condutor de “Melhores Amigos” é a mudança da família Jardine – Brian (Greg Kinnear), Kathy (Jennifer Ehle) e Jake (Theo Taplitz) – para a casa deixada pelo avô de Brian, recentemente falecido, no Brooklin. O térreo da casa é ocupado por uma loja cuja proprietária é Leonor (a atriz chilena Paulina Garcia, de “Glória”, em seu primeiro filme em língua inglesa). Seu filho Toni (Michael Barbieri) logo faz amizade com Jake. Os dois não se desgrudam. O avô de Brian cobrava um aluguel irrisório de Leonor. Brian e sua irmã Audrey (Talia Balsan) resolvem reajustar o valor. Inconformada, Leonor resolve não assinar um novo contrato, iniciando uma batalha jurídica que esfriará de vez a amizade entre as duas famílias. Destaco como trunfo do filme o excelente desempenho do elenco, principalmente os jovens atores que interpretam Jake e Toni. Apesar do contexto dramático, o filme é leve e pode ser visto numa sessão da tarde com pipoca.           

“INSUBSTITUÍVEL” (“Médecin de Campagne”), 2016, traz de volta à tela um dos mais competentes atores franceses: François Cluzet (quem não se lembra dele como o tetraplégico de “Intocáveis”?). Ele interpreta o médico Jean-Pierre Werner, que há 30 anos dedica-se a cuidar da população de uma zona rural no interior da França. Werner é um médico à moda antiga. Além do consultório, onde costuma não cobrar consulta dos pobres, visita seus pacientes em suas casas, envolve-se emocionalmente com quase todos os casos, conversa demoradamente com cada um, dá conselhos e é radicalmente contra internações em hospitais. Todo mundo adora Werner. Só que um dia ele é diagnosticado com uma doença grave, com poucas chances de cura. Aconselhado a descansar e iniciar um tratamento mais intensivo, Werner não desiste de continuar trabalhando. Até que uma médica recém-formada, Natalie Delezia (Marianne Denicourt), chega para ajudá-lo e, tudo a leva a crer,  substituí-lo no futuro. De início, ele resolve boicotá-la, o que resulta nas cenas mais bem-humoradas do filme. O roteirista e diretor Thomas Lilti, que já havia colocado a medicina como tema de outro filme (“Hipócrates”), não deixa a trama cair no melodrama, o que faz desta produção francesa um ótimo entretenimento, mas o melhor do filme é, sem dúvida, o desempenho de Cluzet.        

“FRANTZ”, 2016, França/Alemanha, escrito e dirigido por François Ozon. Mais um excelente drama que Ozon readaptou para o cinema, baseado no filme “Não Matarás” (1932), do diretor alemão Ernest Lubitsch. Ambientado em 1919, um ano após o término da Primeira Guerra Mundial, conta a história do jovem francês Adrien Rivoire (Pierre Niney), que visita uma pequena cidade da Alemanha para depositar flores no túmulo de um soldado alemão. Ele é surpreendido no cemitério por Anna (Paula Beer), que iria se casar com o falecido. Anna fica curiosa para saber quem é aquele jovem misterioso e o pressiona para contar a verdade. Adrien conta que era muito amigo do alemão quando este morava em Paris antes do início da guerra. Adrien e Anna ficam amigos e essa amizade parece ter tudo para terminar em novo romance. Os pais do soldado morto, Magda (Marie Gruber) e Hans Hoffmeinster (Ernest Stözner), recebem Adrien em sua casa e ficam encantados quando ele descreve o que fazia com o amigo alemão em Paris. O espectador mais atento acabará percebendo que Adrien esconde algum segredo e que, uma hora ou outra, será finalmente revelado. Considero este um dos melhores filmes do diretor francês, um dos mais criativos do cinema atual – de Ozon recomendo ainda “Uma Nova Amiga”, “Sob a Areia” e, principalmente, o espetacular “Dentro de Casa”. A cada filme Ozon surpreende ao inovar na narrativa, criando sempre uma expectativa próxima do suspense. Em “Frantz”, Ozon utiliza o preto e branco para acentuar a carga dramática, o que acontece em 90% do filme. “Frantz” concorreu ao Leão de Ouro no Festival de Veneza 2016 e foi indicado em 11 categorias ao Prêmio César 2017 (o Oscar francês), além de ter sido aclamado nos festivais de Toronto e Sundance. IMPERDÍVEL!    

“ARMAS NA MESA” (“Miss Sloane”), 2016, EUA, direção do veterano diretor inglês John Madden (“Shakespeare Apaixonado” e “O Exótico Hotel Marigold 1 e 2”) e roteiro de Jonathan Perera. A trama é centrada em Elizabeh Sloane (Jessica Chastain), uma das lobistas mais famosas de Washington. É workalohic assumida, muito competente, extremamente ambiciosa e sem qualquer escrúpulo, a ponto de prejudicar e colocar em risco de vida seus próprios colegas de trabalho. Quando indicada por seu chefe George Dupont (Sam Waterston) para comandar uma campanha em prol da indústria de armas, ela recusa o trabalho e, mais do que isso, resolve passar para o outro lado, ou seja, assumir o cargo de coordenadora de uma ação para a implantação de leis de controles de armas mais rígidas desenvolvida pelo escritório de uma ONG. A partir daí, ela entra em rota de colisão com seu ex-escritório, resultando num processo que a levará a julgamento pelo Congresso norte-americano. A reviravolta no desfecho é sensacional. O filme parece ter sido feito para Jessica Chastain deitar e rolar. E ela deita e rola, esbanja charme, prepotência e arrogância na medida certa, justificando a posição de uma das atrizes mais competentes da atualidade. Ela já havia sido indicada para o Oscar de Melhor Atriz em 2013 por sua atuação em “A Hora mais Escura” e agora, com “Miss Sloane”, talvez tenha sido a grande injustiçada pela Academia no Oscar 2017. Ela está simplesmente sensacional. Se o filme já é bom por si só, é ainda melhor com a presença dessa maravilhosa atriz. Veja e confira!

                                                                   

Representante da Noruega na disputa do Oscar 2017 de Melhor Filme Estrangeiro, o drama histórico “A NEGATIVA DO REI” (“Kongens Nei”), direção de Erik Poppe, ficou entre os nove finalistas (o vencedor foi o iraniano “O Apartamento”). O filme retrata um dos acontecimentos mais importantes da história da Noruega. Em abril de 1940, com o falso objetivo de defender o país escandinavo de uma possível invasão inglesa, as tropas alemãs invadiram a Noruega, exigindo sua imediata rendição. O Rei Haakon VII (Jesper Christensen) se negou a negociar com os alemães, daí o título do filme, e a seguida declaração de guerra contra a Alemanha. Além de mostrar os bastidores dos acontecimentos que envolveram a família real norueguesa e o governo, o filme destaca os esforços do embaixador alemão em Oslo, Kurt Bräuer (o ótimo Karl Markovics, de “Os Falsários”), em negociar a rendição, evitando um massacre da população civil e dos despreparados soldados noruegueses. Só que os comandantes militares alemães não queriam saber de negociar. Os fatos narrados estão no livro “Kongens Nei”, escrito por Al Reidar Jacobsen, transformados para roteiro do filme pela dupla Harald Rosenløw-Eeg e Jan Tryeve Røyneland. O filme é muito bom, não apenas porque é bem feito, bem dirigido e interpretado, mas por contar um fato histórico da maior importância, mas pouco conhecido por aqui. Para quem gosta de História mundial, um filme simplesmente obrigatório e imperdível!                                                                

“A CRIADA” (“AH-GA-SSI”), 2016, Coréia do Sul, roteiro e direção de Park Chan-Wook (“Oldboy”, “Segredos de Sangue”). Trata-se de um drama da mais alta qualidade, criativo e, ao mesmo tempo, de difícil compreensão, longo (2h47m) e enigmático, sem falar no fato de que é falado em japonês e coreano. A trama, porém, é engenhosa. Requer uma atenção especial para os detalhes. Nem tudo o que você vê é o que realmente acontece. O roteiro é baseado no romance galês “Fingersmith” (“Na Ponta dos Dedos”), escrito por Sarah Waters. Ambientado nos anos 30 na Coréia do Sul durante a ocupação japonesa, o filme descreve uma trama diabólica. A jovem camponesa Sooke (Kim Tae-Ri) é contratada como empregada da rica e ingênua herdeira Hideko (Kim Min-Hee), que mora com o tio autoritário Kouzuki (Cho Jin-Woong). A verdadeira intenção de Sooke é promover a aproximação do falso conde Fugiwara (Ha Jung-Woo) e convencer Hideko a desposá-lo. Na segunda parte do filme, numa narrativa fragmentada, repleta de idas e vindas, além da repetição das cenas da primeira parte sob ângulos diferentes, o enredo transforma-se num verdadeiro quebra-cabeças e sua montagem terá a finalidade de explicar tudo o que realmente aconteceu, com direito a várias reviravoltas até chegar ao desfecho. O primor visual, tanto com relação à fotografia, cenários, figurinos e recriação de época, é um dos maiores destaques do filme, assim como a requintada elaboração das cenas eróticas, que beiram o explícito sem abrir mão do bom gosto. Não há dúvidas de que estamos diante de um filme bastante interessante e inovador. Poucos diretores do cinema atual teriam a coragem de utilizar a câmera com tantos planos diferentes e de forma tão criativa. Não é um filme para iniciantes. Concorreu à Palma de Ouro no Festival de Cannes 2016 e ganhou nada menos do que 37 prêmios internacionais em festivais pelo mundo afora.                                     

Em 1879, a descoberta de uma caverna com pinturas rupestres, inicialmente datadas de 10.000 anos, em Santander (norte da Espanha), causou enorme polêmica no mundo científico da época,  envolvendo ciência, religião, história e arte. O caso virou um embate dos mais ferrenhos entre o  arqueólogo amador espanhol Marcelino Sanz de Sautuola, descobridor da caverna, e o francês Émile Cartailhac, então a maior autoridade em pré-história, sem contar a reação da Igreja Católica, contrária às teorias de Sautuola. Ao apresentar sua descoberta a cientistas do mundo inteiro num congresso, Marcelino foi humilhado por Cartailhac, que o chamou de charlatão. Marcelino caiu em desgraça perante o mundo científico e somente 35 anos depois sua teoria seria reconhecida. Toda essa fascinante história é contada em “ALTAMIRA”, 2016, numa coprodução Reino Unido/Espanha, sob a direção do veterano diretor inglês Hugh Hudson (“Carruagens de Fogo”, “Greystoke: The Legend of Tarzan” e “África dos Meus Sonhos”).  No elenco, Antonio Banderas, a atriz iraniana Golshifteh Farahani, Rubert Everett, Clément Sibony, Irene Escolar e Allegra Allen. Um trabalho primoroso do diretor Hudson, que resolveu contar uma história das mais interessantes sob o ponto de vista da ciência e da arte. O filme é valorizado ainda mais pela excelente fotografia, além dos cenários deslumbrantes da região da Cantábria, onde está localizada Santander. Imperdível!                               

“A LONGA CAMINHADA DE BILLY LYNN” (“Billy Lynn’s Long Half Time Walk”), EUA, 2016, direção de Ang Lee. História baseada no livro escrito por Ben Fountain, também autor do roteiro. Ambientado em 2005, o enredo é centrado no jovem soldado Billy Lynn (Joe Alwyn), que volta do Iraque como herói depois de salvar um sargento de uma emboscada em meio a intenso tiroteio. Billy e seus companheiros de pelotão – chamado pela mídia norte-americano como “Bravo” – chegam aos EUA com honras, condecorações e homenagens. Políticos e empresários ligados ao esporte, ao cinema e ao mundo dos espetáculos tentam se aproveitar da fama dos rapazes. Entendi o filme como uma crítica mordaz ao establishment político e empresarial do Tio Sam. Seu lançamento nos cinemas dos EUA foi um grande fracasso de bilheteria, apesar da história envolvendo soldados heróis e das participações especiais de Vin Diesel, Steve Martin, Kristen Stewart e Chris Tucker. Achei verborrágico demais. O resultado final ficou muito aquém da competência do consagrado diretor taiwanês Ang Lee, responsável por excelentes filmes como “O Segredo de Brokeback Montain”, “As Aventuras de Pi” e “Tempestade de Gelo”. Na minha opinião, o melhor de Lee ainda é “Comer, Beber, Viver”, de 1994.                               

O drama canadense “MEAN DREAMS” teve sua primeira exibição no Festival de Cannes 2016. A direção é de Nathan Morlando, em seu segundo longa – o primeiro foi “Edwin Boyd: A Lenda do Crime” –, com roteiro de Ryan Grassby e Kevin Coughlin. Ainda não tem data para estrear em nossos cinemas e, por isso, não há tradução para o título. Aliás, duvido que seja exibido por aqui, pois não tem muito apelo comercial, a não ser pelo fato de ser o penúltimo filme da carreira do ator Bill Paxton, falecido em fevereiro de 2017, e pela presença da atriz adolescente Sophie Nélisse, que ficou conhecida depois de ter atuado em “A Menina que Roubava Livros”. A história de “Mean Dreams” é centrada nos jovens Jonas Ford (Josh Wiggins) e Casey (Nélisse), que moram em propriedades rurais vizinhas, fazem amizade e acabam se apaixonando. Casey é filha do policial Wayne Caraway, um sujeito violento e alcoólatra, que a maltrata inclusive com espancamentos. Jonas passa a rondar a casa da namorada e acaba descobrindo que o pai dela está envolvido com o tráfico de drogas. Aí a coisa complica de vez, pois Jonas foge com a maleta de dinheiro que o policial roubara. Pior: na fuga, leva a filha do policial junto. A partir daí, o filme se transforma numa perseguição pelas estradas, de um lado os jovens fugitivos e, de outro, o policial Wayne e seu chefe (Colm Feore), também envolvido na maracutaia envolvendo as drogas. Dá pra ver numa sessão da tarde.                           

Marco Bellocchio é um dos mais importantes diretores italianos da atualidade. São de sua autoria filmes muito bons como “Vincere” e “A Bela que Dorme”, entre tantos outros. Recentemente, lançou “Belos Sonhos”, elogiado pela crítica especializada e que ainda não tive a oportunidade de assistir. Em 2015, Bellocchio escreveu e dirigiu “SANGUE DO MEU SANGUE” (“SANGUE DEL MIO SANGUE”), inspirado num episódio do clássico romance histórico “I Promessi Sposi”, escrito em 1827 por Alessandro Manzoni. O filme é dividido em duas partes. Na primeira, ambientada no Século 17, um padre católico comete suicídio após ter um caso com a freira Benedetta (Lidiya Liberman). Federico Mai (Piergiorgio Bellocchi Jr, filho do diretor), irmão gêmeo do padre que se matou, exige dos padres do monastério que forcem a freira a confessar sua culpa, impedindo dessa forma que o irmão falecido não seja enterrado num cemitério de animais, como era costume fazer com os suicidas da época. Os padres assumem o papel de inquisidores e tentam convencer a freira a confessar mediante tortura. Ela acaba não confessando, o que lhe acarretará um castigo da maior crueldade. O filme dá um salto para os dias atuais e a história que será contada não tem qualquer ligação com a primeira, a não ser o monastério, que agora virou um casarão onde se esconde um misterioso conde (Roberto Herlitzka). Um milionário russo quer comprar o imóvel para transformá-lo num hotel de luxo. O mesmo Piergiorgio Bellocchio surge como protagonista dessa história. Se na primeira parte Marco Bellocchio faz críticas ácidas à Igreja Católica, na segunda aproveita para denunciar a corrupção que predomina no meio político italiano. Por falar nisso, Bellocchio, se fosse político, talvez fosse acusado de nepotismo, ao colocar no elenco seu filho Piergiorgio e sua fiha Elena Bellocchio. “Sangue do Meu Sangue” venceu o Prêmio da Crítica no Festival de Veneza 2015, sendo aplaudido de pé por 8 minutos ao final de sua exibição. Aplausos exagerados, na minha opinião. Por aqui, estreou em 2016 durante a 40ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo.                         

“TE VEJO AMANHÃ EM HONG KONG” (“Already Tomorrow in Hong Kong”), 2015, EUA/Hong Kong, roteiro e direção de Emily Ting. Quando o filme terminou, fiquei com a nítida impressão de que um dos seus patrocinadores foi a Secretaria de Turismo de Hong Kong. E, para disfarçar, colocou dois atores em cena para perambular pela cidade, tendo como cenário sua iluminação intensamente feérica. Eles vão pra lá, vem pra cá, sobem e descem escadas, percorrem mercados, ruas e alguns pontos turísticos conhecidos, além de passear de barco. Tudo à noite, para valorizar a iluminação. Será que de dia a cidade também é tão bonita? Duvido. Josh Goldenberg (Bryan Greenberg, que lembra o jovem Mel Gibson) está fumando na calçada, dando um tempo na festa da namorada. Nisso surge Ruby (Jamie Chung) e eles acabam conversando. Saem andando pela cidade (e a festa???), num passeio com muito blá-blá-blá, um papo furado vazio e de uma profundidade milimétrica. Um ano depois, eles voltam a se encontrar e começa tudo de novo. Andam pela cidade, conversam o tempo inteiro e nada de chegar aos finalmente. O desfecho é abrupto e sem graça, o que certamente deve desagradar os espectadores mais românticos. A estrutura do filme lembra muito a trilogia “Antes do Amanhecer”, “Antes do Pôr-do-Sol” e “Antes da Meia-Noite”, nos quais Ethan Hawke e Julie Delpy desfilam sua chatice verborrágica o tempo inteiro. Como curiosidade, vale dizer que Bryan Greenberg e Jamie Chung são casados na vida real.      ong Kong”)HonHongho              

O pano de fundo é político, envolvendo a repressão violenta da Rússia contra uma república fictícia chamada Karadjistan. Nada muito fora da realidade que a gente conhece muito bem. O filme espanhol “KAMIKAZE”, 2014, aborda essa temática com muito bom humor e sensibilidade, abrindo espaço também para o romance. Slatan (Álex García) é recrutado como homem-bomba por um grupo terrorista do Kardjistan para explodir um avião de passageiros que faria a rota Moscou-Madri. Só que uma violenta tempestade de neve impede o voo. Os passageiros, de várias nacionalidades, são hospedados num hotel até a tempestade passar. O misterioso Slatan acaba fazendo amizade com um grupo de espanhóis e argentinos. Durante os três dias em que os passageiros são obrigados a permanecer no hotel - a temperatura lá fora é de -32º -, muita coisa acontece e Slatan começa a rever os seus conceitos. Será que ele realmente explodirá o avião? Além do humor, o roteirista e diretor Álex Pina adiciona muita ação e suspense, principalmente no desfecho, o que torna essa produção espanhola um ótimo entretenimento. Pena que não tenha sido exibido comercialmente por aqui. Além de Álex García, estão no elenco Verónica Echegui, Carmen Machi, Leticia Dolera, Eduardo Blanco e Héctor Alterio, estes dois últimos argentinos.