Rodado em 2012 e lançado no Festival de Berlim/2015, “CAVALEIRO DE COPAS” (“Knight of Cups”), é mais um filme enigmático, indecifrável e, acima de tudo, insuportável, escrito e dirigido pelo cineasta/filósofo norte-americano Terrence Malick. Sofrimento puro aguentar os seus 118 minutos de duração. Malick repete a mesma  estrutura narrativa dos abomináveis “Árvore da Vida” e “Amor Pleno”, ou seja, um narrador com voz sussurrante (Ben Kingsley), frases desconexas, reflexões filosóficas e poucos diálogos entre os personagens. Tudo isso ilustrado por imagens do céu cheio de nuvens, cidades iluminadas, praias e florestas. Um caos visual, mesmo que algumas imagens sejam belíssimas. Entre as reflexões filosóficas, que não têm nada a ver com o filme, estão pérolas como “O único jeito de sair é entrando”, ou “Eu estou na escuridão, mas acredito na luz”, ou “A realidade não é a realidade”, ou “Não perca tudo só porque perdeu uma parte”. O personagem principal é Rick (Christian Bale), um escritor/roteirista de Hollywood que atravessa uma crise existencial. Estão ainda no elenco Natalie Portman, Cate Blanchett, Imogen Poots, Freida Pinto, Teresa Palmer, Isabel Lucas, Brian Dennehy e Antonio Bandeiras. Um ótimo elenco para tanta bobagem. O tal "Cavaleiro de Copas" refere-se a uma carta do Tarô. Se você ainda não assistiu a nenhum filme de Malick, assista a este por curiosidade e veja se eu não tenho razão. 

“HECTOR E A PROCURA DA FELICIDADE” (“Hector and the search for happiness”), 2014, Canadá/Alemanha, direção de Peter Chelsom. Comédia romântica com pitadas de aventura. O psiquiatra Hector (Simon Pegg), de tanto as lamúrias dos seus pacientes, também entra em crise existencial, no que acaba estremecendo sua relação com a namorada Clara (Rosamund Pike). Para tentar resolver seus problemas e também os de seus pacientes, Hector resolve sair pelo mundo para tentar descobrir como ser feliz, ou como encontrar a felicidade. Seu périplo inclui a China, com uma visita ao Nepal, e o interior da África. Neste último, aliás, ele passará por grandes perigos, como ser sequestrado e preso por rebeldes. A história é baseada no romance “Le Voyage D’Hector ou la Recherche de Bonheur”, de François Lelord. Até que o filme é agradável, leve e com uma mensagem bastante otimista sobre a felicidade. Além do simpático ator inglês Simon Pegg e da competente e charmosa Rosamund Pike, o elenco conta ainda com participações especiais de Christopher Plummer, Toni Collette, Jean Reno e do ator sueco Stellan Skarsgard. Um bom programa para uma sessão com pipoca.                  

 

Em 1987, John Boorman dirigiu “Esperança e Glória” (“Hope and Glory”), um belo filme (indicado ao Oscar em cinco categorias) que retrata o cotidiano de uma família inglesa durante a Segunda Grande Guerra sob a ótica do garoto Bill. Em 2014, o veterano cineasta inglês (“Amargo Pesadelo” e “Excalibur”) resolveu filmar uma sequência, que chegou até a nós com o nome de “RAINHA E PAÍS” (“Queen and Country”), trazendo de volta o personagem principal Bill (Callun Turner). A história deste segundo filme é ambientada em 1952 e Bill, aos 18 anos, está alistado no exército inglês em treinamento para a Guerra da Coreia. Desta vez, Boorman acrescentou um tom de sátira e comédia ao filme, principalmente nas cenas filmadas no quartel. Os amigos Bill e Percy (Caleb Landry Jones) aprontam o tempo inteiro e os oficiais são tratados de maneira caricatural. Em suas folgas, Bill conhece a bela e enigmática Ophelia (Tamsin Egerton), por quem se apaixona e que mais tarde descobrirá que é uma outra pessoa. O filme não é ruim, tem alguns bons momentos e pode ser visto como um agradável entretenimento, mas não oferece muitos motivos para uma recomendação entusiasmada. O título estranho, tanto o original quanto a tradução, está associado à coroação da Rainha Elizabeth II naquele ano, numa cerimônia que mobilizou toda a população da Inglaterra. 

“COPENHAGEN”, 2014, Canadá/Dinamarca/EUA, é um filme independente dirigido pelo jovem cineasta canadense Mark Raso. Trata-se de sua estreia em longas. Antes, era conhecido como competente diretor de curtas, um deles, “Under”, premiadíssimo em vários festivais. A “Copenhagen” do título é mesmo a capital da Dinamarca, cenário em que se desenrolará quase toda a história (o visual é de primeira). Copenhagen é a última etapa da viagem do jovem canadense William (o ator inglês Gethin Anthony) depois de passear, em companhia de um casal de amigos, por vários países da Europa. Seu objetivo é visitar o avô e conhecer a história de sua família – seu pai nasceu em Copenhagen. Depois de uma discussão com os amigos, William fica sozinho na capital dinamarquesa. Não por muito tempo, porém, pois logo conhece uma bela adolescente, Effy (Frederikke Dahl Hansen), que se oferece para servir de cicerone. É claro que vai pintar um clima entre os dois, apesar da grande diferença de idade. O filme até que é interessante, mas não entusiasma muito. Os diálogos são afetados, pretensiosos, e em alguns momentos chegam a cansar. Outro aspecto negativo é o próprio William, personagem dos mais desagradáveis, prepotente, se acha o centro do Universo, além de ser dado a grosserias.  De bom mesmo, os cenários de Copenhagen e a jovem e bela dinamarquesa. Pouco para garantir um bom programa. Prefira o chocolate. Com K, claro.       

“ENSINA-ME O AMOR” (“How to make love like an Englishman” nos EUA e Canadá; “Some Kind of Beautiful”, na Inglaterra), 2014, EUA/Inglaterra, direção de Tom Vaughan. Apesar do título novelesco e um tanto cafona dado aqui no Brasil, esta comédia romântica é muito agradável e divertida, com Pierce Brosnan e Salma Hayek em momentos inspiradíssimos – os dois já fizeram par romântico em “Ladrão de Diamantes” (2004). Richard Haig (Brosnan) é professor da literatura inglesa na famosa universidade de Cambridge e mulherengo crônico. Ele se envolve com a jovem estudante norte-americana Kate (Jessica Alba), uma de suas alunas. Logo aparece no cenário a irmã de Kate, Olivia (Hayek), recém-saída de um divórcio tumultuado. Como era de se esperar, Richard vai arrastar suas asas também para Olivia. A situação se complica ainda mais quando Kate fica grávida do professor. A relação entre os três acaba gerando situações de grande efeito cômico. A cena em que Olivia imita o orgasmo dos homens é hilariante, comprovando a aptidão da atriz mexicana para a comédia. Brosnan também está ótimo como o professor conquistador, charmoso e cínico. No papel de Gordon, pai de Richard, o ator Malcolm McDowell também arrasa na comédia. Enfim, um ótimo programa para uma sessão da tarde com pipoca. Diversão garantida! 

     

“TRUMBO – LISTA NEGRA” (“Trumbo”), 2015, EUA, aborda um período da vida de Dalton Trumbo, um dos mais competentes roteiristas que já passaram por Hollywood. Em 1947, acusado de pertencer ao Partido Comunista, Trumbo foi chamado a depor no Comitê de Atividades Antiamericanas e se recusou a colaborar, o que resultou em sua prisão por quase um ano. Muitos artistas, diretores e executivos dos grandes estúdios também foram convocados a depor, sendo que alguns, para manter o trabalho, acabaram entregando os próprios companheiros. Mesmo depois de libertado, Trumbo continuou  proibido de trabalhar e aparecer nos créditos. Para sobreviver, escrevia roteiros utilizando nomes de outros roteiristas e pseudônimos. Foi assim que ganhou dois Oscars de Melhor Roteiro: “A Princesa e o Plebeu” (1953), roteiro assinado por seu amigo Ian McLellan Hunter, e “Arenas Sangrentas” (1956), sob o pseudônimo de Robert Rich. Somente em 1959, depois de ter escrito o roteiro de “Êxodus”, é que Trumbo voltou a aparecer nos créditos. Em 1971, escreveu e dirigiu (primeira experiência como diretor) “Johnny vai à Guerra”, um dos filmes que mais me tocaram. “Trumbo” é um filmaço, desde a direção competente de Jay Roach, a recriação de época, o roteiro primoroso e o ótimo elenco, com destaque para Bryan Cranston, que interpreta Trumbo, indicado ao Oscar de Melhor Ator - perdeu, injustamente, para DiCaprio, o atual queridinho da Academia. Também atuam no filme Diane Lane, Helen Mirren, John Goodman e Elle Fanning. Obrigatório para quem gosta de cinema. Imperdível para todo mundo!               

 

Ambientado num cenário de escombros numa Berlim destruída do pós-guerra, o drama alemão “PHOENIX”, 2014, conta a história de Nelly Lenz (Nina Hoss), uma ex-cantora judia sobrevivente do campo de concentração de Auschwitz, de onde foi resgatada com o rosto totalmente desfigurado. Para reconstruí-lo, ela é levada para uma operação cirúrgica na Suíça. Sua amiga Lena Winter (Nina Kunzendorf), que trabalha numa agência recrutadora de judeus, pretende levá-la depois para a Palestina. Nelly, porém, tem outros planos. Quer voltar a Berlim para se defrontar com o ex-marido, Johnny (Ronald Zehrfeld), que ela acredita tê-la traído entregando-a para os nazistas. Nelly retorna a Berlim e vai atrás do paradeiro de Johnny. Acaba encontrando-o numa boate chamada “Phoenix” (o nome também é associado ao ressurgimento de Nelly, literalmente, das cinzas). Quando Nelly aparece, Johnny não a reconhece, mas tem a ideia de colocar em prática um plano para conseguir a herança da ex-mulher, cuja família é bastante abonada. O roteiro foi adaptado do romance “Le Retour des Cendres” (“O Retorno das Cinzas”), de Hubert Monteilhet, e a direção coube a Christian Petzold (“Bárbara”). A produção é simples, elenco mínimo, poucas locações. Ficou com cara de adaptação de uma peça de teatro ou um filme de segunda linha feito para TV. Se há algo a destacar, sem dúvida é o desempenho de Nina Hoss, talvez a melhor atriz alemã da atualidade.  

Quando assinou a direção do longa nacional “Dois Coelhos”, em 2012, o brasileiro (santista, por sinal)  Afonso Poyart atraiu a atenção do pessoal de Hollywood. Daí surgiu o convite para dirigir o suspense policial “PRESSÁGIOS DE UM CRIME” (“SOLACE”), com astros do porte de Anthony Hopkins, Colin Farrell, Jeffrey Dean Morgan e Abbie Cornish, entre outros. A história, escrita por Ted Griffin, é centrada na caça a um serial killer que está matando um monte de gente. Encarregados da investigação, os agentes do FBI Joe Merriwether (Dean Morgan) e Khaterine Cowles (Cornish) não conseguem pistas sobre o criminoso. Joe resolve pedir ajuda ao Dr. John Clancy (Hopkins), que em outras oportunidades ajudou a polícia a desvendar vários crimes utilizando seus poderes de vidente. Imagens fantasmagóricas, aparições repentinas, alucinações. Tudo muito fantasioso para o meu gosto. Não posso deixar de destacar, porém, o clima de tensão que acompanha o filme do começo ao fim, além das cenas de ação, muito bem feitas, tudo num ritmo bastante acelerado, uma marca do diretor. Uma boa estreia de Poyart, mais um brasileiro que desponta no cenário do cinema mundial.  

O drama grego “MISS VIOLENCE”, 2012, é um dos filmes mais perturbadores dos últimos anos. Não recomendo aos espectadores mais sensíveis. Escrito e dirigido por Alexandros Avranas, o filme acompanha o cotidiano de uma família constituída de avô e avó, filhas e netos. A história já começa de maneira trágica: durante a comemoração do seu aniversário de 11 anos, Aggelikie (Chloe Bolota) se mata pulando do apartamento. A partir daí, o espectador é levado a querer descobrir os motivos que levaram a menina ao suicídio. A polícia e assistência social também querem saber o que de fato aconteceu. Aos poucos, o filme vai relevando o que se passa de sórdido naquela família. Não faltam cenas de tortura psicológica, agressões verbais, tabefes familiares, incesto, estupro, situações que tornam o filme ainda mais desagradável e incômodo. A cada cena, o clima claustrofóbico e de tensão vai aumentando de forma constante, o que revela o bom trabalho do diretor Avranas. Apesar de todo o contexto desconfortável para o espectador, o filme é muito bom e o elenco melhor ainda, com destaque para o trabalho do ator Themis Panou, o avô e vilão da história. No Festival de Veneza 2013, quando foi exibido pela primeira vez, o filme recebeu os prêmios de Melhor Diretor (Avranas) e Melhor Ator (Panou). Recomendo, mas apenas para quem tem estômago forte.    

O drama “O BENFEITOR” (“The Benefactor”), EUA, 2015, direção de Andrew Renzi, traz Richard Gere como Franny, um ricaço presidente de uma fundação que administra um grande hospital. Cinco anos depois de provocar um acidente de trânsito que ocasionou na morte de um casal de amigos, Franny, além de um grave ferimento na perna, que o obriga a andar de bengala e tomar morfina, ainda carrega o trauma pela perda dos amigos. Ele se transformou num homem irascível, prepotente e manipulador. Pior: viciado em morfina. Ele se acha responsável pela vida da filha dos falecidos, Olivia (Dakota Fanning), que está prestes a se casar com Luke (Theo James). Franny tentará comandar a vida do jovem casal, interferindo nas suas decisões, o que acabará gerando conflitos e desavenças. O astro Gere está bastante envelhecido e já provou ser um bom ator, mas fez mais uma escolha infeliz, assim como aconteceu com seus dois filmes anteriores, os fracos “O Encontro” (“Time Out of Mind”), onde interpreta um morador de rua, e “O Exótico Hotel Marigold 2”. Em “O Benfeitor”, Gere tenta alcançar o tom dramático exigido para o papel, mas sua atuação ficou forçada demais. Claro que a legião de fãs do astro não deve perder o filme, relevando sua qualidade duvidosa.

“ONDULAÇÃO” (“Curling”), 2010, Canadá, é um drama centralizado no relacionamento de Jean-François (Emmanuel Bilodeau) com a filha de 12 anos, Julyvonne (Philomène Bilodeau, filha de Emmanuel na vida real). Eles vivem em Saint-Hilaire, cidade ao sul de Montreal, cujos cenários são de um frio gélido, em meio a muita neve. Emmanuel é um homem solitário, tímido, superprotetor com relação à filha, a ponto de não deixá-la ir para a escola. Sozinha, sem amigos, a adolescente tem como única distração caminhar pelas redondezas de sua casa, na frente da qual passa uma estrada. Até que um dia ela encontra alguns cadáveres num bosque. Será com eles que Julyvonne, finalmente, interagirá socialmente. Coisa de louco. Coisa do diretor canadense Denis Côté (do esquisito “Vic + Flo Viram um Urso”), que também escreveu o roteiro. Aliás, Côté destaca no filme várias cenas mostrando partidas de “Curling” (título original do filme), aquele esporte praticado numa pista de gelo e que consiste no deslizamento de uma pedra de granito, cujo trajeto é acompanhado por “varredores”, que tentam impulsionar ou deter a pedra. No geral, o filme é altamente depressivo e, por isso mesmo, passa longe de um entretenimento agradável.            

Se você tem a intenção de assistir ao drama húngaro “O CAVALO DE TURIM” (“A Torinói Ló”), 2011, arme-se primeiro de uma enorme – melhor, de uma descomunal – dose de paciência. Altamente depressivo e monótono, o filme, rodado em preto e branco, tem como ponto de partida, segundo a sinopse oficial, um fato que teria acontecido no dia 3 de janeiro de 1889, em Turim (Itália), quando o filósofo Friedrich Nietzsche evitou que um cavalo continuasse a ser chicoteado pelo dono. Nada disso aparece no filme. Ainda segundo a sinopse, a ideia do filme é justamente mostrar o que teria acontecido com o animal depois do seu encontro com Nietzsche. Venhamos e convenhamos, tudo muito esquisito. Na verdade, o filme se concentra no cotidiano de um velho fazendeiro pobre e sua filha. A rotina dos dois ocupa praticamente as duas horas e meia da produção. A filha levanta, veste um monte de roupas. Depois, veste o pai com um monte de roupas, vai até o poço buscar água, leva feno para o cavalo, cozinha duas batatas para o almoço etc. O diretor Béla Tarr repete todas essas atividades cotidianas em cada um dos seis dias em que o filme é dividido. Enquanto isso, fora da casa uma tempestade de vento não para nunca. Quase não há diálogos e as cenas são longas demais, deixando o filme ainda mais modorrento. Pai e filha esbanjam infelicidade e é impossível não se contaminar pelo clima depressivo. Apesar de tudo isso, foi o vencedor do Urso de Prata – Grande Prêmio do Festival de Berlim 2011 e ainda foi indicado para representar a Hungria na disputa do Oscar 2012 de Melhor Filme Estrangeiro. Assista e tire suas próprias conclusões.  

Cercado de enorme polêmica, chega até nós, finalmente, “CHATÔ, O REI DO BRASIL”, a tão aguardada cinebiografia de Assis Chateaubriand - fundador dos Diários Associados, Rádio e TV Tupi - baseada no livro de Fernando Morais. As filmagens começaram em 1995 e só foram concluídas em 2015. Nesse período, o diretor Guilherme Fontes foi julgado e acusado numa ação judicial de má utilização de verbas públicas, processo ainda em andamento na Justiça. As filmagens foram tão complicadas que várias cenas tiveram que ser refeitas anos depois. No filme, você poderá notar a atriz Leandra Leal novinha, ainda em início de carreira, e a aparição de atores que já morreram, como José Lewgoy e Walmor Chagas. Fontes realizou uma adaptação livre da obra de Fernando Morais. Como um músico de jazz, improvisou, fez quase uma versão onírica, com visual tropicalista. Exagerou na dose. O roteiro é um tanto confuso, com idas e vindas em flashbacks, além de muitas cenas contendo alucinações do personagem principal, confundindo o espectador com relação à compreensão do que é real ou imaginário. O elenco é ótimo, assim como a recriação de época, os cenários, a fotografia. Mas o resultado final não foi aquele que se esperava depois de tanta polêmica. O livro retrata melhor quem foi realmente Assis Chateaubriand. Ou seja, o livro é bem melhor...  

No começo de 2005, a jovem holandesa Sophie Van Der Stap descobriu que tinha um tumor na pleura, inoperável e agressivo. A partir daí, ao invés de entrar em depressão ou se entregar, ela resolveu enfrentar a doença começando por escrever um diário. Essas memórias, inicialmente divulgadas através de um blog, se transformaram num livro de grande sucesso e foram adaptadas para o cinema em 2013, resultando no drama “A GAROTA DAS NOVE PERUCAS” (“Hente Bin ich Blond”), Alemanha/Bélgica, direção de Marc Rothemund (“Uma Mulher contra Hitler”). A história mostra a trajetória de Sophie (Lisa Tomaschewsky) desde ochoque da descoberta da doença, o desespero da família e as diversas fases do tratamento, incluindo as sessões de quimioterapia e radioterapia. Tudo de forma quase didática. Também como forma de amenizar o seu sofrimento, Sophie compra nove perucas (daí o título), cada uma diferente da outra. Ela chega a dar nome às perucas (Daisy, Platina, Stela, Blondie etc.) e quando as usa assume uma personalidade diferente. E, nesse contexto, impossível não destacar o excelente desempenho da atriz alemã Lisa Tomaschewsky, num primor de interpretação. Apesar do pano de fundo trágico, o roteiro abre espaço para o humor e o romance, além de momentos comoventes. Sem dúvida, um filme muito interessante que vale ser conferido. 

Representante oficial da Islândia na disputa de “Melhor Filme Estrangeiro” no Oscar 2016, “A OVELHA NEGRA” (“Hrútar”), direção de Grímur Hákonarson, reúne momentos de puro drama, outros de humor e ainda outros bastante comoventes. Ambientada numa região do interior da Islândia habitada por fazendeiros criadores de ovelhas (na Islândia, existem 800 mil ovelhas, enquanto a população não passa de 320 mil habitantes), a história é centrada em dois irmãos vizinhos que não se falam há 40 anos, Gummi (Sigurour Sigurjónsson) e Loddi (Theodór Júlíusson). Depois de perder o concurso anual de ovelhas justamente para o irmão Loddi, Gummi fica inconformado e vai, secretamente, avaliar a ovelha vencedora, quando desconfia que o animal está com “scrapie”, uma doença contagiosa. As autoridades de saúde da região confirmam a doença e exigem que todos os animais sejam sacrificados. Diante da trágica situação, Gummi ainda tentará manter o seu rebanho. Apesar do contexto dramático, há espaço para o humor, principalmente no que se refere às atitudes dos irmãos rabugentos, que só se comunicam por bilhetes, levados pelo cachorro de Gummi. A cena final é das mais tocantes e comoventes, de arrancar lágrimas. A simplicidade da história talvez seja o maior trunfo do filme, vencedor da Mostra “Um Certo Olhar” do Festival de Cannes e exibido por aqui durante a programação da 39ª edição do Festival Internacional de Cinema de São Paulo.

O drama histórico finlandês “LÁGRIMAS DE ABRIL” (“Käsky”), 2008, direção de Aku Louhimies, utiliza como pano de fundo a guerra civil de 1918 na Finlândia, que matou 37 mil civis e combatentes. O conflito colocou frente à frente os Vermelhos (social-democratas apoiados pela Rússia) e os Brancos (de direita, apoiados pelo Império Alemão). O filme conta a história de um episódio relatado no livro da escritora Leena Lander. Os Brancos prendem um pelotão constituído por 2.000 mulheres que lutavam pelos Vermelhos. Todas foram fuziladas e apenas uma sobreviveu, Miina Malin (a bela Pihla Viitala). Aaro Harjula (Samuel Vauramo), soldado dos Brancos, se sensibiliza com a situação da prisioneira e resolve assumir a responsabilidade de levá-la para julgamento na Corte Marcial. A história, a partir daí, destaca o relacionamento de Miina e Aaro durante a viagem, culminando com a fase de julgamento, a cargo do juiz Emil Allenberg (Eero Aho, em brilhante atuação). Exibido em duas ocasiões na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo (2009 e 2015), o filme finlandês é muito bom, alternando ação, suspense e romance, além de uma fotografia esplendorosa. Mais do que isso, relembra um fato histórico pouco conhecido por aqui.  

“DIPLOMACIA” (“Diplomatie”), 2015, co-produção França/Alemanha, com direção do alemão Volker Schlöndorff (“O Tambor”). Quando as forças aliadas estavam às portas de Paris, em agosto de 1944, Hitler deu ordem ao General Dietrich Von Cholitz de destruir a cidade, dinamitando o Louvre, as pontes do Rio Sena, a Torre Eiffel, a Igreja de Notre Dame e outros monumentos históricos. Aí entra em cena Raoul Nordling, Cônsul Geral da Suécia, para tentar convencer Cholitz a não obedecer à ordem do líder nazista. Esta é uma história de ficção, criada pelo dramaturgo e roteirista Cyril Geily para ser encenada como uma peça de teatro, o que de fato ocorreu em 2011, com a mesma dupla de atores do filme, Andre Dussollier (Nordling) e Niels Arestrup (Von Cholitz). Embora a ação se desenvolva praticamente dentro de uma sala de hotel (Meurice), com os protagonistas dialogando o tempo inteiro, o filme em nenhum momento fica monótono ou cansativo. Os argumentos utilizados pelo cônsul sueco para convencer o oficial alemão representam uma verdadeira declaração de amor a Paris. Por seu lado, Cholitz defende sua posição de subserviente, pois um soldado deve sempre obedecer às ordens dos seus superiores. Os diálogos são muito interessantes, de muita erudição. Mas o destaque mesmo é o desempenho da dupla de atores, Dussollier (dos filmes de Alain Resnais) e Arestrup ("O Profeta"), dois monstros sagrados da arte cênica francesa. O filme ganhou o César (Oscar francês) de Melhor Roteiro Adaptado. Imperdível!               

“O MAJOR” (“MAЙOP”), 2013, Rússia, escrito e dirigido por Yuri Bykov, é um thriller policial forte e tenso, cuja história revela a podridão moral e ética de policiais que querem ver longe a justiça quando a mesma pode atingir um de seus colegas. O chamado corporativismo que a gente conhece muito bem. O major Sergey Sobolev (Denis Shevod) sai em alta velocidade pela estrada depois que o avisam que a esposa entrara em trabalho de parto e estava num hospital. No meio do caminho, ele atropela e mata um garoto, sendo que a única testemunha é a mãe da vítima, Irina Gutorova (Irina Nizina). O atropelador liga para um colega, o policial Pasha (papel do diretor Bykov), e pede ajuda, pois teme ser acusado e preso. A partir daí, os policiais criam estratégias para livrar Sobolev de um processo, o que inclui apagar qualquer vestígio de culpa. O pai e a mãe do garoto querem que a justiça seja feita e, por isso, sofrerão as consequências. O filme é ambientado em qualquer cidade do interior da Rússia, num cenário desolador e gélido de inverno, o que amplifica ainda mais o clima pesado que predomina do começo ao fim. O filme é interessante por ser russo, mas a história não difere de tantas outras que já vimos em outras línguas.            

“PAIS E FILHAS” (“Fathers & Daughters”), EUA, 2015, direção do italiano Gabrielle Muccino (“À Procura da Felicidade” e “Sete Vidas”). O elenco é ótimo: Russell Crowe, Amanda Seyfried, Diane Kruger, Aaron Paul, Jane Fonda, Octavia Spencer e Bruce Greenwood. Mas o filme... Trata-se de um drama, praticamente dividido em duas partes. Na primeira, o escritor e vencedor do Prêmio Pulitzer Jake Davis (Crowe) vive um momento difícil após a morte da esposa num acidente. Jake tenta criar a filha Katie (Killie Rogers) de 5 anos, da melhor maneira possível, ao mesmo tempo em que precisa de tempo para escrever mais um livro, pois o dinheiro anda curto. Para piorar, ele começa a sofrer de um tipo de doença neurológica que o faz ter ataques parecidos com quem sofre de epilepsia. A cunhada Elizabeth (Diane Kruger), irmã da falecida, e o cunhado William (Bruce Greenwood), um casal de ricaços, quer a guarda da menina. Essa é uma parte da história. O filme salta vinte anos e aí começa a segunda parte, que acompanha a trajetória de Katie adulta (Amanda Seyfried), seu trabalho como psicóloga de crianças problemáticas, seu vício em sexo e as lembranças do pai, naquela altura do campeonato debaixo de sete palmos. O grandalhão Russel Crowe não combina com o personagem do escritor. Diane Kruger está irreconhecível e as cenas que mostram o romance conturbado de Katie com Cameron (Aaron Paul) são constrangedoras, com diálogos que fariam vergonha a qualquer novelão mexicano... Muccino tentou fazer um filme para arrancar lágrimas, mas nem isso conseguiu.         

“TUDO VAI FICAR BEM” (“Every Thing Will be Fine”), 2014, co-produção Alemanha-Canadá e direção do alemão Wim Wenders (“Asas do Desejo”, “Paris, Texas”), é um drama pesado e depressivo. Tudo começa quando o escritor Tomas Eldan (James Franco), em crise existencial e conjugal, se isola nos cafundós gelados do Canadá para tentar recuperar a criatividade perdida. No meio desse processo, ele acidentalmente atropela e mata um garoto que brincava de trenó com o irmão. A tragédia abala não só a mãe do garoto, Kate (Charlotte Gainsbourg), assim como também o escritor, traumatizado e se sentindo culpado pelo atropelamento. A história se desenrola por mais 11 anos, período em que Eldan se separa da primeira esposa, Sara (Rachel McAdams), e já está com a segunda, Ann (Maria-Josée Croze). Acontece que depois do acidente fatal, Eldan volta a ser criativo e consegue emplacar vários livros de sucesso, recebendo prêmios e elogios dos críticos literários. Ficou rico. Quando tudo parece ir às mil maravilhas, surge no cenário um rapaz de 16 anos chamado Christopher, que nada mais é do que o irmão do menino atropelado por Eldan há 11 anos. O garoto é fã incondicional de Eldan, do qual já leu todos os livros. O escritor terá de se confrontar com Christopher e com o trauma que parecia ter esquecido. Um certo suspense predomina na parte final do filme, cujo desfecho só pode ser explicado por algum psicólogo. O filme teve a sua exibição de estreia, fora de competição, no Festival de Berlim/2015. Confesso que nunca fui muito fã de Wenders, e se depender deste último filme, continuarei não sendo.   

O gênero policial nunca teve grande destaque na vasta filmografia do veterano diretor francês Claude Lelouch (“Um Homem, Uma Mulher”, “Retratos da Vida”, “Os Miseráveis”). Em 2007, porém, Lelouch escreveu e dirigiu um ótimo filme policial: “CRIMES DE AUTOR” (“Roman de Gare”). A trama é inteligente, bem elaborada, com doses de suspense e humor na medida certa, com direito a uma reviravolta bastante surpreendente no final. O enredo reúne uma escritora de sucesso, Judith Ralitzer (Fanny Ardant), um repórter “ghost-writer”, Pierre Laclos (Dominique Pinon), e uma cabeleireira estressada e neurótica, Huguette (Audrey Dana), abandonada pelo noivo num posto de estrada. Lelouche teve o mérito de desenvolver a história até o seu desfecho com poucos personagens e criando situações que se desenrolam num clima que garante o suspense até o final. Outro mérito de Lelouch diz respeito ao elenco, encabeçado pela diva Fanny Ardant, ainda no auge da beleza. O desempenho hilariante da atriz Audrey Dana (hoje também diretora) é outro destaque, assim como a atuação de Dominique Pinon, ator-fetiche daqueles filmes esquisitos do diretor Jean-Pierre Jeunet. Quando estreou no Festival de Cannes, o filme não foi muito bem recebido pela Crítica. Mas eu recomendo, pois é criativo e muito interessante, além de ter a assinatura de um grande diretor.  

O drama independente “THE GIRL IN THE BOOK”, 2015, EUA, escrito e dirigido por Marya Cohn, conta a história de Alice (Emily VanCamp), uma assistente editorial que há muito tempo é aspirante a escritora. Aos 29 anos, não tem um par fixo. Quando sai à noite, sempre acaba com um cara diferente na cama. Até que um dia aparece na sua editora o escritor Milan Daneker (o ator sueco Michael Nyqvist, da série original “Millennium”). Ao rever Milan, Alice passa a relembrar alguns fatos do passado, quando era apenas uma adolescente (papel de Ana Mulvoy-Ten). Alice relembra, por exemplo, como seu pai (Michael Cristofer), um renomado e prepotente agente literário, não media consequências para conseguir representar um escritor, no caso, Milan, o que incluía praticamente “oferecer” a filha ao escritor. Aliás, a atriz inglesa Ana Mulvoy-Ten, como a “Lolita” do filme, certamente faria inveja à original de Nabokov. Uma graça (embora na vida real tenha 23 anos de idade). O filme até que se desenvolve bem, mesmo alternando muitos flashbacks, e seu principal mérito é revelar a sujeira que rola nos bastidores do mundo editorial de livros.