“OS ANARQUISTAS” (“Les Anarchistes”), França, 2015, roteiro e direção de Ellie Wajeman. Paris, 1899: o jovem sargento da polícia Jean Albertini (Tahar Rahim) é encarregado de se infiltrar num grupo de anarquistas. A promessa de uma futura promoção faz Jean aceitar a missão. Ele começa ingressando como trabalhador comum numa fábrica, fazendo amizade com aqueles já conhecidos como militantes da causa anarquista. Integra-se tão bem ao grupo que é convidado para morar junto com os militantes num amplo apartamento. Jean é obrigado a participar das ações do grupo, que compreendem manifestações de protesto nas ruas, reuniões em locais públicos e até roubos. Entre os anarquistas está Judith (Adéle Exarchopoulos), que logo se apaixona por Albertini. E vice-versa. Até o desfecho, o policial viverá o conflito de entregar a parceira amada. O ator Tahar Rahim, de origem argelina, mais uma vez apresenta uma atuação marcante, ao contrário de Exarchopoulos, cujo desempenho está longe do que se espera de uma atriz considerada uma grande revelação, principalmente depois que atuou no polêmico “Azul é a Cor mais Quente”. A atriz atua no piloto automático, fria e distante, sem qualquer emoção. De qualquer forma, o filme é muito bom, principalmente na recriação de época, através de cenários e figurinos. O filme foi exibido pela primeira vez na abertura da Semana da Crítica do Festival de Cannes 2015.

“1001 GRAMAS” (“1001 Grams”), 2014, Noruega, direção de Bent Hamer. Com a minha habitual modéstia cinematográfica, confesso que até a metade do filme tentei entender o que estava acontecendo. Na segunda metade, até o final, captei algum sentido na história, mas mesmo assim acabei meio perdido nas elucubrações de Hamer, que já havia escrito e dirigido outros filmes esquisitos, como “Caro Sr. Horten”. O enredo, por si só, já é árido. A cientista Marie (Anne Dahl Torp) trabalha no Instituto de Medidas da Noruega juntamente com seu pai Ernst (Stein Winge), este um renomado cientista. Marie vive um momento difícil pós-separação e está bastante deprimida. Às vésperas de uma conferência científica sobre pesos e medidas em Paris, da qual participaria levando o protótipo do “quilo padrão” da Noruega, Ernst fica doente. Marie, então, é encarregada da missão e embarca para Paris levando o tal protótipo para apresentar na convenção. Não sei se isso acontece de verdade, mas, venhamos e convenhamos, não é um tema de fácil assimilação para nós, mortais e leigos espectadores. A depressiva Marie aparece com cara de profunda tristeza em todas as cenas e só é capaz de um sorriso no desfecho, quando está transando com o amante parisiense e tenta calcular a medida do que está lhe causando tanta satisfação. Ah, pelo menos o título do filme é explicado, mas não vou contar para não estragar a surpresa.     

“EM NOME DA LEI”, nacional, 2015, roteiro e direção de Sérgio Rezende. A história: o juiz federal Vítor (Mateus Solano) chega à cidade (fictícia) de Fronteiras, na fronteira com o Paraguai, disposto a acabar com o contrabando e o tráfico de drogas. Seu alvo principal é o chefão Gomez (Chico Diaz), que manda e desmanda na cidade e na região. Para executar o seu trabalho, Vítor conta com a ajuda da promotora Alice (Paolla Oliveira) e do policial federal Elton (Eduardo Galvão). Só que o juiz federal não é muito dado a estratégias e não aceita conselhos, nem mesmo do policial federal e da promotora, que estão há mais tempo tentando acabar com Gomez. Muita água vai rolar e muita gente vai morrer antes do juiz concluir o seu trabalho. A história é inspirada no juiz federal Odilon de Oiveira, que atuou na cidade de Ponta Porã (Mato Grosso do Sul) e enfrentou sem medo o crime organizado que comandava o contrabando e o tráfico de drogas na fronteira com o Paraguai. O filme de Sérgio Rezende (“Zuzu Angel”, “Salve Geral”) tem muitos pontos fracos, o mais evidente deles é o romance forçado entre o juiz e a promotora. No elenco, o único que se salva é Chico Diaz na pele do chefão Gomez. De qualquer forma, o filme vale ser visto pelo menos para revitalizar nossas esperanças com relação à justiça em nosso País. Ainda poderemos contar com a luz no fim do túnel enquanto houver juízes como Odilon Oliveira e Sérgio Moro. 

“MENTE CRIMINOSA” (“CRIMINAL”), 2015, direção do israelense Ariel Vromen (“O Homem de Gelo”). Filme inglês de ação e suspense com um elenco de primeira, mas com um resultado final de segunda. Bill Bope (Ryan Reynolds), agente da CIA em Londres (o filme é todo ambientado na capital inglesa), é assassinado durante uma missão. Como seu cérebro guardava segredos importantes relativos a um terrorista internacional, Quaker Wells (Gary Oldman), diretor da CIA, convoca o neurocirurgião Franks (Tommy Lee Jones) para transferir as memórias do cérebro de Bope para Jericho (Kevin Costner), um presidiário violento e psicopata que aguardava sua vez no corredor da morte. De início, a operação não dá certo. E, pior, Jericho consegue fugir. Apesar de algumas boas cenas de ação, nada faz muito sentido, a começar pela escolha de um psicopata para receber as memórias do agente morto. Mais: Jericho começa a ter sentimentos com relação à viúva e à filha do agente falecido e à filha. A cena final, quando todos se encontram num aeroporto, inclusive o vilão, é ainda mais constrangedora. Resumo da ópera: nada funciona, nem o roteiro e muito menos o elenco – a atuação de Gary Oldman, por exemplo, fazendo o tipo histérico, beira o patético. Talvez a “Mente Criminosa” do título faça mais jus aos roteiristas do filme, Douglas S. Cook e David Weisberg. Abacaxi dos mais azedos...   

“FIQUE COMIGO” (“ASPHALTE”), 2015, França, escrito e dirigido por Samuel Benchetrit. O roteiro é baseado no livro escrito pelo próprio Benchetrit, “Les Chroniques de L’Asphalte”. Ambientado num prédio da periferia de Paris, o filme tem como pano de fundo a solidão, só que passa longe de um drama. O humor permeia toda a ação. No primeiro andar mora um tipo esquisito que um dia exagera nos exercícios numa bicicleta ergométrica e perde o movimento das pernas. Acaba numa cadeira de rodas. Só que ele havia se recusado a pagar o conserto do elevador e estava proibido de utilizá-lo. Em meio a esse problema, ele conhece uma enfermeira e se apaixona. Em outro andar do prédio mora uma ex-atriz de cinema agora esquecida que faz amizade com um jovem vizinho. Insegura pela proximidade de um teste, a atriz precisa de uma força psicológica e um ombro amigo, que encontra justamente no vizinho adolescente. Agora vem o momento surreal do filme: a cápsula de um foguete cai no prédio e despeja um astronauta norte-americano, que acaba acolhido no apartamento de uma simpática senhora de origem árabe. Um não fala a língua do outro, mas isso não será problema. Enquanto espera pelo resgate da NASA, o astronauta é mimado pela senhora e os dois acabam ficando amigos. O filme é ótimo, surpreendente pelas situações inusitadas e valorizado por um elenco de primeira: Isabelle Huppert, Michael Pitt, Valéria Bruni-Tedeschi, Gustave Kervern, Tassadit Mandi e Jules Benchetrit (filho do diretor). Programão!    

“UM HOMEM ENTRE GIGANTES” (“CONCUSSION”), 2015, EUA, segundo filme dirigido por Peter Landesman – o primeiro foi “JFK, A História não Contada”. O roteiro foi baseado em fatos reais. Em 2002, ao realizar a autópsia no cadáver de Mike Webster (David Morse), ex-astro do futebol norte-americano que se suicidara, o dr. Bennet Omalu (Will Smith), neuropatologista forense de um hospital de Pittsburg, descobre que o falecido sofria de ETC (Encefalopatia Traumática Crônica), causada pelos impactos na cabeça durante os anos em que jogou futebol profissional. Dr. Omalu pesquisou o assunto e resolveu tornar pública a sua descoberta, contrariando os interesses comerciais e econômicos da poderosa NFL (National Football League). Outros casos semelhantes ao de Mike Webster começam a surgir, dando razão ao dr. Omalu. Mas o show deve continuar. E continuou. A NFL está aí, viva e cada vez mais poderosa. Também estão no elenco Alec Baldwin, Gugu MBatha-Raw e Albert Brooks. O filme é muito bom e a história melhor ainda. Imagine o que o Dr. Omalu teve de enfrentar, ainda mais sendo negro e nigeriano. Só para ilustrar: 90% dos casos de ETC foram constatados em ex-atletas de futebol e boxe. Aqui no Brasil, os casos mais conhecidos são do jogador de futebol Bellini e do boxeador Maguila. 

“UMA CAMINHADA NA FLORESTA” (“A Walk in the Woods”), 2015, EUA, comédia, direção de Ken Kwapis. Depois de duas décadas morando na Inglaterra e viajando por vários países para fazer reportagens sobre roteiros turísticos, o jornalista Bill Bryson (Robertg Redford) retorna aos EUA para curtir uma merecida aposentadoria ao lado da esposa Catherine (Emma Thompson) e dos filhos. Só que um dia, após comparecer ao velório de antigo amigo, Bill chega à conclusão de que ainda não chegou a hora de se entregar à velhice. Ele quer um novo desafio. Resolve, então, partir para uma aventura: enfrentar uma caminhada de 3.500 km pela Trilha dos Apalaches (“Apalachian Trail”). Sua mulher, porém, o aconselha a encarar o desafio com uma companhia. Surge então um antigo colega de colégio, Katz (Nick Nolte), um beberrão gordo e completamente fora de forma. E lá vão eles pela floresta e montanhas afora. Claro que não seguirão à risca o manual do andarilho aventureiro, pois hospedam-se em motéis e pegam caronas na estrada. A história é baseada em fatos reais, relatados no livro “A Walk in the Woods: Rediscovering America on the Appalachian Trail”, de Bill Bryson (o personagem de Redford). O filme é muito divertido. Parece que Redford e Nolte estão realmente curtindo a aventura e se divertindo de verdade nas filmagens. Curioso é ver a grande Emma Thompson num papel tão pequeno. O time de veteranos do elenco é reforçado pela ótima Mary Steenburgen. O diretor Kwapis (“Ela não está tão a fim de Você” e “Licença para Casar”) prova mais uma vez que entende de comédia. Diversão garantida!                                             

“NISE – O CORAÇÃO DA LOUCURA”, 2015, segundo filme dirigido por Roberto Berliner (o primeiro foi “Júlio Sumiu”). A história é centrada no trabalho da médica psiquiatra Nise da Silveira, considerada a pioneira da terapia ocupacional no Brasil. O filme é ambientado em 1944, quando Nise (Glória Pires) ingressa no corpo médico do Centro Psiquiátrico Nacional D. Pedro II, no Engenho de Dentro (Rio de Janeiro). Ao descartar os tratamentos violentos da época, como a lobotomia e o eletrochoque, Nise entra em conflito com os outros médicos da clínica. Ela não permite que os doentes sejam chamados de pacientes. “Eles são nossos clientes. Nós é que temos de ser pacientes com eles”, diz ela numa cena. Isolada pelo corpo médico do hospital, ela decide criar o Setor de Terapia Ocupacional, onde monta um ateliê para os doentes esquizofrênicos, os quais, com o tempo, demonstram uma incrível habilidade com os pincéis. O trabalho de Nise ganhou repercussão no meio psiquiátrico nacional, que passou a respeitar e adotar os métodos de tratamento mais humanos implantados pela médica alagoana. Vale a pena assistir e conhecer o trabalho dessa mulher incrível, que venceu preconceitos lutando por seus ideais. À frente de um excelente elenco, Glória Pires mais uma vez comprova ser a melhor atriz brasileira da atualidade. Imperdível!   

“MARAVILHOSO BOCCACCIO” (“Maraviglioso Boccaccio”), 2015, Itália, roteiro e direção dos irmãos Paolo e Vittorio Taviani. Filme de época, ambientado em 1348, quando a Europa era devastada pela peste negra. Dez jovens fogem de Florença (Itália) para não contrair a doença e se refugiam numa casa de campo. Para descontrair o ambiente, eles resolvem que cada um contará uma história por dia. No total, cinco novelas do clássico “Decamerão”, escrito por Giovanni Boccaccio, são acrescentadas ao filme. Algumas repletas de humor, como aquela que conta a história de um homem simples que acredita ficar invisível depois de encontrar uma pedra negra. Outras falam de amor, com final trágico ou feliz. Apesar do contexto de época e do estilo teatral da interpretação dos atores, o filme é leve e em nenhum momento monótono. As histórias são saborosas, os cenários campestres deslumbrantes e as atrizes do elenco lindas. Só para citar algumas: Jasmine Trinca, Paola Cortellesi, Vittoria Puccini e Carolina Crescentini. Os veteranos irmãos Taviani, de obras consideradas primas como “Pai Patrão” e “A Noite de São Lourenço”, além do recente “César Deve Morrer”, provam que continuam em plena forma. Vale a pena assistir, principalmente pelos contos encenados.     

 

“MARGUERITE”, 2015, França, direção de Xavier Giannoli. A história é ambientada nos anos 20 em Paris. A rica baronesa Marguerite Dumont é apaixonada por ópera e sempre quis ser uma cantora lírica. Nos saraus musicais beneficentes privados que realizava em seu palácio, ela recolhia donativos para a campanha “Órfãos da Guerra” (pós 1ª Guerra Mundial), servia o melhor champanhe e convidava cantores líricos para apresentações com orquestra. Ao final de cada concerto, Marguerite se apresentava cantando. Só que tinha um problema: era completamente desafinada. O pessoal aplaudia, por pena e hipocrisia. Mas eram eventos sociais importantes que a alta aristocracia parisiense fazia questão de prestigiar. Até que um dia Marguerite resolve se apresentar ao público num grande teatro e, para isso, contrata um professor de canto. Embora tenha seus momentos de humor, graças à “qualidade” vocal de Marguerite, o filme chega a ser triste e melancólico. Afinal, Marguerite, em sua inocência, acredita piamente que é uma ótima cantora lírica. Um dia ela terá que se confrontar com a verdade, o que não será nada fácil. A história de Marguerite é baseada na norte-americana Florence Foster Jenkins, milionária que nas primeiras décadas do século XX mobilizou a fina flor da sociedade de Nova Iorque com seus ganidos. Depois desta versão francesa, está sendo lançada a de Hollywood, “Florence – Quem é essa Mulher?”, com Meryl Streep, que pretendo assistir e depois comentar. O filme francês é ótimo, com uma estupenda recriação de época e cenários deslumbrantes, além de uma trilha sonora da melhor qualidade. Estão no elenco Catherine Frot (divina), André Marcon, Micheu Fau, Sylvain Dieuaid e Denis Mpunga.   

“TOM NA FAZENDA” (“Tom à La Ferme”), 2013, Canadá, direção de Xavier Dolan. Este foi o quarto filme escrito e dirigido pelo jovem diretor, roteirista e ator canadense. A história: após a morte do seu namorado, com quem vivia em Montreal, Tom (Dolan) entra em profunda depressão. Mesmo assim, resolve participar do funeral e visitar a mãe do falecido, Agathe (Lise Roy), e o irmão dele, Francis (Pierre-Yves Cardinal), que vivem numa fazenda. Como Agathe não sabe da opção sexual do filho, Tom esconde o romance, dizendo que era apenas amigo do morto. Para disfarçar ainda mais, Tom pede que uma amiga, Sarah (Evelyne Brochu), se apresente na fazenda dizendo ter sido namorada do jovem morto. Como em quase todos os filmes de Dolan, o clima é pesado, sufocante, com muita violência psicológica, agressões verbais e físicas. Enfim, um filme muito desagradável. Dolan sempre gostou de chocar a plateia. Quase todos os personagens que cria são emocionalmente desequilibrados, neuróticos e alguns até psicóticos, o que pode ser comprovado em “Mommy”, “Amores Imaginários” e “Eu Matei Minha Mãe”. Desde que surgiu como menino prodígio do cinema, ao dirigir “Eu Matei Minha Mãe”, em 2009, com apenas 20 anos de idade, Dolan manteve seu estilo e ganhou a simpatia dos críticos profissionais. "Tom à La Ferme" foi o vencedor do Prêmio da Crítica do Festival de Veneza 2013.  Se você prefere filmes mais leves, um entretenimento para relaxar, esqueça Dolan.                                     

A eutanásia, ou suicídio assistido, já gerou inúmeros filmes bons, o melhor deles – minha opinião - o francês “Amor” (“Amour”), de Michael Haneke, Oscar 2013 de Melhor Filme Estrangeiro. Outro excelente filme explorando o assunto é o dinamarquês “CORAÇÃO MUDO” (“Stille Hjerte”), 2014, dirigido por Bille August (“Pelle, o Conquistador”, “A Casa dos Espíritos”, “Trem Noturno para Lisboa”). Esther (Guita Nørby) tem esclerose múltipla e seu estado piora a cada dia. Com a aprovação do marido, o médico Poul (Morten Grunwald), e das filhas Sanne (Danica Cursic) e Heidi (Paprika Steen), ela decide cometer suicídio assistido. Antes, porém, convida a família para um último final de semana. Uma despedida. Como era esperado, cria-se um clima de tristeza geral e a decisão de Esther passa a ser contestada, gerando conflitos, arrependimentos e dúvidas. O filme é muito bom, mas o maior destaque realmente é o ótimo elenco, principalmente as veteranas atrizes dinamarquesas Guita Nørby e Paprika Steen, além da sérvia Danica Cursic. Muita emoção e momentos comoventes num filme bastante cativante. Imperdível!    

“Este filme é dedicado às vítimas do Holocausto Soviético”. A frase, reproduzida nos créditos finais do drama estoniano “NA VENTANIA” (“RISTTUULES”), 2014, diz respeito aos milhares de cidadãos da Letônia, Estônia e Lituânia que morreram fuzilados ou nos campos de trabalhos forçados na Sibéria, para onde foram deportados pelo governo russo do ditador Stalin durante a Segunda Guerra Mundial. O filme é centrado em Erna (Laura Peterson), enviada a um campo de concentração na Sibéria juntamente com a filha Eliide (Mirt Preegel). O roteiro foi todo inspirado nas cartas escritas por Erna para o seu marido Heldur (Tarmo Song), enviado para outro campo de prisioneiros. Se a história já é trágica por si só, a concepção estética criada pelo jovem diretor estoniano Martti Helde, de 28 anos, aumentou a níveis estratosféricos o clima melancólico do filme. Não há diálogos, apenas uma narrativa em off de trechos das cartas escritas por Erna. O filme é todo em preto e branco. A maioria das cenas apresenta os personagens e figurantes imóveis. Esse recurso estético, segundo o diretor, foi escolhido depois que ele leu um trecho da carta de um preso na Sibéria onde ele dizia que “Aqui na Sibéria, parece que o tempo parou”. Para chegar até o final é preciso que o espectador se arme de uma dose monumental de paciência, pois vai encarar um filme extremamente monótono, quase entediante, embora muito comovente. Por esse trabalho de estreia, o diretor Helde conquistou o Prêmio de Melhor Diretor Estreante no Festival Internacional de Cinema de Pequim 2015.   

“AMOR E REVOLUÇÃO” (“Colonia”), 2015, Alemanha, direção de Florian Gallenberger ("Sombras do Passado"), é mais um drama histórico inspirado em fatos reais ocorridos logo após a instalação da ditadura militar no Chile. Mais um capítulo obscuro – e desconhecido, pelo menos para mim – do infame regime comandado por Augusto Pinochet. Às vésperas do golpe militar, militantes esquerdistas do mundo inteiro estão no Chile para defender o governo de Salvador Allende. Um deles é o fotógrafo e artista plástico alemão Daniel (Daniel Brühl), que em Santiago reencontra sua namorada alemã, a aeromoça Lena (Emma Watson). Depois de uma noite de amor, eles acordam logo após o golpe militar e saem às ruas. Disfarçadamente, ele fotografa a violência da repressão, só que é descoberto, preso e enviado para uma prisão militar secreta, no subsolo de uma fazenda intitulada Colonia Dignidad, cujos moradores são fanáticos seguidores de um pregador embusteiro e violento, Paul Schäfer (Michael Nyqvist). Aqui, Daniel é violentamente torturado e, fingindo desequilíbrio mental, acaba como um dos membros da seita. Lena descobre o seu paradeiro e também ingressa na seita. Lena e Daniel se reencontram e começam a planejar sua fuga. A partir daí, o filme entra num clima de tensão que vai até o final, quando tentam sair do Chile. A produção do filme é uma verdadeira salada mista: é uma coprodução Alemanha/Luxemburgo/França, é falado em inglês, o diretor é alemão, assim como Brühl e parte do elenco, Emma Watson (dos filmes de Harry Potter) é francesa, mas criada na Inglaterra, e Nyqvist é sueco. O resultado final não ficou tão bom, embora valha a pena assistir pela história. Há outros filmes muito melhores sobre o período da ditadura chilena, como “No”, “Post Mortem”, "Machuca" e “Missing”.                              

É bom avisar logo de cara: “BLIND”, 2014, Noruega, não é um filme convencional, fácil de digerir. A história começa com as reflexões de Ingrid (Ellen Dorrit Petersen), narradas em off. Ela perdeu a visão recentemente, deixou de sair de casa e passa o tempo pensando no que teve a oportunidade de ver, relembrando visões e tentando descobrir as cores de um edifício, de um shopping, a raça de um cachorro etc. Enquanto passa o tempo todo sozinha no apartamento, Ingrid tem a sensação de que seu marido Morten (Henrik Rafaelsen) está sempre a observando, o que parece ser o prenúncio de alguma cena de suspense, o que não acontece. Ao mesmo tempo, a história coloca em cena personagens aleatórios como Einar (Marius Kolkenstvedt), um tarado viciado em sites pornô, e Elin (Vera Vitali), outra mulher que acaba ficando cega como Ingrid, mas com um comportamento bem mais neurótico. Estes dois últimos personagens parecem ter sido criados pela mente de Ingrid, que estaria escrevendo um romance. Ou não? Muitas das cenas parecem não fazer sentido, exigindo um esforço quase mediúnico do espectador para adivinhar o que está acontecendo. Elin, por exemplo, aparece com um filho, que depois vira uma filha. Elin aparece também em várias cenas com Morten, marido de Ingrid. Um filme difícil de entender. Trata-se da estreia do norueguês Eskil Vogt como diretor. Ele é mais conhecido como roteirista de filmes como “Oslo, 31 de Agosto” e “Mais Forte que Bombas”. De qualquer forma, “Blind” conquistou os prêmios de Melhor Filme Europeu no Festival de Berlim/2014 e o de Melhor Roteiro no Festival de Sundance (EUA), no mesmo ano.   

“MORTE EM BUENOS AIRES” (“Muerte en Buenos Aires”), Argentina, 2014, marca a estreia na direção de Natalia Meta, que também escreveu o roteiro, e também a estreia de Chino Darín (filho do astro Ricardo) como protagonista. Trata-se de um filme policial ambientado nos anos 80 cuja história é centrada nas investigações de um homicídio de um homem da alta sociedade portenha. Quem cuida do caso é o inspetor Chavez (o ator mexicano Demian Bichir), que nomeia como seu assistente direto o agente Gómez “El Ganso” (Chino Darín). Logo no começo das investigações, descobre-se que a vítima gostava de rapazes e logo aparece um suspeito, o afetado, prepotente e trambiqueiro Kevin González (Carlos Casella). É nele que o inspetor Chavez mira sua lupa, utilizando “El Ganso” como isca. O filme termina sem uma conclusão fácil para o espectador, que é obrigado a adivinhar quem, afinal, é o verdadeiro assassino. Achei exagerada e um tanto forçada a insinuação de que o inspetor Chavez, pai de família e um rígido policial, é chegado num lance homossexual. Ficou fora do contexto, assim como a correria dos cavalos pelas ruas de Buenos Aires. Se o filme não é tão bom, pelo menos tem a presença de dois bons atores, o mexicano Bichir, que atuou no último filme de Tarantino, “Os Oito Odiados”, e chegou a ser indicado para o Oscar de Melhor Ator pelo filme "Uma Vida Melhor", e Chino Darín, que tem talento – talvez nem tanto quanto o pai – e que se entrega de corpo e alma – principalmente corpo – ao papel do agente Gómez. Um filme apenas interessante, bem longe dos melhores argentinos.  

“MEMÓRIAS SECRETAS” (“Remember”), Canadá, 2015, direção de Atom Egoyan (dos ótimos “O Doce Amanhã”, “À Procura”, “O Preço da Traição”). O diretor egípcio, naturalizado canadense, acerta mais uma vez num drama repleto de suspense, com uma surpreendente reviravolta no desfecho e um desempenho magistral do veterano ator Christopher Plummer. Companheiros de sofrimento no campo de concentração de Auschwitz, durante a Segunda Guerra Mundial, Zev (Plummer) e Max (Martin Landau), ambos agora à beira dos 90 anos, se reencontram numa casa de repouso para idosos nos EUA. Max planeja uma vingança contra o nazista Rudy Kurlander, responsável pelo assassinato da sua família e a de Zev em Auschwitz, e que estaria morando nos EUA provavelmente com outro nome. Max, preso a uma cadeira de rodas e respirando por aparelhos, pede a Zev que encontre e mate Kurlander. Só que tem um problema: Zev está apresentando sintomas de demência. O filme vira um road movie, acompanhando a aventura de Zev por várias cidades dos EUA. O clima é de suspense e tensão, culminando com um desfecho inesperado, a cereja do bolo de um ótimo filme. Além de Plummer e Landau, estão no elenco Jürgen Prochnow e Bruno Ganz. Filmaço!

 

“XXY” é um drama argentino de 2007 que trata de um tema pouco explorado pelo cinema: o hermafroditismo. Escrito e dirigido por Lucía Puenzo (do ótimo “O Médico Alemão”), o filme conta a história de Alex (Ines Efron), uma garota de 15 anos hermafrodita. Seus pais, Kraken (Ricardo Darín) e Suli (Valeria Bertuccelli), sempre se recusaram submetê-la a uma cirurgia para resolver o problema. Cansados dos constrangimentos habituais, resolvem mudar-se para um vilarejo litorâneo no Uruguai, onde o biólogo marinho Kraken consegue um emprego. Tudo transcorre normalmente até a chegada de um casal amigo trazendo o filho Álvaro (Martin Piroyansky), de 16 anos, que na hora faz amizade com Alex. Uma amizade, aliás, que trará consequências para determinar o rumo dos acontecimentos. Segundo alguns entendidos que assistiram “XXY”, o problema de Alex não chega a ser o hermafroditismo e sim a Síndrome de XXY, também conhecida como Klinefelter. Como não conheço o assunto, para mim Alex é mesmo uma hermafrodita. O filme é muito bom, tanto que foi o vencedor do Prêmio da Semana da Crítica no Festival de Cannes 2007, além de ter sido premiado em vários festivais importantes, entre eles o Goya (Oscar espanhol).       

 

“AMOR AO PRIMEIRO FILHO” (“ANGE & Gabrielle”), 2015, é uma comédia romântica francesa ainda não exibida por aqui nos cinemas. Foi lançada diretamente em DVD. Pena, pois o filme é bastante divertido e simpático, além de ambientado nos cenários deslumbrantes de Paris. O casal de protagonistas é formado pelo feio/charmoso Patrick Bruel e pela bonita Isabelle Carré, atores franceses muito competentes. Trata-se do primeiro filme escrito e dirigido por Anne Giafferi. Uma ótima estreia. A história: o arquiteto Ange Pagani (Bruel) é surpreendido em seu escritório com a visita de Gabrielle (Carré), até então, para ele, uma ilustre desconhecida. Ela diz que sua filha Claire (Alice de Lencquesaing) ficou grávida e acusa o filho de Pagani, Simon (Thomas Soliveres), de tê-la engravidado. Pagani fica uma fera, pois afirma que nunca soube que tinha um filho. O primeiro encontro entre Pagani e Gabrielle termina em desavença, tapas e ofensas, mas o espectador logo percebe que os dois vão acabar se apaixonando. Nem mesmo esse fato tão previsível prejudica o transcorrer da história, repleta de cenas divertidas (Pagani é hipocondríaco crônico e suas consultas com o médico são hilariantes). Para um gênero repleto de bobagens cinematográficas, esta comédia romântica é uma das poucas raridades que merecem ser vistas. 

“BLACKWAY”, 2015, EUA, direção do sueco Daniel Alfredson (“A Menina que brincava com Fogo” e “Jogada de Mestre”). É um filme de ação e suspense baseado no romance “Go With Me”, escrito por Castle Freeman Jr. Aliás, foi com esse nome que o filme foi exibido no Festival de Veneza 2015, mas, quando lançado comercialmente, recebeu o título "Blackway". O vilão da história é Blackway (Ray Liotta), um ex-policial psicopata que um dia resolve assediar de forma violenta a jovem Lillian (Julia Stiles), atendente de um bar. Ela procura o xerife da cidade e denuncia Blackway. Com medo, o homem da lei a aconselha a deixar a cidade. Revoltada com a situação, ela procura ajuda junto aos trabalhadores de uma madeireira e consegue o apoio de Lester (Anthony Hopkins) e Nate (Alexander Ludwig). Lester também tem uma razão especial para se vingar de Blackway. Os três partem então para uma floresta onde Blackway tem seu reduto. O desfecho é mais do que previsível. Algumas cenas, de tão ruins, acabam sendo constrangedoras, como a briga no bar logo no início. Os Trapalhões faziam brigas bem melhores. O filme, no geral, é muito fraco e não entendo por que um ator da grandeza de Anthony Hopkins se propôs a participar. Quem sabe pela amizade com o diretor, que já o dirigiu em “Jogada de Mestre”. Portanto, fica a dica: se o filme chegar por aqui, prefira levar a família para comer uma pizza...

 

“A TERRA E A SOMBRA” (“La Tierra y La Sombra”), 2015, Colômbia, marca a estreia na direção de longas de César Acevedo. Uma bela estreia, aliás, pois o filme é muito bom. Toda a história é ambientada numa região de plantações de cana-de-açúcar. O filme começa com a volta de Alfonso (Haimer Leal), depois de 17 anos, à sua antiga casa, onde vivem seu filho, a nora, o neto e sua antiga esposa. Seu filho Gerardo (Edison Raigosa) está gravemente doente, o que obrigou sua esposa Esperanza (Marleyda Soto) e sua mãe Alícia (Hilda Ruiz) a trabalhar como cortadoras de cana para suprir as despesas da casa. O filme é impactante ao mostrar a realidade nada fácil dos cortadores de cana, que trabalham muito e em condições insalubres, ganham mal e vivem abaixo da linha da miséria. Gerardo, por exemplo, que trabalhava como cortador de cana, acabou tendo sérios problemas respiratórios que o paralisaram na cama. Diante de tantas dificuldades, a família de Alfonso permanece unida e com força para seguir adiante. Todos os atores são amadores e suas faces sofridas fornecem maior credibilidade aos personagens. O filme conquistou o Prêmio “Caméra D’Or” (melhor filme de diretor estreante) e o Grande Prêmio da Mostra Semana da Crítica do Festival de Cannes 2016. Por aqui, foi exibido na 39ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, em outubro de 2015. Um belo filme a ser conferido. 

Representante da Áustria na disputa do Oscar 2016 de Melhor Filme Estrangeiro, “BOA NOITE, MAMÃE” (“Ich Seh, Ich Seh”) é um terror psicológico dos melhores. Não economiza nos sustos, nas torturas sádicas e no clima de tensão que percorre toda a duração do filme (1h40). Toda a ação é ambientada numa bela casa à beira de um lago. Os irmãos gêmeos Lukas (Lukas Schwarz) e Elias (Elias Schwarz), de 9 anos, recebem a mãe de volta do hospital, onde passou por uma cirurgia de reconstrução facial depois de um acidente. Dia após dia, Lukas e Elias reparam que as atitudes e o comportamento da mãe mudaram e passam a desconfiar que a mulher não passa de uma farsante. O desenrolar dos acontecimentos também leva o espectador a duvidar da real identidade da mulher, mas, ao mesmo tempo, faz acreditar que ela pode ser a verdadeira mãe. Os gêmeos, porém, não têm dúvida: a mulher não é sua mãe verdadeira. Criar a expectativa sobre o que vai acontecer no final é o grande mérito do roteiro, escrito pela dupla Veronica Franz e Severin Fiala – eles também dirigiram. Aliás, sou obrigado a confessar: terminou o filme e eu não soube definir o que aconteceu. Assista e tire suas próprias conclusões.