“CONEXÃO ESCOBAR” (“The Infiltrator”), 2016, EUA, direção de Brad Furman (“O Poder e a Lei”). Durante cinco anos, na década de 80, o agente federal norte-americano Robert Mazur trabalhou infiltrado no cartel do traficante colombiano Pablo Escobar. Ele era o responsável pela lavagem do dinheiro obtido com a venda de drogas nos EUA. Mazur contou toda a história no livro “The Infiltrator”, agora adaptado para o cinema por intermédio do roteiro escrito por Ellen Brown Furman. Mazur, aqui interpretado pelo ator Bryan Cranston (indicado ao Oscar/2016 de Melhor Ator por “Trumbo”, que perdeu injustamente para Leonardo DiCaprio), infiltrou-se no cartel com o pseudônimo de Robert Musella, trabalhando com a ajuda dos agentes Emir Abreu (John Leguizamo) e Kathy Ertz (Diane Kruger). Esse trabalho levou à prisão não apenas vários chefões do tráfico, como também executivos do Bank of Credit and Commerce International, instituição que lavava o dinheiro para o cartel. Mazur trabalha no limite do estresse, a cada momento vivendo o perigo de ver sua verdadeira identidade de policial sendo revelada para os traficantes. Esses momentos de tensão são explorados com bastante competência pelo diretor Furman.   

 

              

 

“CAVALOS DOMADOS” (“Broken Horses”), 2015, EUA, é o primeiro filme em inglês escrito e dirigido pelo indiano Vidhu Vinod Chopra. Ambientada numa cidade próxima da fronteira com o México, a história começa com o assassinato do policial Gabriel Heckum (Thomas Jane). Seus dois filhos adolescentes crescem e se separam mais tarde, seguindo rumos totalmente diferentes. Buddy (Chris Marquette), o mais velho, faz parte da quadrilha do poderoso e sanguinário Julius Hench (Vincent D’Onofrio), chefão envolvido com o tráfico de drogas. Jake (Anton Yelchin, ator falecido em junho de 2016), o irmãos mais novo, mora em Nova Iorque e segue promissora carreira como violinista clássico. Ao retornar à cidade natal, depois de 8 anos, para anunciar seu casamento com Vittoria (a atriz espanhola María Valverde) e convidar Buddy para padrinho, Jake fica surpreso com a riqueza ostentada pelo irmão. Ao tentar descobrir como Buddy ganhou tanto dinheiro, Jake acaba envolvido numa série de acontecimentos que o farão se arrepender de ter feito a viagem. O drama até que vale para uma sessão da tarde, mas está longe de ser um filme que mereça uma indicação entusiasmada.   

 

Depois de escrever e dirigir o elogiado “Drive”, de 2011, o diretor dinamarquês Nicolas Winding Refn achou que poderia ousar ainda mais. Escreveu e dirigiu também “DEMÔNIO DE NEON” (“The Neon Demon”), EUA, 2015, cuja estreia aconteceu no Festival de Cannes 2016, causando grande polêmica – recebeu vaias da plateia. E polêmica é mesmo com Nicolas: durante suas aparições públicas no festival francês, ele apareceu vestido com paletó, camisa social, bermuda e chinelo de dedo. Ou seja, queria chocar e aparecer. Em “Demônio de Neon”, ele conta a história de Jesse (Elle Fanning), uma jovem que chega a Los Angeles para tentar a carreira de modelo profissional. Ela é contratada por uma grande agência e logo vira a queridinha de fotógrafos e estilistas. Seu sucesso gera ciúmes nas modelos mais antigas, como Sarah (Abbey Lee) e Gigi (Bella Heathcote). O filme adota o suspense como gênero, utilizando muitas cenas mórbidas e chocantes, incluindo canibalismo, necrofilia e outras aberrações. O filme tem o ritmo lento, diálogos arrastados, muitos sem nexo, e um visual cuja fotografia destaca as cenas como se iluminadas por lâmpadas de neon de diversas cores. O diretor também utiliza bastante o recurso da câmera em slow motion, o que torna o filme ainda mais enfadonho. Para coroar essa verdadeira bobagem cinematográfica, ainda tem uma ponta do hoje canastrão Keanu Reeves como proprietário de um motel sinistro. 

“O MASSACRE EM GUERNICA” (“GERNIKA”), Espanha, 2015, direção de Koldo Serra. O pano de fundo é a Guerra Civil Espanhola (1936-1939). A história é toda ambientada em 1937 durante os dias que antecederam o ataque da aviação alemã à cidade de Guernica, talvez o episódio mais marcante e dramático do conflito. A ação acontece em Bilbao, onde um grupo de jornalistas estrangeiros faz a cobertura da guerra. Eles frequentam e transmitem as notícias de uma central de comunicação do governo municipal comandada pelo dirigente russo comunista Vasyl (Jack Davenport), cujo trabalho é censurar o material enviado pelos jornalistas, um dos quais é o norte-americano Henry (James D’Arcy), do The New York Times. Seu personagem foi inspirado no jornalista inglês George Steer, que denunciou o ataque dos alemães em matérias publicadas no The Times, no The New York Times e no jornal francês L’Humanité. O relato do jornalista sensibilizou Pablo Picasso, que logo depois pintaria um painel que ficaria famoso no mundo inteiro. Ao mesmo tempo em que destaca o trabalho dos jornalistas, o filme também mostra os bastidores do planejamento alemão para o ataque aéreo. Dá a entender, por exemplo, que o ataque não passou apenas de um treinamento prático para os pilotos alemães. Sob o ponto de vista histórico, o filme é bastante elucidativo, com informações muito interessantes sobre o conflito que matou milhares de pessoas. Achei forçado demais o romance – se é que existiu – entre o jornalista Henry e Teresa (Maria Valverde), principal assistente de Vasyl no centro de comunicações. Só para esclarecer: o título original foi escrito em dialeto basco – o diretor Koldo Serra é basco.                       

 

 

 

 

 

 

 

Uma cabeça apenas não pensaria numa história tão fantasiosa. Foram precisos duas: Daniel Kwan e Daniel Scheinert. Mais conhecidos como diretores de curtas e vídeos musicais, os “Daniels” tiveram a ousadia de escrever e dirigir “SWISS ARMY MAN” (“Homem Canivete”, em tradução literal, ou “Homem do Exército Suíço”; vamos aguardar a tradução quando o filme chegar por aqui – se chegar), EUA, 2016. A história começa mostrando um homem (Paul Dano, de “Os Suspeitos”) tentando se enforcar no que parece uma ilha. Num primeiro momento, você é levado a acreditar que o sujeito é um náufrago. Prestes a realizar o ato final, ele percebe que há um cadáver (Daniel Radcliffe, de “Harry Potter”) recém-chegado à praia. Acredite se quiser: esse cadáver – na verdade, um morto-vivo – sofre de uma incomum e barulhenta flatulência. Ele será o novo amigo do náufrago. O cadáver é capaz de se transformar numa espécie de jet ski e sair para passear com o náufrago a bordo. A maluquice não termina por aqui. O morto-vivo ainda tem ereções e utiliza o pênis como bússula. Ah, eles ainda conversam sobre temas como a masturbação e o significado da vida. Quer mais? Assista, nem que seja por curiosidade. Enfim, um filme sem pé nem cabeça, tronco e membros. Quando estreou no Festival de Sundance (EUA), parte da plateia saiu no meio da projeção. É preciso dizer mais?              

 

 

“PROMESSA QUEBRADA” (“BROKEN VOWS”), 2015, EUA, direção de Bram Coppens e roteiro da dupla Sean Keller e Jim Agnew. Trata-se de um filme  independente, cuja história é a mesma de sempre, clichê dos clichês dos filmes de suspense. Mulher bonita, Tara (Jaimie Alexander), vai a uma balada com as amigas, se encanta com o bartender e, depois de umas e outras, acaba na cama com ele. Não dá para entender como ela não percebeu que o sujeito tem um olhar maligno, daqueles que denunciam um psicopata. Pois Patrick (Wes Bentley) é justamente um maluco perigoso, com uma ficha extensa na polícia por crimes de assédio e violência. Rejeitado no dia seguinte por Tara, ele passa a persegui-la, utilizando chantagem e muita pressão psicológica. O pior de tudo é que Tara está prestes a se casar com Michael (Cam Gigandet). A perseguição levada a efeito por Patrick vai até a lua-de-mel de Tara e Michael, durante a qual acontece o desfecho um tanto forçado. O roteiro tem alguns furos que prejudicam o enredo. O principal deles é o fato de Patrick estar livre, leve e solto, depois de tanto aprontar. Se fosse no Brasil, tudo bem... Eu apostava num final cheio de suspense, surpresas, sustos e muito sangue. Nada disso. Wes Bentley (“Interestelar”, “Jogos Vorazes” e “Lovelace”) até que se sai bem como o psicopata. Do elenco, é o único que se salva. O filme é fraco, mas dá pra ver sem compromisso.         

 

 

 

 

 

“DESAFIANDO A ARTE” (“The Family Fang”), 2015, EUA, segundo longa-metragem dirigido pelo ator Jason Bateman (o primeiro foi “Palavrões”, em 2013). O roteiro foi escrito por David Lindsay-Abaire, baseado no romance “The Family Fang”, de Kevin Wilson. A história é um tanto mirabolante e estapafúrdia. Desde crianças, Annie e Baxter eram obrigados pelos excêntricos pais Caleb e Camille a participar de performances públicas tipo pegadinhas para surpreender e chocar quem estivesse por perto. Por exemplo, o menino ameaça assaltar um banco com uma arma de verdade, aparece um policial (o pai) para tentar desarmá-lo, a arma dispara e atinge uma mulher (a mãe), que finge estar morta, a filha (Annie) ao lado desesperada. Todo mundo que está no banco grita de pavor ao assistir a cena, para depois constatar que tudo não passou de uma encenação. A família Fang fica famosa, é alvo de reportagens por todo país e tema de discussões acaloradas entre especialistas de comportamento. Seria uma forma de arte, como dizia Caleb? Agora adultos, Annie (Nicole Kidman), uma atriz em decadência, e Baxter (Bateman), um escritor mediano, têm mantido distância dos pais, querendo esquecer o que passaram na infância, ou seja, os “micos” que enfrentaram ao participar daquelas performances malucas. Até que um dia, por causa de um acidente sofrido por Baxter, os irmãos voltam a reencontrar os pais (Christopher Walken e Maryan Plunkett). A reaproximação trará grandes surpresas e revelações, incluindo um repentino sumiço dos pais. Teriam sido sequestrados e mortos ou se trata de uma nova pegadinha? O desfecho esclarece tudo. O filme não consegue engrenar em nenhum momento, mesmo com a presença de ótimos atores como Walken e uma quase irreconhecível Nicole Kidman, aqui de cabelos curtos e escuros, longe da atriz esplendorosa de outros filmes. Bateman tentou fazer um filme diferente, para um público restrito. Isso ele conseguiu. Recomendá-lo, portanto, é um tanto arriscado.        

 

 

“CHOCOLATE” (“Chocolat”), 2015, França, conta a história do palhaço “Chocolat”, que nos anos do final do Século XIX e começo do Século XX encantou os franceses fazendo dupla com “Footit”. Esquecida durante décadas, essa história foi descoberta e adaptada para o cinema pelo ator francês Roschdy Zem, também responsável pela direção. Um verdadeiro achado. É realmente fascinante a trajetória de Rafael Padilha (1868-1917), um ex-escravo nascido em Cuba que chegou à França para trabalhar num circo mambembe do interior, fazendo o papel de um canibal africano. Ele é interpretado magistralmente por Omar Sy (“Intocáveis”), que por si só vale o filme. O palhaço profissional George Footit, o “Footit” (o ator suíço James Thierrée, cuja semelhança com o avô Charles Chaplin é impressionante), propõe formar uma dupla: “Footit” e “Chocolat”. O sucesso chega rápido e eles acabam sendo contratados pelo empresário Oller (Olivier Gourmet) para trabalhar num grande circo sofisticado de Paris. Com o sucesso e o dinheiro entrando, Rafael Padilha começa a gastar descontroladamente, inclusive viciando-se em jogo, mulheres e em algumas substâncias ilícitas, o que o levará a um final dos mais tristes. Além do aspecto biográfico do primeiro negro a trabalhar num circo na França, o diretor Roschdy Zem faz uma clara homenagem aos palhaços de circo. Ao mesmo tempo, explora o racismo que predominava na época. Assim como em “Vênus Negra”, de 2010, onde uma escrava é exibida como se fosse um animal, assim acontece com Rafael Padilha. O filme é espetacular, emocionante e cativante, os dois protagonistas principais dão show (os números circenses são ótimos), assim como o restante do elenco, com destaque para Olivier Gourme, Alice de Lencquesaing e Clotilde Hesme, sem falar na primorosa recriação de época. IMPERDÍVEL!  

 

“BLOOD ORANGE”, 2016, Inglaterra, roteiro e direção de Toby Tobias. Filme de suspense ambientado numa luxuosa mansão em Ibiza (Espanha). Nela moram Bill (Iggy Pop), um ex-astro do rock em decadência e gravemente doente, e sua bela e jovem esposa Isabelle (Kacey Barnfield), que nas suas infinitas horas vagas costuma nadar nua na piscina, além de transar com um empregado da casa, David (Antonio Magro). Tudo caminha num ritmo enfadonho até aparecer Lucas (Ben Lamb, de “Divergente”), um antigo amante de Isabelle. Ele veio cobrar dela uma dívida relacionada com uma herança paterna. Até o desfecho, quando a história dá uma reviravolta com direito a um banho de sangue, o filme segue sem nenhuma novidade, arrastando-se num roteiro medíocre e com diálogos que beiram o ridículo. Para piorar, o elenco é péssimo, a começar pelo astro de rock Iggy Pop, que destaca-se apenas por sua figura grotesca e patética. A atriz inglesa Kacey Barnfield aparece nua várias vezes, mas quando abre a boca é um desastre. Antonio Magro, que faz o empregado, é o pior de todos. Ainda bem que não fala muito. Difícil saber o que é pior: o filme ou o elenco. Enfim, um dos piores filmes que assisti nos últimos anos. Não sei se será exibido por aqui no circuito comercial. Se for, passe longe.   

            

“NEGÓCIO DAS ARÁBIAS” (“A HOLOGRAM FOR THE KING”), 2016, coprodução Alemanha/EUA. Jamais imaginei que Tom Hanks pudesse participar de um filme tão ruim quanto “A Viagem”, de 2012. Os dois filmes levam a assinatura (de roteiro e direção) do diretor alemão Tom Tykwer, que ficou famoso com o surpreendente “Corra Lola, Corra”, de 1998, mas depois nunca mais acertou. Tykwer adaptou a história para o cinema do livro “A Hologram for the King”, de David Eggers. No recente abacaxi, Tom Hanks é o empresário Alan Clay, cuja empresa de TI está à beira da falência. Ele então parte para a Arábia Saudita, onde sua empresa já conta com três funcionários instalados, pasmem, numa tenda no deserto. A ideia é apresentar um software de hologramas ao rei da Arábia Saudita. Enquanto não é recebido pelo rei, que está sempre viajando, Alan preenche seu tempo indo a uma festa na embaixada da Dinamarca regada a muita bebida e drogas, ou embarcando numa viagem à vila de seu motorista, Yousef (Alexander Black), no meio do deserto (lá, é tudo no meio do deserto - as locações aconteceram no Marrocos, no Egito e na Arábia Saudita). O roteiro ainda reserva como atração adicional uma absurda cirurgia que Alan sofrerá para retirar um caroço das costas, o que o levará a conhecer a médica Zahra (Sarita Choudhury), por quem se apaixonará. Quer mais? Assista e veja se não tenho razão. Ao participar do filme, Tom Hanks talvez tenha feito um negócio das arábias, mas para nós, espectadores, restou o deserto.                

 

 

                                                      

                                  

O grande Jean Rochefort, meu ator francês preferido, volta às telas no drama “A VIAGEM DE MEU PAI” (“Floride”), 2015, França, roteiro e direção de Philippe Le Guay (do ótimo “As Mulheres do 6º Andar”). Ele interpreta Claude Lherminier, um idoso que começa a sofrer de demência. Ele mora sozinho numa enorme casa isolada e sempre está aos cuidados de uma governanta. Como Claude é um sujeito difícil, as cuidadoras não param no emprego, para desespero da filha Carole (Sandrine Kiberlain). Para piorar a situação, ele não para de falar da filha Alice, que há muitos anos mora em Miami (Flórida) e que ele insiste em visitar – daí o título do filme. Só que ele apagou da memória que Alice morreu tragicamente há 9 anos. Em seus delírios, Claude também volta à infância e revê episódios que viveu durante a Segunda Guerra Mundial, além de recordações de sua mãe. Baseada na peça de teatro “Le Père”, de Florian Zeller, a história explora as mazelas da velhice e o fato de ser um fardo para os filhos. O contexto dramático, porém, é amenizado por muitas pitadas de humor, o que torna o filme um entretenimento bastante agradável. E tem, claro, a presença de Rochefort, a quem passei a admirar e curtir desde “O Marido da Cabeleireira” (1990).             

 

 

“DEMOLIÇÃO” (“Demolition”), 2015, EUA, direção do canadense Jean-Marc Vallée (do ótimo “Clube de Compras Dallas”, que deu o Oscar de melhor ator a Matthew McConaughey). Depois de perder a jovem e bela esposa Julia (Heather Lind) num trágico acidente, Davis Mitchell (Jake Gyllenhaal), um bem sucedido executivo de um grande banco de investimentos, é acometido de um colapso emocional e fica doidinho. Começa a escrever cartas compulsivamente, passa a desmontar tudo o que vê pela frente – computadores, aparelhos domésticos etc. –, e depois ingressa na fase de demolição, o que justifica o título. A paranoia de Davis, que na fase de luto falava a quem quisesse ouvir que nunca amou a falecida, tem início quando ele, ainda no hospital onde a esposa acabara de morrer, não consegue tirar um M&M da máquina de doces instalada no corredor. Ele entra em contato com o serviço de atendimento ao cliente da empresa fabricante e acaba conhecendo a atendente Karen Moreno (Naomi Watts), que também tem um parafuso a menos e é mãe de um adolescente problemático (Judah Lewis). Phil (o sempre ótimo Chris Cooper), o chefe de Davis no banco e seu sogro, não sabe mais o que fazer e se desespera ao ver o estado mental do genro. Quando estreou no Festival de Toronto, em setembro de 2015, o filme foi recebido com frieza, tanto pelo púclico quanto pela crítica. Apesar da comprovada qualidade do diretor e do elenco, o filme realmente não funciona.        

 

 

                                                      

                                  

“ENFURECIDOS” (“Enragés”), 2015, França, roteiro e direção de Éric Hannezo. Trata-se de um filme de ação e suspense, cuja história começa quando quatro marginais assaltam um banco. A polícia chega e tenta evitar a fuga do quarteto. Depois de um intenso tiroteio, durante o qual morrem três policiais e um marginal, começa a perseguição aos três bandidos restantes, que se refugiam num shopping center. Novo cerco e novo tiroteio, com mais mortes. Os bandidos conseguem fazer uma refém e obrigam um motorista, que estava levando o filho de 4 anos para o hospital, a ajudá-los na fuga. Daí para frente, a fuga continua pelas estradas do interior da França e mais mortes acabam acontecendo, num road movie bastante violento. O filme consegue manter um bom clima de suspense, embora o ritmo da ação diminua consideravelmente a partir da metade. No desfecho, uma surpreendente revelação causa uma reviravolta na história. Estão no elenco Lambert Wilson, Virginie Ledoyen, Guillaume Gouix, Franck Gastambide, François Arnaud e Laurent Lucas. Difícil encontrar méritos suficientes nesta produção francesa para motivar uma recomendação entusiasmada. De qualquer forma, vale a indicação para uma sessão da tarde.       

 

“FLORENCE – QUEM É ESSA MULHER?” (“Florence Foster Jenkins”), 2015, direção do inglês Stephen Frears (“Philomena” e “A Rainha”). Trata-se do segundo filme a contar a história da norte-americana Florence Foster Jenkins (1868-1944), herdeira milionária e amante do canto lírico que ficou famosa por achar que era uma grande cantora de ópera. E, até o final de sua vida, continuou acreditando nisso. Esta é a versão de Hollywood, lançada nos cinemas logo depois da produção francesa “Marguerite”, também inspirada em Florence. A comparação é inevitável. Os dois filmes são muito bons, mas a versão de Hollywood é bem melhor, principalmente porque privilegia o humor, ao estilo das sensacionais comédias dos anos 40/50. Segundo, porque a ação toda transcorre em Nova Iorque, cidade onde ocorreram todos os fatos narrados (na versão francesa, o cenário é Paris). Terceiro, porque, além de Meryl Streep, conta no elenco com o inglês Hugh Grant. Ele interpreta magistralmente St. Clair Bayfield, o marido protetor de Florence, que está sempre ao seu lado nos momentos mais importantes, mas que à noite fica entre os lençóis com a bela Kathleen (Rebecca Ferguson, de “Missão Impossível – Nação Secreta”). Embora conte com a maravilhosa Meryl Streep, o dono do filme é mesmo Hugh Grant. Outro trunfo é o ator Simon Belberg na pele do pianista Cosme McMoon, acompanhante de Florence em seus recitais. A cena em que desce de elevador depois de ouvir Florence pela primeira vez, é hilariante. É preciso destacar também a primorosa recriação de época (1944), tanto nos cenários como nos figurinos. IMPERDÍVEL!  

 

Ambientada em apenas um dia – véspera de Ano Novo – no início dos anos 90, a comédia argentina “LAS INSOLADAS”, 2014, apresenta apenas seis personagens em um único cenário. São mulheres na faixa dos 30/40, todas bonitonas – umas mais, outras menos –, que num dia de forte calor em Buenos Aires se reúnem para tomar sol no terraço de um edifício. Amigas de um curso de salsa, elas pretendem “ficar mulatas” para a apresentação da noite num concurso de dança. Este será o cenário do filme inteiro, com exceção do desfecho, onde as moças se apresentam no concurso. A cena inicial é muito bonita, mostrando o nascer do sol e a capital argentina sendo iluminada aos poucos, destacando a arquitetura dos prédios do centro da cidade. Tudo isso ao som de “He Comes the Sun”, dos The Beatles. A fotografia do filme, ao estilo do diretor espanhol Pedro Almodovar, ressalta as cores fortes e amplia a sensação de um calor escaldante. A verborragia predomina o tempo todo. As seis amigas, cada qual com uma personalidade diferente, discutem temas como as relações amorosas, extraterrestres, vidas passadas, tratamento com cromoterapia, a apresentação que farão à noite e, principalmente, o planejamento de uma viagem para Cuba no ano seguinte. Uma observação: naquela época, o bronzeado e o celular eram símbolos de status entre os argentinos. Todas as conversas são levadas no maior bom-humor, o que minimiza a monotonia de um cenário único e uma trama com pouca, ou nenhuma, ação. Dessa forma, trata-se de um filme bastante agradável de assistir. As eficientes atrizes do elenco - Carla Peterson, Luisana Lopilato, Marina Bellati, Elisa Carricajo, Maricel Alvarez e Violeta Urtizberea - são bastante conhecidas na Argentina. Umas do cinema e da TV, outras do teatro. O roteiro e a direção são assinados por Gustavo Taretto, o mesmo do ótimo “Medianeras – Buenos Aires na Era do Amor Virtual”.                                                        

O drama francês “GERONIMO” é ambientado num bairro carente de uma cidade litorânea no sul da França. Em sua grande maioria, a comunidade local é constituída de imigrantes árabes, africanos, turcos e ciganos. Ao escrever o roteiro, o diretor Tony Gatlif – ele próprio de origem argelina e cigana – certamente foi inspirado a explorar os problemas sociais franceses gerados pelos imigrantes que não param de chegar ao país. A história começa com a fuga de uma jovem turca e de seu namorado cigano. Vestida de noiva, ela acaba de abandonar o noivo à beira do altar. A família turca dele promete vingança sanguinária, o que inclui matar os jovens amantes. A guerra está declarada. Turcos contra ciganos. A catalã Gemma (Céline Sallette), conhecida na comunidade como “Geronimo”, entra em ação para tentar apaziguar os ânimos. Há muitos anos que ela cuida dos adolescentes do bairro, livrando-os das drogas e da delinquência. Enfim, conselheira e educadora. Dessa forma, ela tem moral para negociar um acordo de paz entre as famílias em conflito. Só que agora é uma questão de honra, baseada numa cultura milenar. O diretor escorrega feio ao rechear a trama de números musicais, deixando o drama com cara de musical, o que quebra o ritmo da narrativa. Só para citar um exemplo: ciganos e turcos se encontram uma noite e, quando se espera grossa pancadaria, passam a desafiar uns aos outros com coreografias de dança de rua. Outro aspecto que não gostei foi a histeria do casal de fujões, que vive berrando sem parar. Chatice monumental. Com exceção da bela Céline Sallette e do ator espanhol Sérgi López, o resto do elenco é desconhecido. Lançado no Festival de Cannes 2014, o filme foi recebido com bastante frieza pelo público e pelos críticos. Deu saudades do verdadeiro Gerônimo, líder apache, dos faroestes americanos.                                                          

                                  

“ARRANHA-CÉUS” (“High-Rise”), Inglaterra, 2015, roteiro e direção de Ben Wheatley.  Quando estreou nos cinemas da Inglaterra, no início de 2016, a reação de grande parte da plateia foi sair no meio da projeção. Atitude compreensível, já que se trata de um filme totalmente maluco, onde imperam o humor negro, o surreal, a violência, o sexo e, acima de tudo, a falta de nexo. Para completar o cenário, não há uma história linear, com começo, meio e fim. As cenas vão acontecendo num ritmo alucinante, a maioria delas sem qualquer explicação. A história toda – se há alguma – é ambientada nos anos 70, assim como o romance escrito por James Graham Ballard, no qual foi baseado o roteiro escrito por Wheatley, com a ajuda de sua esposa, Amy Jump. Um luxuoso edifício de 40 andares serve de cenário para toda a ação. Nos andares inferiores moram os condôminos de classe média baixa, nos andares intermediários os de classe média alta e, nos andares superiores, os mais ricos. No complexo residencial ainda funcionam um mercado e uma escola. Quando os serviços param de funcionar, a começar pelos elevadores, o caos se instala e a violência corre solta. Tem churrasco de husky siberiano, mulher grávida transando com o vizinho, pancadaria generalizada, briga por mercadorias no mercado etc. Apesar de tudo, o elenco é de primeira: Jeremy Irons, Tom Hiddleston, Sienna Miller, Luke Evans e Elisabeth Moss. Alguns críticos profissionais acharam o filme maravilhoso, enquanto o público normal detestou. Tire suas próprias conclusões assistindo, nem que seja só por curiosidade.                                                          

                                  

“UM ESTADO DE LIBERDADE” (“The Free State of Jones”), EUA, 2016, roteiro e direção de Gary Ross (“Jogos Vorazes”), narra um episódio histórico verídico ocorrido durante a Guerra Civil Americana, na segunda metade do século XIX. Para escrever o roteiro, Ross se baseou em dois livros, “The Free State of Jones” e “The State of Jones”.

Toda a trama é centrada no fazendeiro Newton Knight (Matthew McConaughey), que se alista no exército Confederado como enfermeiro e depois, insatisfeito com os verdadeiros objetivos do lado que escolheu, volta para casa e é considerado desertor. Para não ser preso e enforcado, ele se refugia na região dos pântanos, no Mississipi, e lá forma um grupo de rebeldes constituído de fazendeiros pobres e escravos. Depois de vencer várias batalhas contra os confederados, Knight decide fundar o Estado Livre de Jones, casa-se com uma ex-escrava, Rachel (Gugu Mbatha-Raw), e luta contra os integrantes do primeiro grupo da Ku Klux Klan. O filme é muito bem feito e já estão dizendo que deve concorrer a algumas das principais indicações ao Oscar 2017 (a Academia adora filmes históricos). Acho essa previsão um tanto exagerada. Em todo caso, acredito que McConaughey deva ser indicado novamente para Melhor Ator, prêmio que já conquistou em 2014 por sua atuação em “Clube de Compras Dallas”.                                              

 

 

“DESERTO” (“DESIERTO”), México, 2016, roteiro e direção de Jonás Cuarón, filho do diretor Alfonso Cuarón, de “Gravidade” (o roteiro também foi escrito por Jonás). O drama aborda a questão dos mexicanos que atravessam a fronteira de forma ilegal para melhorar de vida nos EUA, assunto do momento entre os candidatos à presidência do Tio Sam. A história começa com um grupo de mexicanos tentando atravessar a fronteira pelo deserto de Sonora. Ao mesmo tempo, um caçador sádico e racista prepara-se para o seu plantão habitual, ou seja, praticar tiro ao alvo nos mexicanos. Em suas caçadas, ele leva o cão policial Tracker (“Rastreador”), que também possui o mesmo instinto assassino. Na primeira meia-hora do filme, para delírio de Donald Trump, o caçador sai matando um por um. Mesmo debaixo de um sol escaldante e temperatura beirando os 50 graus, o caçador continua em perseguição ao pequeno grupo que sobrou. O suspense aumenta na medida em que o caçador vai chegando perto dos dois últimos sobreviventes (Gael García Bernal e Alondra Hidalgo). Apesar de ser totalmente ambientado no deserto e com poucos personagens, o filme mantém a ação e o suspense até o final, proporcionando um ótimo entretenimento. O filme foi escolhido para representar o México no Oscar 2017 de Melhor Filme Estrangeiro e, antes disso, concorreu ao prêmio de Melhor Filme no London Film Festival 2015.                                             

 

“A BUSCA” (“The Search”), 2014, França, foi escrito e dirigido por Michel Hazanavicius, o mesmo diretor de “O Artista” (Oscar de Melhor Filme em 2011). Neste drama de guerra ambientado em 1999 na Chechênia, Hazanavicius conta duas histórias no filme, ambas alternando-se durante a projeção sem nunca se interligarem. A primeira é centrada em Hadji (Abdul Khalim Mamutsiev), de 9 anos, cujos pais foram executados friamente pelos soldados russos. O menino foge com o irmão, bebê de colo, até ser acolhido por Carole (Bérénice Bejo, esposa do diretor), inspetora da União Europeia que trabalha no escritório chefiado por Helen (Annette Bening), responsável pelo acolhimento de jovens refugiados de guerra. Enquanto o menino é procurado pela irmã mais velha, Raïssa (Zushra Duishvili), Carole se afeiçoa por Hadji e resolve adotá-lo. A outra história envolve o jovem Kolia (Maksim Emelyanov), que ingressa no exército russo e irá conhecer bem de perto os horrores de uma guerra. Kolia começa seu sofrimento já na fase de treinamento, que lembra “Nascido para Matar”, de Kubrick. Tanto numa história como na outra, Hazanavicius não economiza na violência e no terror psicológico. Haja estômago para suportar tanta tragédia. Os soldados russos são mostrados como assassinos frios e psicopatas sanguinários, sem pudor para matar, torturar e estuprar. O diretor também acrescentou alguns depoimentos de vítimas reais da repressão russa ocorrida na época. Ao estrear no Festival de Cannes em 2014, o filme foi considerado fraco e até chegou a ser vaiado. Não achei o filme tão ruim assim. Só não entendi até agora porque o nome original é em inglês, já que é uma produção francesa. O maior mérito do filme, na minha opinião, é a denúncia que faz dos métodos empregados pelas autoridades russas para “apaziguar” os ânimos nas repúblicas que almejavamm sua independência. Nesse contexto, o filme merece ser visto.                                           

 

“ROMANCE À FRANCESA” (“Caprice”), 2015, França, é mais uma comédia romântica bobinha e sem graça. Nenhuma surpresa em se tratando de um gênero onde filmes de qualidade são bastante escassos. O que surpreende é o fato de ser um representante do cinema francês, que normalmente produz boas comédias românticas. O responsável por essa pisada na bola é Emmanuel Mouret, o famoso “três em um” – ele escreveu o roteiro, dirigiu e ainda atuou como o protagonista principal. “Romance à Francesa” conta a história do professor Clément (Mouret), um trintão tímido, meio abobalhado e totalmente inseguro, além de feio. Ele é fã de teatro, especialmente da atriz Alícia Bardery (Virginie Efira), cujo filho estuda na escola onde Clément leciona. Um dia, os dois se encontram e começam um improvável romance, sendo ele feio e sem nenhum charme e ela um mulherão de alta classe. Eis que surge no meio da história - e dos dois - a jovem Caprice (Anaïs Demoustier), uma atriz de teatro iniciante, carente e problemática. Ela parte para o ataque a toda hora tentando seduzir o professor, num grude enervante. Enquanto isso, Alícia também é cortejada pelo diretor da escola, Thomas (Laurent Stocker). Duvido que alguém consiga reunir personagens tão chatos como Clément, Caprice e Thomas. Quem se salva é a bela e classuda atriz belga Virginie Efira, única razão para se assistir a este verdadeiro abacaxi. Aliás, o título original do filme deveria ser "Alícia".                                       

“PALMEIRAS NA NEVE” (“Palmeras en La Nieve”), Espanha, 2015. A história é baseada no best-seller da escritora Luz Gabás, lançado em 2012 e adaptado para o cinema pelo diretor Fernando González Molina (“Paixão sem Limites”). A autora espanhola revelou que, para escrever o romance, se inspirou na história do próprio pai, que emigrou para a Guiné Equatorial – então colônia espanhola – em 1953 para trabalhar numa plantação de cacau.  O filme começa em 2003, quando a jovem Clarence (Adriana Ugarte) encontra uma carta esquecida entre os pertences do seu pai, Jacobo, que acabara de falecer. O teor misterioso da missiva – um amor secreto – a incentiva a ir até a Guiné. O roteiro retrocede para 1953, quando os irmãos Kilian (Mario Casas) e Jacobo (Alain Hernández) vão para a ilha de Fernando Poo (hoje Bioko), na Guiné Equatorial - perto da costa de Camarões -, trabalhar na plantação de cacau de propriedade do pai. Kilian se apaixona pela nativa Bisila (Berta Vásquez), amor que é plenamente correspondido, porém proibido para os padrões da época. Além do romance entre os dois, o pano de fundo para toda a história também contempla o contexto político da época, destacando a situação de uma colônia prestes a  proclamar sua independência. O filme é longo (2h43), levado no estilo novelão, mas em nenhum momento chega a ser monótono, o que é um mérito. De qualquer forma, um bom programa para os românticos de plantão.