A bela atriz norte-americana Katherine Heigl, protagonista de tantas boas comédias (”Vestida para Casar”, “Ligeiramente Grávidos”), desta vez encara um drama. Trata-se de “O CASAMENTO DE JENNY” (“Jenny’s Wedding”), 2014, direção de Mary Agnes Donoghue. Ela é Jenny, uma trintona que nunca acertou um namoro e agora, beirando os quarenta, é pressionada pela família a arrumar alguém para casar. Ela finalmente se decide, mas o “marido” não será bem a pessoa que a família esperava. Ao revelar sua paixão por Kitty (Alexis Bledel), com a qual divide o mesmo teto há cinco anos, seus pais, Eddie (Tom Wilkinson) e Rose (Linda Emond), extremamente conservadores, entram em polvorosa, assim como a irmã Anne (Grace Gummer). O filme inteiro coloca em destaque esse conflito familiar, a aceitação da escolha de Jenny e, finalmente, o seu casamento. No elenco, merece destaque a atuação do ator inglês Tom Wilkinson e da norte-americana Linda Emond. Também demonstra muita competência Grace Gummer, filha de Meryl Streep. Ao explorar um tema tão em evidência, como a aceitação ou não da opção sexual dos filhos, o filme nos motiva a refletir mais profundamente sobre a questão. Só por isso, vale a pena.     

Produzido em 2014 e exibido no ano seguinte pela BBC, “O MENSAGEIRO” (“The Go-Between”, título original do filme e do romance escrito por L.P.Hartley) teve uma primeira versão para o cinema em 1971, com direção de Joseph Losey e com Julie Christie e Alan Bates nos papeis principais. Este “O Mensageiro”, portanto, é uma refilmagem. Mas uma refilmagem de grande categoria, com ótimos atores e uma recriação primorosa de época, além de uma fotografia deslumbrante. Como qualidade cinematográfica, portanto, não fica atrás do original. A história é ambientada em 1900 no interior da Inglaterra. A bela jovem Marian Maudsley (Joanna Vanderham) é cortejada pelo Lord Trimingham (Stephen Campbell Moore). É desejo de Mrs. Maudsley (Lesley Manville), a autoritária mãe de Marian, que os dois se casem. Só que Marian tem um amante, o fazendeiro Ted Burgess (Ben Batt). Leo, de 12 anos, sobrinho de Mrs. Maudsley, serve como garoto de recados entre os dois amantes, daí o título “O Mensageiro”. O caldo entorna quando a mãe descobre o caso da filha, numa cena em que a ótima atriz Lesley Manville dá um show de interpretação. Muitos anos depois, Leo (agora Jim Broadbent) reencontra Marian (agora Vanessa Redgrave) para decretar o desfecho da história. Aliás, um reencontro sem muita emoção, talvez o único defeito dessa caprichada produção inglesa.                                       

O drama inglês “O DANÇARINO DO DESERTO” (“DESERT DANCER”), 2013, conta uma incrível história de coragem e amor à arte. No caso, a dança. Baseado em fatos reais recentes ocorridos no Irã, o filme marca a estreia em longas do diretor inglês Richard Raymond. A história: desde criança, o garoto iraniano Afshin Ghaffarian (Reece Ritchie) adorava dançar. No colégio, era comum ele imitar a coreografia de Patrick Swayze em “Dirty Dancing”. Acontece que dançar em público, no país de Ahmadinejad, era e ainda é proibido. Afshin esqueceu a dança até ingressar na faculdade em Teerã, capital do País. Aqui, formou um grupo clandestino de dança, associando-se a Elaheh (a atriz indiana Freida Pinto), uma jovem iraniana filha de uma ex-dançarina. Inspirados em vídeos de Pina Bausch e Michael Jackson, que assistiam escondidos pela Internet, os dois criavam coreografias especiais. Só que não podiam mostrá-las em público. A solução foi organizar uma apresentação em pleno deserto. Tudo parecia ir bem até os fundamentalistas islâmicos entrarem em ação, em nome da moral e dos bons costumes. O fim da história todo mundo já sabe: Afshin foge para Paris, onde monta uma escola de dança bastante conceituada. Todo o enredo tem como pano de fundo a situação política do Irã sob Ahmadinejad, um regime de opressão no qual qualquer manifestação artística é pecado mortal.

“O HOMEM QUE ELAS AMAVAM DEMAIS” (“L’HOMME QU’ON AIMAIT TROP”), 2014, direção de André Téchiné. A história é baseada em fatos reais. Em 1976, a empresária Renée Le Roux (Catherine Deneuve), proprietária do Palais de La Méditerranée, um luxuoso cassino na cidade de Nice, na Riviera Francesa, vive às voltas com uma grave crise financeira em seu negócio. Seu principal assessor é Maurice Agnelet (Guillaume Canet), um advogado ardiloso, ambicioso e manipulador. Na época, suspeitava-se que, por trás das manobras para arruinar o cassino de Renée, estava o empresário do cassino concorrente, Fratoni (Jean Corso), considerado um poderoso mafioso local. Em meio a toda essa situação, Renée recebe a visita de sua filha Agnes (Adèle Haenel), recém-separada e que chega disposta a arrancar dinheiro da mãe. Ela acabará se envolvendo com Maurice, contra todos os argumentos da mãe. O repentino desaparecimento de Agnes faz a história virar um rumoroso caso policial, com Maurice sendo acusado de assassiná-la e esconder o corpo. O mistério perdurou durante anos. Maurice foi réu em vários julgamentos, o último deles em 2014, trinta e sete anos depois do sumiço de Agnes. Não é dos melhores filmes do veterano diretor francês, mas vale pela história e, principalmente, pelo ótimo elenco e pelo cenário maravilhoso da Riviera Francesa. Guilhaume Canet, o ator francês do momento, já havia feito recentemente outro vilão num filme também baseado em fatos reais (“Na Próxima, Acerto no Coração”), no qual interpreta um policial psicopata.     

Se tiver, deixe de lado seu preconceito contra o cinema asiático e assista “FLORES DO AMANHÔ (Xiang Ri Kui”), 2005, um belo, sensível e comovente drama chinês escrito e dirigido por Zhang Yang (do cultuado e premiadíssimo “Banhos”, de 1999). Duas horas e nove minutos de puro prazer cinematográfico, tendo como pano de fundo o cenário político da China durante 30 anos. A história passa pela Revolução Cultural Proletária, a morte do grande líder Mao Tsé Tung, o Bando dos Quatro, até a época de Deng Xiao Ping. O filme começa em 1967, com o nascimento de Xiangyang (interpretado por três atores, da infância, juventude até a fase adulta). Seu pai, Gengnian (Haiyng Sun), preso pouco antes pelo regime de Mao, só irá conhecer o filho dez anos depois. Mimado pela mãe, Xiuqing (Joan Chen), o garoto só quer saber de brincar, enquanto o pai, recém-chegado, insiste para que ele se torne pintor, sua profissão até ser preso. A maior parte da história é dedicada à conflituosa relação entre pai e filho, o que rende cenas de grande força dramática. O filme retrata a evolução da sociedade chinesa diante dos novos tempos, incluindo uma mudança comportamental com relação à tradição secular de respeito aos pais e aos mais velhos em geral. Os atores são ótimos, principalmente Joan Chen e Haiyung Sun. Um filme delicado, uma pequena obra-prima do cinema chinês. Simplesmente imperdível!

As belas paisagens do Alasca servem de cenário para o drama “WILDLIKE” (ainda sem tradução por aqui), EUA, 2014, roteiro e direção de Frank Hall Green. Quem pensa que o estado americano é só gelo vai se surpreender com a quantidade de verde, muita floresta e vegetação. A história: a jovem Mackenzie (Ella Purnell), de 14 anos, fica órfã de pai e sua mãe, com a desculpa de fazer um tratamento de saúde, a envia para morar um tempo com o tio (Brian Geraghty), irmão do falecido, lá nos confins do Alasca. Sem respeitar o parentesco nem a idade da sobrinha, o tio acaba partindo para o ataque sexual. Cansada e de certa forma enojada, Mackenzie foge e se embrenha sozinha pelo interior do Alasca. Ela quer voltar com urgência para Seattle, onde mora com a mãe. Só que no meio do caminho ela conhece Rene Bart (Bruce Grenwood), um homem de meia idade que está em busca de sossego e de um tempo para se recuperar da recente viuvez. Mackenzie e Bart começam então uma viagem pelo interior do Alasca, num road movie que vai agradar o espectador que curte a Natureza e belas paisagens. A jovem atriz inglesa Ella Purnell é uma espécie de Angelina Jolie teen, ou seja, uma “Lolita” de primeira, embora na vida real tenha 19 anos. Pode ser que eu me engane, mas acho que está nascendo uma nova estrela. 

A comédia francesa “O QUE AS MULHERES QUEREM” (“SOUS LES JUPES DES FILLES”), 2014, tem um time de atrizes de tirar o chapéu – ou as calças, já que sexo é o tema predominante. Só para citar algumas: Laetitia Casta, Alice Taglione, Isabelle Adjani, Marina Hands, Alice Blaïdi, Audrey Fleurot e Audrey Dana, esta última estreando também como diretora. Em termos de beleza, destoa do grupo a atriz Vanessa Paradis, que, com seus dentes da frente separados, parece irmã do Alfred E. Neuman, personagem símbolo da revista Mad. Isabelle Adjani, que já foi considerada uma diva do cinema francês, está gorducha, mas não perdeu o charme. De qualquer forma, são todas ótimas atrizes e estão bem à vontade fazendo comédia. A história reúne 11 personagens mulheres, cada qual com seus problemas sentimentais. Uma delas é casada e tem quatro filhos, o que não a impede de ter um caso fora do casamento. Pior, com uma mulher. Outra descobre que o marido a trai e resolve se vingar dos dois. Tem aquela que não consegue atingir o orgasmo e ainda outra que tem sérios tiques nervosos, que só desaparecem quando o assunto é sexo. E assim transcorre o filme, com muitas situações engraçadas, diálogos espertos e algumas cenas bastante hilariantes. Na França, a comédia foi um sucesso de público, levando 1,4 milhão de espectadores aos cinemas. Sem dúvida, um programa bastante agradável.         

O que os soldados norte-americanos fizeram com os prisioneiros de Abu Ghraib, no Iraque, é conto infantil comparado ao que é mostrado no drama inglês “OPERAÇÃO IRAQUE LIVRE” (“The Mark of Cain”), 2007, dirigido por Marc Munden. No primeiro caso, os fatos foram reais e revelados para o mundo inteiro. No caso dos ingleses do filme, não há referência de que os fatos tenham sido baseados na realidade. Mas mesmo assim chocam bastante. Em patrulha numa cidade do Iraque, um pelotão do exército inglês é alvo de uma emboscada, que resulta na morte do capitão Godber. Os ingleses prendem vários suspeitos e os levam presos. Como forma de se vingar do que aconteceu ao seu comandante, os soldados ingleses promovem inúmeras sessões de torturas brutais e constrangedoras. Tudo filmado e fotografado por celulares. Pano rápido e os soldados voltam para a Inglaterra. Um deles, porém, mostra as fotos para a namorada. Erro fatal. O material acaba nos jornais e abre caminho para o maior escândalo. Apenas dois soldados, Mark (Gerard Kedarnes) e Shane Gulliver (Matthew McNulty), são acusados de crimes de guerra, sofrendo uma grande pressão para não entregar os companheiros. Um filme sério, levado o tempo todo num crescente clima de tensão e de muito impacto. Vale a pena!

O elenco feminino é ótimo (Elizabeth Banks, Diane Lane, Dakota Fanning e Danielle MacDonald, esta última uma jovem e surpreendente atriz australiana). O filme, nem tanto. “EVERY SECRET THING” (ainda sem tradução por aqui), 2014, EUA, é um drama policial bem pesado, inspirado no livro “Cada Segredo”, de Laura Lippman. A história: a detetive Nancy Porter (Banks) está às voltas com um mistério: o desaparecimento de uma menina – morta ou sequestrada? No decorrer das investigações, as principais suspeitas recaem sobre Ronnie (Dakota) e Alice (Danielle), recém-saídas de um centro de detenção juvenil, onde cumpriram pena de 7 anos pelo assassinato de uma criança. A policial Porter passa a exercer marcação cerrada sobre a dupla, além de pressionar Helen Manning (Diane), mãe de Alice. É claro que a revelação surgirá somente no final do filme. Trata-se da estreia em longas da diretora Amy Berg, mais conhecida pela realização de documentários. O clima de suspense até que consegue prender a atenção, mas o filme, como um todo, está longe de uma indicação entusiasmada.

“MISSÃO IMPOSSÍVEL: NAÇÃO SECRETA” (“Mission Impossible: Rogue Nation”), 2015. Para o espectador, missão impossível mesmo é não se divertir com tantas cenas de ação “impossíveis”, mentirosas e deliciosas como aquelas que tanto nos divertiram nos melhores filmes do James Bond – aliás, neste há até uma menção àquela famosa saída do mar de Ursulla Andress em “Satânico Dr. No”, só que numa piscina e com a atriz Rebecca Ferguson.  Dizem até que Tom Cruise não quis dublê nas cenas perigosas, incluindo aquela em que o agente Ethan Hunt (Cruise) aparece agarrado, pelo lado de fora, num avião em plena decolagem. A cena é, sem dúvida, espetacular, mas duvido que o próprio Cruise estivesse ali pendurado. Acho que é mais uma jogada de marketing para divulgar o filme. Este é o quinto filme da série “Missão Impossível”, iniciada em 1996, com a participação de Cruise em todos. O filme é dirigido pelo especialista em filmes de ação Christopher McQuarrie (do ótimo “Jack Reacher – O Último Tiro”, também com Cruise). “Em “Nação Secreta”, o agente especial Ethan Hunt é encarregado de desvendar quem está por trás de uma organização secreta chamada “O Sindicato”. Só que a agência (IMF) à qual pertence o agente Hunt é desativada pela CIA. Dessa forma, Hunt passa a trabalhar clandestinamente e acaba sendo perseguido pela própria CIA. A maioria dos críticos profissionais elegeu o filme como o melhor dos cinco. Tenho minhas dúvidas, mas, de qualquer forma, o filme é muito bom, garantia de um ótimo entretenimento. E tem Cruise em plena forma.  

Produzido no formato de minissérie para ser exibido pela TV alemã em 2013, “OS FILHOS DA GUERRA” (“Unsere Mütter, unsere Väter”), direção de Philipp Kadelbach, é um drama de guerra dos mais competentes. A produção é caprichada, os atores são ótimos e a história é muito interessante, ainda mais que inspirada em fatos reais, o que somente é revelado nos créditos finais. Em 4h30 de duração (2 DVD’s), o filme conta a saga de cinco jovens amigos residentes em Berlim que se reúnem num restaurante em 1941 para uma despedida, durante a qual combinam de se reencontrar no mesmo local quando a guerra acabar. Dois deles, os irmãos Wilhelm (Volker Bruch) e Friedhelm (Tom Schilling), alistam-se no exército, Charlotte (Miriam Stein) também vai para a guerra como enfermeira voluntária, Greta (Katharina Schüttler) fica em Berlim para tentar carreira como cantora e, por fim, o judeu Viktor (Ludwig Trept) tentará escapar da perseguição nazista. O pano de fundo de toda essa história é a malfadada campanha do Terceiro Reich contra a Rússia. A série alemã ganhou nada menos do que 18 prêmios internacionais, incluindo o International Emmy de 2014 (categoria “Melhor Minissérie”).

Para quem gosta de curtir thrillers políticos baseados em fatos reais, “MATAR A TODOS” é um prato cheio. Trata-se de uma co-produção Uruguai/Argentina, de 2007, com direção de Esteban Schoroeder. O filme já começa esclarecendo o que foi a Operação Condor, no início dos anos 70, cujo principal objetivo era combater os opositores aos regimes militares instalados em seis países da América do Sul, incluindo o nosso Brasil varonil. Isso tudo com a ajuda do Tio Sam, é claro. É com esse pano de fundo que o enredo se desenvolve. Júlia Gudari (Roxana Blanco) é uma promotora de justiça que se envolve na investigação do desaparecimento do bioquímico chileno Eugenio Barrios em território uruguaio. Barrios era ligado ao grupo de extrema direita chileno chamado “Patria y Libertad” e ajudou a fabricar o gás Sarin para o exército de Pinochet utilizar contra os militantes de esquerda. Júlia, uma antiga militante de esquerda que na juventude havia sido presa e torturada,  desconfia que houve queima de arquivo e insiste em prosseguir a investigação, mesmo depois das ameaças dos militares uruguaios, incluídos seu pai, um general aposentado, e o irmão, capitão do exército. O clima de suspense predomina do começo ao fim, o que impede o espectador de desgrudar os olhos da telinha. Um programão!

“CASAMENTO SILENCIOSO” (“Nunta Muta”), 2008, direção de Horatiu Malaele, é um dos filmes romenos mais interessantes da última década. Embora seja um drama com  forte pano de fundo político – o comunismo -, o filme é repleto de bom humor e algumas pitadas de realismo mágico. Inspirado num caso que realmente aconteceu, o filme é ambientado num pequeno vilarejo do interior da Romênia. O ano é 1953. Todos os habitantes do vilarejo esperam com grande ansiedade a festa do casamento de Mara (Meda Victor) com Iancu (Alexandru Potoceanu), casal muito querido por todos.  Familiares dos noivos chegam de todas as partes do país. Quando tudo já está pronto para o acontecimento do ano, vem a notícia trágica: Stalin morreu. O prefeito do vilarejo e representantes do governo comunista romeno decretam luto por uma semana, proibindo qualquer tipo de comemoração. Mesmo com essa ordem, o casamento será comemorado de qualquer jeito, nem que seja da forma que gerou o título do filme. Diversão garantida!              

Outro dia comecei a ver um filme italiano cuja história é ambientada na Rússia do século 19. Imagine os personagens russos – interpretados por atores italianos - falando italiano em plena Moscou. Não deu pra assistir. Comparando, seria como se atores austríacos fossem colocados para protagonizar o nacional “Cidade de Deus” falando alemão. Este é o tipo de defeito também cometido pelo drama de época “UM POUCO DE CAOS” (“A Little Chaos”), 2014, segunda incursão do ator Alan Rickman como diretor. A história é toda ambientada na França, no século XVII. Os personagens são franceses, os atores ingleses – com exceção do belga Mattias Schoenherts – e, claro, totalmente falado em inglês. Não combina, soa falso demais! Vamos à história: por ordem do Rei Luís XIV (Rickman), o arquiteto André Le Notre (Schoenherts) fica encarregado de projetar os jardins do Palácio de Versalhes – o arquiteto realmente existiu, sendo responsável pelo projeto do Champs Elysees, em Paris. Voltando ao filme: Le Notre contrata a paisagista Sabine de Barra (Kate Winslet) para ajudá-lo na construção de um anfiteatro ao ar livre. O encontro entre os dois já prenuncia um previsível romance. Aliás, aqui surge outro defeito do filme: Schoenherts não tem nada parecido com um galã romântico e muito menos com um ator. É muito fraco. Kate Winslet está gorducha (filmou grávida) e também atua no piloto automático. O filme dedica sua maior parte à construção do tal anfiteatro e às fofocas da Corte de Luís XIV. Alan Rickman, como diretor, é um ótimo ator. 

À beira dos cinquenta, a atriz francesa Sophie Marceau continua competente, bela e em ótima forma física, sem qualquer sinal aparente de plástica ou botóx - privilegiada! Ela é a estrela da comédia romântica “SEXO, AMOR E TERAPIA” (“Tu Veux ou Tu Veux Pas”), 2014, roteiro e direção de Tonie Marshal. Judith (Marceau) é uma executiva de vendas de uma grande empresa, responsável pelo mercado asiático. Ela, porém, é ninfomaníaca, transa com qualquer coisa que se mova, o que inclui um grande número de chineses e japoneses. Acaba demitida e volta para a França a fim de procurar emprego. O piloto de avião Lambert (Patrick Bruel) é viciado em sexo – antigamente, seria chamado de tarado – e também acaba demitido por transar em pleno vôo com comissárias, aeromoças e quem passar na sua frente. Ele vira terapeuta de casais e, nas horas vagas, frequenta um grupo de terapia destinado a viciados em sexo. Judith e Lambert, claro, vão se encontrar e iniciar uma relação bastante conturbada. Como terapeuta, Lambert ainda vai ter de segurar as rédeas da sua mãe fogosa, Nadine (a cantora Sylvie Vartan, ótima). Embora seja capaz de provocar algumas risadas com algumas boas sacadas, o filme não é dos melhores – o desfecho, então, é constrangedor, para não dizer lamentável -, mas a presença de Sophie Marceau vale uma indicação. 

Mais um filme francês de qualidade, inteligente e delicioso de assistir. “GEMMA BOVERY – A Vida Imita a Arte” (“Gemma Bovery”), 2014, direção de Anne Fontaine. O casal Charlie (Jason Flemyng) e Gemma Bovery (Gemma Arterton) saem da Inglaterra e vão morar numa pequena cidade francesa na Normandia. Estão em busca de paz para trabalhar, ela como pintora e ele como restaurador de obras de arte. Eles serão vizinhos de Martin Joubert (Fabrice Luchini) e sua esposa Valérie (Isabelle Candelier). Apesar de ser padeiro (herdou a padaria do pai), Martin trabalhou numa editora e não perdeu seu amor pela literatura. Ele é obcecado pelo clássico “Madame Bovary”, de Gustave Flaubert. Já dá para imaginar, portanto, que Martin irá associar a vizinha à famosa personagem do livro, Emma Bovary – não foi à toa a escolha do nome Gemma Bovery. A conexão não ficará restrita apenas à personagem, mas também ao enredo trágico do livro - daí o subtítulo "A Vida Imita a Arte". O filme desenvolve esse paralelo com muita competência, acrescentando a paixão platônica do velho Martin pela jovem Gemma. Ao vê-la pela primeira vez, ele fala com seus botões: “Lá se vão dez anos de tranquilidade sexual”. Realmente, a atriz inglesa Gemma Arterton é um fenômeno de beleza e sensualidade, além de atuar com muita competência. E que ator é Fabrice Luchini! Enfim, o filme é ótimo, imperdível!

Ninguém pode colocar em dúvida o grande talento de Kim Basinger como atriz, o que já foi comprovado em inúmeros filmes. Nem contestar sua beleza, que continua inalterada. Suas últimas escolhas, porém, não têm sido à sua altura. Mais uma prova disso é o recente “EU ESTOU AQUI” (“I Am Here”), 2014. Embora falado em inglês, é uma co-produção Dinamarca/Alemanha. Trata-se de um drama com algumas pitadas de suspense. Maria (Basinger) é uma empresária bem sucedida que tem um sonho, na verdade uma obsessão: ser mãe. Ela e Peter (Sebastian Schipper), o marido, tentam há mais de 10 anos. Depois de vários abortos, ela recebe o diagnóstico do médico: não pode tentar mais, pois, além da idade, seu útero apresenta problemas que a impedem de engravidar. Já que não pode mais ser mãe biológica, ela agora vai tentar adotar uma criança, o que o marido não concorda. Depois de ler uma notícia de que na República Tcheca as prostitutas jovens estão vendendo seus bebês, é para lá que Maria decide ir. Pega o carro, cai na estrada sozinha e, durante o caminho, acaba conhecendo Petit (Jordan Prentice), um anão drogado, ao qual pede ajuda para a sua missão. Em meio a vozes estranhas de crianças – os nenês abortados? -, lá vai Maria em busca do seu bebê. O filme, dirigido pelo dinamarquês Anders Morgenthaler, é muito fraco e mal resolvido, sem contar a forçada de barra em escalar a sessentona atriz como mãe potencial. Só para os fãs incondicionais de Basinger. 

Na minha longa peregrinação pela Sétima Arte, já vi incontáveis filmes esquisitos, aqueles sem pé nem cabeça, indecifráveis, que os críticos profissionais e festivais adoram exaltar e premiar. Para o grande público, que busca apenas um entretenimento, tais filmes podem se transformar num grande fardo. Mais um exemplo é o sueco “UM POMBO POUSOU NUM GALHO REFLETINDO SOBRE A EXISTÊNCIA” (“En Duva Satt pa en Gren Funderade pa Tillvaron”). Pelo título, já dá para ter ideia de que tipo de filme estamos prestes a assistir. E, de fato, é muito esquisito. São 39 pequenos episódios (esquetes) tragicômicos, alguns deles utilizando o mesmo cenário e, às vezes, os mesmos personagens. A câmera é fixa, estática, e as cenas são mostradas como se fossem um quadro, onde somente os personagens se movem. Aliás, muito lentamente. Pelos menos há um pouco de bom humor para amenizar o non sense predominante. Só pra você ter uma ideia: num bar da Gotemburgo atual, de repente entra o Rei Charles XII (que reinou na Suécia na segunda metade do Século 17) e seu séquito para tomar um copo de água, enquanto soldados da época marcham pela rua. O filme, premiado com o “Leão de Ouro” no Festival de Veneza 2014, é o terceiro da chamada “Trilogia dos Vivos”, da qual fazem parte “Canções do Segundo Andar” (2000) e “Tu, que Vives” (2007), todos escritos e dirigidos pelo diretor sueco Roy Andersson. Uma mente privilegiada ou mais um cineasta louco? Só assistindo para responder. Eu vi e respondo: é mais um cineasta louco, mas muito criativo.   

O drama “FAIR PLAY”, 2014, baseado em fatos reais, foi o representante oficial da República Tcheca no Oscar/2015 de “Melhor Filme Estrangeiro”. Dirigido por Andrea Sedlácková e ambientado no início dos anos 80, conta a história da corredora Anna (Judit Bárdos), uma das maiores promessas do atletismo da então Tchecoslováquia. Ela era uma das esperanças de medalha do país nas Olimpíadas de Los Angeles, em 1984, mas que afinal seriam boicotados pela mãe Rússia e seus “filhos” da Cortina de Ferro. O filme destaca o duro e torturante treinamento de Anna sob o comando do treinador Bohdan (Roman Luknár). Para melhorar seus resultados, Anna foi obrigada a utilizar o esteroide anabolizante Stromba, mesmo contra sua vontade. Sua mãe Irena (Anna Geislerová), chegou a aplicar-lhe injeções de Stromba dizendo que eram vitaminas. O governo exigia que Anna fosse melhor do que as russas e alemãs. “Se eles usam anabolizantes, também vamos usá-los”, diz um agente do governo. Embora o enfoque de toda a história seja o esporte, a utilização de anabolizantes e o treinamento quase desumano ao qual Anna era obrigada a se submeter, o aspecto predominante no filme é o político. O enredo escancara como era viver sob um regime opressor e de vigilância permanente aos cidadãos. Uma das cenas mais impactantes mostra como eram feitas as chamadas “Buscas Domiciliares”, quando agentes do governo invadiam as casas de suspeitos durante a madrugada, vasculhando tudo em busca de indícios de subversão. Trata-se de um filme bastante revelador, um verdadeiro soco no estomago em quem ainda defende os regimes comunistas. O filme é ótimo, valorizado ainda mais pelo excelente desempenho das atrizes Judit Bárdos e Anna Geislerová. 

“ALOFT”, EUA, 2014, é o primeiro filme em língua inglesa dirigido pela peruana Claudia Llosa (“A Teta Assustada”). O filme, cujo roteiro foi escrito por Llosa, tem um pano de fundo místico. O filme inteiro é ambientado nos cenários gélidos de Minnesota e da província de Manitoba, no Canadá. Mãe solteira de dois meninos, Nana Kunning (Jennifer Connelly) descobre sem querer que possui o poder de curar pessoas. Em meio ao dilema de seguir ou não esse dom, Nana é atingida por uma tragédia envolvendo seus dois filhos. Ela some do mapa, abandonando Ivan, o filho mais velho, mais tarde interpretado pelo ótimo ator Cilian Murphy. Vinte e cinco anos depois, graças à interferência da jornalista Jannia (a atriz francesa Mélanie Laurent), mãe e filho se reencontram. O filme não foi bem recebido pela crítica após sua exibição de estreia no Festival de Berlim/2014. A diretora exagerou na dose e fez um filme esquisito, complicado, um tanto difícil de digerir. Mas os atores são ótimos, principalmente a bela Jennifer Connelly, uma das poucas atrizes a ficar mais bonita sem maquiagem. Aliás, merece destaque - e elogios - a maquiagem feita em Jennifer para torná-la 25 anos mais velha. Enfim, um filme apenas interessante, sem muitos motivos para uma indicação entusiasmada.                   

“MORTE LIMPA” (“Good Kill”), 2014, conta o dilema do Major Tom Egan (Ethan Hawke), um veterano ex-piloto de combate que agora trabalha no comando de drones utilizados para exterminar terroristas, “via satélite”, em várias regiões do mundo, como Afeganistão e Iemen. Egan gosta mesmo de voar e está insatisfeito com a nova função, principalmente com as missões diárias de eliminar pessoas. Ele está sediado numa base da Força Aérea no deserto de Nevada e mora em Las Vegas com a família. Cada vez mais incomodado e estressado por causa dessa rotina de mortes, Egan passa a beber e contestar algumas ordens, o que prejudica uma possível promoção e seu retorno aos aviões de verdade. A situação acaba provocando uma séria crise no casamento com Molly (January Jones). O diretor Andrew Niccol (“Gattaca”, “A Hospedeira” e “O Senhor das Armas”), que também escreveu o roteiro, baseou a história em depoimentos de pilotos de drones. Ao mostrar os bastidores desse trabalho, Niccol realizou um filme bastante interessante. Ao final de sua exibição no Festival de Veneza 2014, no qual concorreu ao “Leão de Ouro”, o filme foi – injustamente, na minha opinião -  vaiado pelos jornalistas. Eu gostei.   

Menos canastrão e longe daqueles personagens valentões dos filmes de ação que o levaram ao estrelato, Nicolas Cage até que se sai bem no drama político “FATOR DE RISCO” (“The Runner”), 2014, escrito e dirigido por Austin Stark. Cage é o deputado Colin Price, do Estado de Louisiana, cuja carreira está em franca ascensão graças a um discurso emotivo depois do vazamento de petróleo de uma plataforma da Britishi Petroleum. Além disso, o político assume a defesa dos pescadores da região afetada pelo acidente, inclusive angariando fundos para mantê-los. Tudo indicava que Colin partiria com tudo para se eleger senador, porém um escândalo provocado por um caso extraconjugal põe fim à pretensão. Ele renuncia ao posto de deputado, o que provoca o pedido de divórcio da ambiciosa esposa Deborah (a bela Connie Nielsen). Na tentativa de se reerguer, psicológica e politicamente, Colin contará com a ajuda da sua ex-assessora Kate Haber (Sarah Paulson, uma mistura malsucedida de Nicole Kidman com Maitê Proença) e do pai, o ex-político Rayne Price (Peter Fonda, irmão de Jane), um alcoólatra convicto. O diretor estreante Austin Stark fez um bom trabalho, conduzindo o filme num clima tenso até o seu final. Dos filmes recentes com Nicolas Cage, este é, disparado, o melhor, o que não significa que seja lá muito bom.