“SIMONAL”, 2019, produção da Globo Filmes, 1h45m, filme de estreia na direção do carioca Leonardo Domingues, com roteiro de Victor Atherino. O elenco: Fabrício Boliveira (Wilson Simonal), Ísis Valverde (Tereza, a esposa), Leandro Hussum (Carlos Imperial), Mariana Lima (a socialite Laura Figueiredo), Caco Ciocler (delegado Santana), João Velho (Miéle), Rafael Sieg (Ronaldo Bôscoli), Lilian Menezes (Elis Regina) e Bruce Gomlevsky (contador Taviani). O filme aborda o período de quinze anos na vida do cantor Wilson Simonal, de 1960 a 1975, sua ascenção ao estrelato e sua queda após o problema que levou seu contador a ser torturado no DOPS. Simonal começou na vida artística participando de um grupo vocal que cantava rock. O produtor musical Carlos Imperial incentivou Simonal a seguir carreira solo. Arrebentou, principalmente depois de levado para algumas apresentações no Beco das Garrafas por Miele e Ronaldo Bôscoli. Logo estava na TV com programa próprio, arrasando no seu estilo swingado e malandro-chique. O filme acompanha sua carreira nos palcos e discos, o casamento com sua grande musa Tereza, o grande sucesso na TV e sua decadência após o episódio com o contador. Sem dúvida, Simonal era um grande artista, um cantor fenomenal e um showman capaz de entreter suas plateias por horas, além de uma voz poderosa. Como aconteceu uma vez no Maracanãzinho, quando Simonal fez 30 mil pessoas cantarem juntos seus maiores sucessos. E que trilha sonora: “Lobo Bobo”, Balanço Zona Sul”, “Meu Limão, meu Limoeiro”, “Mamãe Passou Açúcar em Mim”, “Sá Marina”, “País Tropical” e “Nem Vem que não Tem”. Só quem viveu aquela época sabe o que Simonal, com seu estilo marcante, significou para a música brasileira. O filme tem o mérito de acompanhar a carreira do grande cantor e apresentá-lo às novas gerações. Fabrício Boliveira e Ísis Valverde, o casal principal de protagonistas, estão muito bem em seus papeis – os dois já atuaram juntos em “Faroeste Caboclo”, de 2013. Resumo da ópera: um filme obrigatório para quem quer conhecer ou relembrar a história de vida daquele que foi um de nossos melhores cantores. Nessa linha de biografias de artistas nacionais consagrados, recomendo também os filmes sobre Cazuza, Tim Maia, Maysa, Chacrinha, Elis, Erasmo Carlos e Hebe. Quem será o próximo?       

  

Nem sempre um bom elenco é capaz de salvar um filme. É o caso do suspense “ARANHA NA TEIA” (“SPIDER IN THE WEB”), 2019, coprodução Israel/Inglaterra, 1h53m, direção de Eran Riklis, cineasta israelense dos excelentes “Lemon Tree" (2008) e “A Noiva da Síria” (2004). O roteiro é assinado por Gidon Maron e Emmanuel Naccache. Só para citar dois nomes do elenco de “Aranha na Teia”: o ator inglês Bem Kingsley e a atriz italiana Monica Bellucci, minha musa desde sempre e de milhões de outros cinéfilos. Pois bem, nem eles foram capazes de salvar esse abacaxi. Vamos à história – vou tentar explicar o que eu entendi. Aí eu pergunto: por que quase todo filme de espionagem é difícil de entender? O Mossad, serviço secreto de Israel, quer saber quem está fornecendo armas químicas para a Síria. Para essa missão, é escalado Adereth (Kingsley), um famoso espião em final de carreira. Como o Mossad deixou de confiar nele há tempos, o agente Daniel (Itay Tiran) ficou encarregado de vigiá-lo de perto. Aí entra em cena a personagem Angela (Monica Bellucci), que indica uma empresa localizada na Bélgica como fornecedora das tais armas químicas. Agentes do serviço secreto da Bélgica entram em ação, complicando ainda mais a situação. Para piorar, o roteiro ainda abre espaço para um romance forçado entre Abereth e Angela. Os dois não combinam nem um pouco, mesmo que tudo não passe de um jogo de interesses. Se fosse na vida real, Bellucci mataria Kingsley do coração na primeira noite... Você acompanha todo o enredo sem entender muito bem o que está acontecendo. E termina de assistir sem continuar entendendo. Fraquinho, fraquinho...       

O drama “JUDY – MUITO ALÉM DO ARCO-ÍRIS” (“Judy”), 2019, Inglaterra, 1h58m, direção de Rupert Goold, enfoca os dois últimos anos da atriz e cantora Judy Garland (1922-1969), uma grande estrela de Hollywood desde que atuou, ainda adolescente, no clássico “O Mágico de Oz”, um dos filmes de maior sucesso do cinema mundial. O roteiro de “Judy” foi escrito por Tom Edge, que se baseou no drama musical “O Fim do Arco-Íris” (“End of the Rainbow”), do dramaturgo Peter Quilter, encenada com grande sucesso na Broadway. No filme, Judy é interpretada de forma primorosa pela atriz Renée Zellweger, que conquistou, merecidamente, os prêmios de “Melhor Atriz” no Globo de Ouro e no Oscar 2020. Poucas vezes houve uma unanimidade tão grande nas premiações de Melhor Atriz - "Judy" também teve uma indicação para disputar o Oscar na categoria "Maquiagem e Penteados". O ano é 1968, Judy Garland está em fase decadente, sem dinheiro, afundada em dívidas e sem ter um lugar para morar com os dois filhos menores. Devido à sua situação financeira caótica, Judy aceita realizar uma série de shows na boate “Talk of the Town”, em Londres, onde ainda era adorada pelo público. Para isso, ela deixa seus dois filhos com Sidney Luft (Angus Sewell), pai das crianças e seu quarto marido.  O filme trata com maior destaque o tempo em que Judy passou em Londres, cantando para plateias seletas – a própria Renée Zellweger interpreta, com muita competência, as canções, o que deve ter sido um motivo a mais para tantas premiações. Longe dos filhos, porém, ela entra em depressão e se apega cada vez mais aos remédios e ao álcool, vícios aos quais se submetia há muitos anos e que a matariam pouco depois, com apenas 47 anos de idade. Nem o quinto casamento com o músico Mickey Deans (Finn Wittrock) foi capaz de tirar Judy da depressão. Ainda estão no elenco Jessie Buckley (a assistente de Judy em Londres), Darci Shaw (Judy jovem), Gemma-Leah Devereux (Liza Minelli), Richard Cordery (Louis B Mayer) e Gus Barry (Mickey Rooney). A opinião da maioria dos críticos não foi muito favorável ao filme, mas foram unânimes em destacar a atuação de Zellweger. Por ela, realmente vale a pena assistir. De qualquer forma, eu gostei muito do filme e não tenho dúvidas em recomendá-lo.       

“QUEEN MARIE OF ROMANIA” (“MARIA, REGINA ROMÂNIEI”), 2019, Romênia, 1h50m, primeiro longa-metragem dirigido pelo cineasta italiano Alexis Cahill, que também assina o roteiro juntamente com Gabi Antal, Brigitte Prodtloff, Maria-Denise Teodoru e Iona Manea. O filme é centrado na futura Rainha da Romênia (a bela e excelente atriz Roxana Lupu). Nascida Maria de Saxe-Coburgo-Gota, na Inglaterra, neta da Rainha Vitória e do czar Alexandre II, da Rússia, ela casou em 1893 com o príncipe herdeiro da monarquia romena, Fernando I (Daniel Plier). O filme enfoca os fatos históricos ocorridos após a Primeira Guerra Mundial, quando a Romênia, depois da invasão do exército alemão, estava totalmente destruída. A economia entrou em colapso e o povo passava fome. Lideranças políticas do país, chefiadas pelo primeiro-ministro Ion C. Bratianu (Adrian Titieni) tentavam, em Paris, durante as reuniões da famosa Conferência de Versalhes, a aprovação da unificação do país, retomando os territórios perdidos durante o conflito (Transilvânia, Bucovina e Bessarábia) e reivindicando a criação de um reino independente e soberano. Os políticos romenos não conseguiram avanços nas negociações e, como último recurso, apelaram para a dupla dos futuros monarcas. Fernando I era muito frouxo, incapaz de lidar com a classe política e com os próprios filhos e súditos. Depois de muita contestação dos políticos, a então princesa Maria conseguiu viajar para Paris e depois Londres, negociando com as mais altas autoridades dos aliados (França, Inglaterra e Estados Unidos). Com sua simpatia, personalidade e poder de persuasão, Maria conseguiu o apoio daqueles países para a causa romena e virou uma heroína para o povo romeno. Em 1922, Fernando e Maria seriam consagrados rei e rainha da Romênia, reinando até 1927, quando a monarquia foi extinta naquela país. Falado em romeno, inglês, francês e alemão, “Queen Marie of Romania” foi filmado em locações em Paris, Bucareste e Londres, apresentando cenários deslumbrantes e uma primorosa reconstituição de época.  Sem falar na maravilhosa atriz Roxana Lupu. Um filmaço histórico imperdível! 

“A HORA DO LOBO” (“THE WOLF HOUR”), 2019, Estados Unidos, 1h39m, segundo longa-metragem escrito e dirigido por Alistyair Banks Griffin. Trata-se de um suspense psicológico ambientado no verão de 1977 em Nova Iorque. A personagem central é a escritora June Engle (Naomi Watts), expoente da contracultura, que vive enclausurada num apartamento no Sul do Bronx, em meio a livros, papelada espalhada pelo chão e lixo de todo tipo. Sujeira generalizada. June é uma mulher atormentada, vivendo um período de depressão e pânico, não conseguindo colocar o pé para fora do apê. Nessa época, a cidade vive um período de extrema violência, com saques, atos de vandalismo e assassinatos – naquele ano, ficou famoso um serial killer denominado “O Filho de Sam”. Como se não bastasse, faz um calor infernal e a cidade vive sofrendo apagões diários. Seus únicos contatos com o mundo exterior acontecem quando olha pela janela as pessoas se digladiando ou quando recebe o entregador do mercado, um garoto de programa e um policial atendendo a uma queixa de June a respeito de gente que está tocando seu interfone sem parar. A única visita especial que recebeu por mais tempo foi Margot (Jennifer Ehle), não sei se irmã, parente ou amiga – o roteiro não esclarece, que tenta tirar June daquela situação. Enfim, “A Hora do Lobo” é um filme bastante angustiante, claustrofóbico, pesado, mas tem o trunfo de contar com a primorosa atuação de Naomi Watts. Não há muito mais motivos para justificar uma recomendação entusiasmada.    

“O GÂNGSTER, O POLICIAL E O DIABO” (“AKINJEON” no original, e “The Gangster, The Cop and The Devil” nos países de língua inglesa), 2019, Coreia do Sul, 1h50m, roteiro e direção de Won-Tae Lee (é o seu segundo longa-metragem). Quem tinha dúvidas sobre a qualidade do cinema sul-coreano deve tê-las descartado após o grande sucesso de “Parasita, maior vencedor do Oscar 2020. Eu já conhecia – e elogiava - o cinema daquele país há muito tempo, tendo visto ótimos filmes dos mais diferentes gêneros. Só para citar alguns: “OldBoy”, “A Criada”, “Mother – Em Busca pela Verdade”, “Pânico na Torre” e aquele que considero um dos melhores filmes de ação já realizados pelo cinema, “Onda de Choque”, de 2017, entre tantos outros. Agora, com este “O Gângster, o Policial e o Diabo”, o cinema sul-coreano reafirma sua qualidade também em filmes policiais. Trata-se de uma história baseada em fatos reais ocorridos em 2005 na capital Seul. Um misterioso serial-killer está matando pessoas com requintes de crueldade, sempre a facadas. Até que um dia ele bate na traseira de um veículo e sai para matar o seu motorista. Só que ele é um poderoso chefão da máfia local, especialista em artes marciais, e consegue escapar do criminoso. Mas jura vingança. A polícia de Seul também está atrás do serial killer. Numa inusitada e inimaginável combinação, a gangue chefiada pelo mafioso une-se à polícia para encontrar o psicopata. Essa união tem as suas contradições. Por exemplo, o chefão da máfia quer pegar o assassino para a seguir matá-lo, como manda a tradição, e a polícia, por seu lado, quer apenas prendê-lo e levá-lo a julgamento. Isso tudo em meio a muita ação e violência, pancadarias sanguinolentas, perseguições de carros e muito sangue jorrando. O ótimo ator Ma Dong-Seok está espetacular como o bandidão mafioso Jang Dong-Soo; o policial Jung Tae-Seok é interpretado por Kim Moo-Yeol; e, por fim, também com uma atuação destacada, o ator Kim Sung-Kyu, como o sanguinário psicopata Kang Kyungho, também conhecido como “K”. Resumo da ópera: um filme policial de muita qualidade.

“JOIAS BRUTAS” (“UNCUT GEMS”), 2019, EUA, produção e distribuição Netflix, 2h15m, roteiro e direção dos irmãos cineastas Josh e Benny Safdie (“Bom Comportamento”). A história é toda centrada no comerciante judeu Howard Ratner (Adam Sandler), dono de uma joalheria em Nova Iorque. Casado e com filhos, Howard mantém um apartamento para a sua amante Julia (Julia Fox), é viciado em apostas de jogos da NBA, faz trambiques falsificando joias e relógios de luxo, além de dever muito dinheiro a agiotas da pior espécie. Sua rotina é de um homem prestes a ter um ataque cardíaco ou um AVC. Numa tentativa de se salvar financeiramente, ele tenta encontrar uma saída ao importar, da Etiópia, uma pedra não lapidada repleta de minerais preciosos. Segundo Howard, trata-se de uma raridade ligada aos judeus etíopes. Verdade ou não, ele encontra um cliente muito interessado na pedra, o jogador de basquete, astro da NBA, Kevin Garnett (o filme é ambientado em 2012, quando Kevin ainda era uma estrela nas quadras; ao interpretar ele mesmo no filme, Garnett já estava aposentado). Ao invés de pagar suas dívidas, Howard aposta todo o dinheiro que consegue nos negócios, enquanto os agiotas o pressionam para pagar ou então sofrer as consequências. O filme segue num ritmo frenético e alucinante, num espiral crescente de tensão, com a câmera sempre em movimento, irrequieta e nervosa. O elenco conta ainda com Idina Menzel, Lakeith Stanfield, Mike Francesa, Judd Hirsch e Eric Bogosian. "Joias Brutas” recebeu muitos elogios da crítica especializada, que também consideraram um show a atuação de Adam Sandler. Para falar a verdade, o filme não me convenceu muito, mas admito que Sandler está ótimo. De qualquer forma, "Joias Brutas" vale a pena pelo modo com que os irmãos Safdie o realizaram. Sem dúvida, um filme inovador. .        

“MIDWAY – BATALHA EM ALTO-MAR” (“MIDWAY”), 2019, Estados Unidos, 2h19m, direção do cineasta alemão Roland Emmerich, seguindo roteiro de Wes Tooke. Quem conhece um pouco da história da Segunda Guerra Mundial sabe que foi nas Ilhas Midway, no Pacífico, no dia 4 de julho de 1942, que as forças norte-americanas enfrentaram a Marinha Imperial Japonesa, revidando com sucesso o ataque a Pearl Harbor, seis meses antes. O filme destaca o trabalho de bastidores da inteligência norte-americana, que conseguiu codificar mensagens que forneceram a localização da frota japonesa. As cenas de batalhas aéreas e navais são de tirar de fôlego, num ritmo frenético que vai do início ao fim. Ao contrário de “Midway – A Batalha do Pacífico”, de 1976, o atual “Midway – Batalha em Alto-Mar” utiliza efeitos especiais espetaculares e, em algumas cenas, parece que você está ali no meio da batalha. O elenco é de primeira: Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, Dennis Quaid, Aaron Eckhart, Mandy Moore, Nick Jonas, Alexander Ludwig e Tadanobu Asano. O diretor alemão Roland Emmerich justificou plenamente a sua fama de dirigir bons filmes de ação, como “Godzila”, “Independence Day”, “O Dia Depois de Amanhã” e “O Patriota”. Embora os críticos tenham malhado o seu “Midway”, elogiando apenas as cenas de batalha, achei o filme muito bem feito, repleto de ação, um ótimo programa para uma sessão da tarde com pipoca.       

“UMA VIDA OCULTA” (“A HIDDEN LIFE”), 2019, coprodução Alemanha/EUA, roteiro e direção de Terrence Malick, 3 horas de duração. Finalmente o polêmico e excêntrico cineasta norte-americano oferece talvez sua obra mais acessível. Da mesma forma que realizou filmes como “A Árvore da Vida”, “De Canção em Canção”, “Cavaleiro de Copas” e “Amor Pleno”, obras de cunho existencialista com fundo religioso, em “Uma Vida Oculta” Malick mantém seu estilo inconfundível de filmar paisagens da natureza como céu com nuvens, correntezas de rios, florestas e planícies verdejantes, usando e abusando de lente grande angular para ampliar os cenários. Sem falar na trilha sonora clássica e nas locuções em off, com reflexões filosóficas e religiosas, em sua maioria entediantes e com a profundidade de um pires. A história de “Uma Vida Oculta”, inspirada em fatos reais, é ambientada na Áustria bem no início da Segunda Guerra Mundial, em 1939, logo após a invasão do país pelo exército nazista. Franz Jägerstätter (August Diehl), um fazendeiro da região de Santa Radegunda, interior austríaco, assim como milhares de cidadãos do seu país, é convocado para lutar pelo exército alemão. Sua recusa, por não acreditar nos ideais de Hitler, vira um caso de traição. Ele é preso e condenado à morte. Até o final ele mantém sua posição, para desespero de seus amigos. Franziska (Valerie Pachner), sua esposa, mesmo aflita com o desenrolar dos acontecimentos, aceita a posição do marido e enfrenta a situação com altivez. O cenário onde fica a fazenda de Franz lembra muito aquele em que Julie Andrews canta e dança com os filhos do Capitão Von Trapp em “A Noviça Rebelde” (1965). Em algumas ocasiões achei que a própria Julie Andrews de repente surgiria em cena. Embora o elenco seja em sua maioria constituído por atores alemães e austríacos, o filme é quase todo falado em inglês e um pouco de alemão. O elenco é ótimo: além de Diehl e Pachner, os mais conhecidos são Matthias Schoenaerts, Alexander Fehling, Michael Nyqvist, Bruno Ganz, Johannes Krisch, Karl Markovics, Tobias Moretti, Ulrich Matthes e Maria Simon. Uma curiosidade que a maioria dos críticos deixou passar: “Uma Vida Oculta” foi o último filme de dois grandes atores, o suíço Bruno Ganz e o sueco Michael Nyqvist, falecidos logo depois do fim das filmagens. O filme estreou no 72º Festival Internacional de Cinema de Cannes, em maio de 2019, e também foi exibido por aqui durante a programação do Festival Internacional de Cinema do Rio, em dezembro de 2019.     

“UMA MULHER ALTA” (“DYLDA”), 2019, Rússia, 2h19m, terceiro longa-metragem escrito e dirigido pelo jovem cineasta Kantemir Balagov, de apenas 28 anos. Inspirada no livro “A Guerra não tem Rosto de Mulher” (1983), escrito por Svetlana Aleksiévitch (Prêmio Nobel de Literatura em 2015), “Uma Mulher Alta” retrata os acontecimentos pós-Segunda Guerra Mundial em Leningrado, que se transformou num cenário de miséria, fome e destruição, onde os moradores sobreviventes andam como zumbis em meio aos destroços. Nesse contexto de colapso social, a trama é concentrada em duas amigas ex-combatentes: Íya (Viktoria Miroshnichenko) e Masha (Vasilisa Perelygina). Também chamada de “Varapau” pela sua altura, Íya voltou antes do front e assumiu a responsabilidade de cuidar do filho de Masha. Ambas voltariam a se encontrar trabalhando como enfermeiras num hospital militar repleto de soldados feridos. Juntas, Íya e Masha tentarão sobreviver aos traumas de guerra, à fome e à falta de perspectivas, além de um fato trágico envolvendo o filho de Masha. Uma se agarrará à outra para enfrentar as dificuldades. Interessante que as duas protagonistas principais são atrizes estreantes, mas nem por isso deixam de ter uma atuação magistral. O diretor Balagov utiliza tons saturados de vermelho e verde, o que lembra, em menor proporção, os filmes do diretor espanhol Pedro Almodovar. Selecionado para representar a Rússia na disputa do Oscar 2020 na categoria “Filme Internacional” (eu preferia como era, “Filme Estrangeiro”), “Uma Mulher Alta” não ficou entre os cinco finalistas, o que achei uma grande injustiça. Antes, o filme recebeu o prêmio de crítica internacional e de direção na mostra “Um Certo Olhar”, no Festival de Cannes. Por aqui, foi exibido durante a programação oficial do 21º Festival do Rio, em dezembro de 2019. Sem dúvida, um grande filme. Imperdível!

Desde que a vi em “A Insustentável Leveza do Ser”, em 1988, e depois, nos anos 90, na famosa trilogia do diretor polonês Krzysztof Kieslowski (“A Liberdade é Azul”, A Igualdade é Branca” e “A Fraternidade é Vermelha”, jamais deixei de assistir a um filme com a  francesa Juliette Binoche. E foram muitos, incluindo “O Paciente Inglês” etc. Um de seus filmes mais recentes é “QUEM VOCÊ PENSA QUE SOU” (“CELLE QUE VOUS CROYEZ”), 2019, França, 1h41m, roteiro e direção de Safy Nebbou. Binoche é Claire Millaud, uma professora universitária divorciada, com dois filhos, que procura fugir da solidão com namorados mais jovens. O último deles é Ludo (Guillaume Gouix), que de repente resolve terminar a relação humilhando Claire. Ela resolve se vingar entrando num site de relacionamentos com o nome de Clara, utilizando as fotos de uma sobrinha linda de 24 anos de idade. A isca foi lançada e Claire pesca justamente quem queria: Alex (François Civil), o melhor amigo de Ludo. A história vai se desenrolando paralelamente às sessões de Claire com a psicanalista Catherine Bormans (Nicole Garcia). O diretor Safy Nebbou insiste em manipular o enredo com algumas dúvidas para o espectador. Por exemplo, se o que está acontecendo é na vida real ou virtual. A complexidade da trama também está no fato de que Claire está escrevendo um livro cujo conteúdo sugere muitas semelhanças com o que está acontecendo no filme. Enfim, um “filme cabeça” não indicado para quem curte “Capitão América” e assemelhados. E com uma vantagem especial: a presença de Juliette Binochet em mais uma atuação impecável. “Quem Você Pensa que Sou” estreou no 69º Festival Internacional de Berlim em fevereiro de 2019 e foi exibido por aqui, antes de entrar no circuito comercial, durante a programação do Festival Varilux de Cinema Francês, em junho de 2019.

JOJO RABBIT”, 2019, Estados Unidos, 1h48m, roteiro e direção do neozelandês Taika Waititi (que também atua no filme). Indicado para disputar o Oscar 2020 em seis categorias, inclusive de Melhor Filme, “Jojo Rabbit” ganhou apenas uma estatueta como Melhor Roteiro Adaptado – do romance “Caging Skies”, da escritora neozelandesa Christina Leunens, lançado em 2004. Realmente, o roteiro é primoroso, criativo, que soube criar situações de bom humor num contexto trágico – a Segunda Guerra Mundial. A história é toda centrada num garoto de 10 anos, Jojo Betzler (o estreante Roman Griffin Davis), admirador do nazismo e de Adolph Hitler. Seu sonho é ingressar na Juventude Hitlerista. A situação começa a mudar quando ele descobre que a mãe Rosie Betzler (Scarlett Johansson) esconde uma garota judia (Thomasin McKenzie) no armário, uma evidente referência a Anne Frank. Jojo fica sabendo ainda que a mãe é uma antinazista convicta e que, por isso, sofrerá uma trágica consequência. A simpatia de Jojo pelo nazismo é incentivada por seu amigo imaginário, o próprio Adolph Hitler (papel do diretor), em aparições hilariantes. O filme já começa de modo surpreendente, associando o histerismo dos alemães diante dos discursos de Hitler com o histerismo das fãs que iam aos concertos dos The Beatles. Uma sacada genial. Tudo funciona muito bem, mas o grande trunfo do filme é realmente a atuação do estreante ator britânico Roman Griffin Davis como Jojo. Ele domina o filme de cabo a rabo. Outro protagonista que dá um show é o gordinho York (Archie Yates), responsável pelas cenas mais engraçadas. O elenco conta ainda com Sam Rockweel, Rebel Wilson e Stephen Merchant. O filme estreou durante o 44º Festival de Cinema de Toronto, arrancando elogios entusiasmados dos críticos e do público. Eu também gostei, achei o filme genial, interessante e muito criativo. Imperdível!    

“PARTIDA FRIA” (“THE COLDEST GAME”), 2019, Polônia, produção da Netflix (estreou dia 8 de fevereiro de 2020), 1h40m, roteiro e direção de Lukasz Kosmicki – é o seu primeiro longa-metragem; eu seu país, Kosmicki é mais conhecido como diretor de séries televisivas. O pano de fundo da história é a crise dos mísseis em Cuba, em 1962, no auge da guerra fria que colocou em cada lado do ringue mundial os EUA e a União Soviética. Nesse contexto, o professor norte-americano de matemática Joshua Mansky (Bill Pullman), um gênio no xadrez, é cooptado – “obrigado” seria a palavra mais correta – pela CIA para disputar uma série de partidas com o campeão russo Gavrylow em Varsóvia. O objetivo da inteligência norte-americana é utilizar Mansky para tentar identificar um espião russo de codinome Gift, capaz de confirmar se os russos têm ogivas nucleares em Cuba. Só que a turma da KGB, chefiada pelo General Krutov (Aleksey Serebryakov), descobre a intenção dos norte-americanos e parte para o ataque, implementando ações que podem colocar em perigo a vida de Mansky. Como quase todo filme de espionagem, o roteiro demora a engrenar, ou seja, esclarecer o que está acontecendo, dificultando o entendimento por parte do espectador. O filme é todo falado em inglês, com alguns diálogos em polonês e russo. Também estão no elenco a atriz holandesa Lotte Verbeek e os atores James Bloor e Robert Wieckicewicz, este último do polonês “Clero”. Como informação adicional, este foi o último filme produzido por Piotr Wozniak-Starak, que morreu antes da exibição de estreia. Resumo da ópera: indicado apenas para aqueles que curtem filmes de espionagem.    

“ELISA E MARCELA”, 2019, roteiro e direção de Isabel Coixet, 1h58m, roteiro e direção de Isabel Coixet. Produção espanhola da Netflix, cuja primeira exibição ocorreu em fevereiro de 2019 no Festival de Cinema de Berlim e lançada em maio no circuito comercial da Espanha. A história é verídica, baseada em acontecimentos ocorridos entre o fim do século 19 e começo do 20. Para escrever o roteiro, Coixet se baseou no livro biográfico “Elisa e Marcela – Más Allá de Los Hombres” (“Elisa e Marcela – Além dos Homens”, escrito por Narciso de Gabriel. Elisa Sanchez Loriga (Natalia de Molina) e Marcela Gracia Ibeas (Greta Fernández) se conhecem ainda jovens quando cursavam a Escola de Formação de Professores e o amor foi à primeira vista. Daí para a cama foi um passo. Em 1901, elas resolveram se casar e, para isso, Elisa se travestiu de homem, intitulando-se Mario e utilizando os documentos de um tio falecido. Casaram-se na Igreja de San Jorge, na região de Coruña, na Galícia. Embora o padre tenha sido enganado, o casamento foi legalmente oficial, tendo sido considerado mais tarde a primeira união homossexual da Europa. Não demora muito para que a verdadeira identidade de Mario seja revelada, culminando com a prisão das duas amantes, que depois são obrigadas a fugir para Portugal e depois para a Argentina. Rodado em preto e branco, o filme contém cenas ardentes de sexo entre as protagonistas, mas sem chocar, tudo filmado com bom gosto erótico e nada explícito. Como aval de qualidade, lembro que a roteirista e diretora espanhola Isabel Coixet tem no currículo alguns bons filmes, como “Minha Vida Sem Mim”, “Confissões de um Apaixonado” e “A Vida Secreta das Palavras”. A bela e excelente atriz Natalia de Molina eu já conhecia de outros filmes. Recomendo!    

“CLERO” (“KLER”), 2018, Polônia, 2h13m, roteiro e direção de Wojciech Smarzowski (“Wolyn”). Inacreditável que um filme tão bom não tenha sido exibido por aqui. Trata-se de um drama com uma contundente, corrosiva e impiedosa crítica à Igreja Católica, em especial aos padres poloneses. A história é centrada em três padres pilantras ao extremo. Um é pedófilo, abusa sexualmente de um menino órfão cego. O outro é alcoólatra e tem amante e filho; o terceiro faz negociatas com licitações de obras das igrejas, trabalhando em favor de um mafioso. Além dos pecados citados, os três têm em comum também rotineiras bebedeiras homéricas, nas quais a vodka é ingerida como água - não a santa. As maracutaias também envolvem o arcebispo da Cracóvia, cidade ao sul da Polônia. Enfim, mais uma cutucada – eu diria um violento chute - nas feridas da Igreja Católica, com ênfase na pedofilia – no filme, o diretor Smarzowski coloca várias pessoas que foram abusadas por padres poloneses dando os seus dramáticos depoimentos, numa sequência de cenas bastante chocantes.  Quando estreou na Polônia, um país onde 85% da população é católica, o filme causou grande impacto e repercussão, levando às salas de cinema mais de um milhão de espectadores nas primeiras semanas de exibição, batendo recordes de bilheteria, assim como aconteceu na Islândia, Noruega e Irlanda. Infelizmente, não foi exibido por aqui. Alguém sabe por quê? Pela sua abordagem denunciando os podres da Igreja e dos padres poloneses, o filme chocou políticos conservadores daquele país e levou o vice-ministro da Cultura a afirmar que “Kler” utilizou “estereótipos negativos” e tratou a Igreja Católica injustamente. Do ótimo elenco, conhecia apenas dois atores: Arkadiusz Jakubik (“Noite Silenciosa”, I’m a Killer” e “A Arte de Amar”) e a bela Joanna Kulig (“Guerra Fria” e “Agnus Dei”). IMPERDÍVEL com maiúscula!      

“UM LINDO DIA NA VIZINHANÇA” (”A BEAUTIFUL DAY IN THE NEIGHBORHOOD”), 2019, EUA, direção de Marielle Heller e roteiro escrito por Micah Fitzerman-Blue e Noah Harpster. Sabe aqueles filmes bonitinhos e inocentes da Disney feitos para exibição numa sessão da tarde com a família reunida, suco e pipoca? Não achei uma introdução melhor para definir meu sentimento com relação a “Um Lindo Dia na Vizinhança”. A história relembra um fato acontecido em 1998. O jornalista investigativo Tom Junod foi encarregado pela Revista Esquire de escrever um perfil de Fred Rogers, apresentador do programa infanto-juvenil "Mister Rogers' Neighborhood", de grande audiência na TV dos EUA desde a década de 60. Para escrever o roteiro, Micah e Noah se basearam no próprio artigo de Tom Junod e no livro biográfico escrito por Rogers. No filme, o jornalista recebeu o nome de Lloyd Vogel (Matthew Rhys) e Fred Rogers é interpretado por Tom Hanks. Na verdade, embora o pano de fundo seja Rogers, o personagem principal é o jornalista, casado com Andrea Vogel (Susan Kelechi Watson), com quem tem um filho, e seus problemas com o pai Jerry Vogel (Chris Cooper, ótimo como sempre), a quem acusa de ser, indiretamente, responsável pela morte da mãe. Enfim, Tom Hanks é o coadjuvante da história, sendo indicado como tal para disputar o Oscar 2020, tendo perdido para Brad Pitt. O filme tem um tom pedagógico e educativo,  mensagens positivas - "o mundo é colorido" e outras banalidades -, parecendo mais uma sessão de terapia em grupo para crianças e adolescentes. Um blá-blá-blá entediante, com lições de moral que mais parecem um programa de autoajuda. Nem o carisma de Tom Hanks consegue salvar “Um Lindo Dia na Vizinhança”, bobinho como o próprio título. No Brasil, o filme, já lançado no circuito comercial, foi exibido pela primeira vez durante a programação do 21º Festival Internacional de Cinema do Rio de Janeiro, em dezembro de 2019. Em seus comentários, os críticos profissionais, em geral, tentaram amenizar a chatice do filme, talvez em respeito a Tom Hanks. Mas o filme é chato mesmo.       

“MISSÃO DE HONRA” (“303: Bitwa Anglie”, título original em polonês; filme ganhou dois nomes nos países de língua inglesa: “Hurricane: 303 Squadron” e “Mission of Honor”), 2018, coprodução Polônia/Inglaterra, 2h3m, direção de David Blair e roteiro de Robert Ryan. Mais uma história da fonte inesgotável de histórias da Segunda Guerra Mundial. A não ser aqueles que estudaram a fundo aquele conflito, poucos por aqui conheceram a heroica participação de pilotos de caça poloneses lutando pela Inglaterra contra os ataques aéreos alemães contra Londres e outras cidades. Depois de lutarem contra os nazistas durante anos em seu país, eles foram para a Inglaterra reforçar o contingente da RAF (Royal Air Force). Eles integraram o famoso Esquadrão 303 da RAF, comandado pelo oficial John Kent “Kentowski” (Milo Gibson, filho do Mel). Em suas inúmeras missões, os habilidosos e corajosos aviadores poloneses derrubaram centenas de aviões de combate da Luftwaffe, a força aérea alemã. Além de enaltecer os seus fatos heroicos, o filme também mostra os poloneses como um grupo irresponsável na rotina do quartel, dado a bebedeiras homéricas e brigas na base de socos. O filme mostra dezenas de cenas de combates aéreos emocionantes e de muita tensão. Os pilotos poloneses foram considerados pelos ingleses e países aliados, como verdadeiros heróis de guerra, o que não aconteceu quando voltaram para a Polônia depois do final do conflito. Além de Milo Gibson, estão no elenco Iwan Rheon, Marcin Dorocinski e Stefanie Martini. Um filme obrigatório para quem gosta de relembrar ou ficar por dentro de fatos históricos.  

“CAVALOS ROUBADOS” (“UT OG STAELE HESTER”), 2019, coprodução Noruega/Dinamarca/Suécia, 2h3m, direção de Hans Petter Moland (“O Cidadão do Ano”), que também escreveu o roteiro baseado no romance escrito por Per Petterson. A história é ambientada em 1999 e toda ela centrada em Trond (Stellan Skarsgard), um homem de 67 anos que vive amargurado desde a morte da esposa num acidente de carro do qual ele era o motorista. Trond resolve voltar ao vilarejo onde viveu desde que nasceu e se isolar numa cabana, tendo ao seu lado apenas o cachorro de estimação. Tudo parecia ir bem até Tronde encontrar com Lars Haug (Bjorn Floberg), antigo morador do vilarejo que quando era criança participou diretamente de um evento trágico. As conversas com Lars fizeram com que Trond comece a remoer o passado, especificamente o verão de 1948, quando tinha 15 anos (papel do jovem Jon Ranes). As recordações não são muito boas, pois envolvem o período em que Trond foi abandonado pelo pai (Tobias Santalemann). Trond relembra também sua paixão frustrada por uma mulher casada e bem mais velha (Danica Cursic). Tudo isso em longos flashbacks e a narração do próprio Trond. O drama é muito bem feito, cenários deslumbrantes da Natureza, valorizados pela fotografia de Rasmus Videbaek, premiada na 69ª edição do Festival de Cinema de Berlim, em fevereiro de 2019, onde o filme fez sua estreia mundial. “Cavalos Roubados” também foi exibido por aqui durante a programação da 43ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. O filme representou a Noruega na disputa do Oscar 2020 de Melhor Filme Estrangeiro. Cinema da melhor qualidade!          

“O RELATÓRIO (“THE REPORT”), 2019, Estados Unidos, 1h59m, roteiro e direção de Scott Z. Burnes – mais conhecidos como diretor de curtas e séries televisivas, este é o seu segundo lonta-metragem. Muito bom, aliás, principalmente pela história ser baseada em fatos. Em 2007, o senado norte-americano criou uma comissão para investigar as denúncias de que o pessoal da CIA, depois dos atentados de 11 de setembro de 2001, submeteu prisioneiros suspeitos, principalmente muçulmanos, a violentas torturas, prática condenada pelo governo norte-americano. A comissão de investigação foi comandada pela senadora Diane Feinstein (Annette Bening), que nomeou o agente Daniel Jones (Adam Driver) para chefiar os trabalhos. Durante cinco anos, Daniel e sua reduzida equipe, mesmo com a falta de colaboração da CIA, conseguiu elaborar um relatório de 700 páginas comprovando que as denúncias estavam corretas. Descobriu também que as fitas e vídeos dos interrogatórios e relatos de técnicas de tortura foram destruídos. Para isso, contou com a ajuda de um repórter do Jornal New York Times e de pessoas que testemunhas que presenciaram ou participaram dos interrogatórios. Mesmo com os protestos da CIA, o relatório foi divulgado pela senadora e causou grande repercussão na mídia. Embora verborrágico demais – não dá para piscar nas legendas -, o filme tem como principal trunfo manter uma tensão angustiante até o desfecho. O elenco conta ainda com Joh Hamm, Sarah Goldberg e Maura Tierney. E, mais uma vez, com uma brilhante atuação, Adam Driver prova por que é hoje um dos atores mais requisitados por Hollywood. Depois de estrear no Festival de Cinema de Toronto, em setembro de 2019, “O Relatório” foi exibido por aqui durante a programação da 43ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, em outubro.           

“QUEM COM FERRO FERE” (“QUIEN A HIERRO MATA”), 2019, Espanha, produção Netflix, 1h42m, direção de Paco Plaza, com roteiro de Juan Galiñanes e Jorge Guerricaechevarría. Fiquei na dúvida se assistia ou não este suspense espanhol, principalmente por causa desse título horroroso em português. Pensei: lá vem mais uma bomba! O que me motivou a assisti-lo ir foi a presença de Luis Tosar, um ator espanhol que admiro há anos, com atuações em bons filmes como “Cela 211”, “Enquanto Você Dorme” e “Segunda-Feira ao Sol”, entre tantos outros. Pois “Quem Com Ferro Fere” é ótimo, com mais uma excelente atuação de Tosar. Ele faz o personagem principal, Mario, enfermeiro-chefe de uma clínica residencial médica para idosos. Certo dia, chega para ser internado Antonio Padín (Xan Cejudo), um veterano e poderoso traficante de drogas que cumpria pena em regime fechado. Porém, com sua saúde bastante debilitada, a justiça resolveu liberá-lo para ser internado na tal clínica. A chegada de Padín traz uma recordação dolorosa para Mario. Há muitos anos, Mario perdeu seu irmão mais moço em consequência de uma overdose, justamente com a droga fornecida pelo cartel de Padín. Enquanto planeja uma vingança sem deixar rastros, Mario tem de conviver com as ameaças dos dois filhos malucos do velho, Kike (Enric Auquer) e Toño (Ismael Martínez), que poderão atingir sua esposa Ana (María Luisa Mayol, mulher de Tosar na vida real), que está prestes a ter nenê. O suspense vai aumentando cada vez mais, culminando com um desfecho trágico e surpreendente. O filme é muito bom e merece ser conferido. Por suas atuações neste filme, o Festival Goya 2020 (o Oscar espanhol) premiou Luis Tosar como Melhor Ator e Enric Auquer como Melhor Ator Revelação.          

“DOIS PAPAS” (“The Two Popes”), 2019, produção Netflix, 2h06m, direção do brasileiro Fernando Meirelles e roteiro de Anthony McCarten. O filme é ficcional e centrado na relação entre o então cardeal argentino Jorge Bergoglio (Jonathan Pryce) e o Papa Bento XVI (Anthony Hopkins), cujas divergências dão margem a primorosos diálogos, misturando seriedade, erudição e um fino bom humor. Bergoglio era favorável às reformas na Igreja, enquanto o Papa Bento XIV, desde quando era o cardeal alemão Joseph Ratzinger, era contra qualquer mudança. Durante a gestão de Bento XVI, Bergoglio, por não concordar com a forma com que o papa alemão conduzia a Igreja, resolveu pedir aposentadoria. Foi o que levou o cardeal argentino para Roma conversar com Bento XVI. Daí as conversas que dão um toque especial ao filme. Um verdadeiro e saboroso duelo verbal. Ao mesmo tempo, em flashbacks, o filme relembra a trajetória de Bergoglio desde sua juventude até a decisão de se tornar padre, atuando nos bairros pobres da periferia de Buenos Aires, que nunca abandonou mesmo depois de se tornar cardeal. O roteiro escrito pelo neozelandês Anthony McCarten, é um primor. Para escrevê-lo, ele se baseou em reportagens, entrevistas e depoimentos de gente ligada ao Vaticano. Como roteirista, McCarten já era respeitado pelos filmes “O destino de Uma Nação”, “A Teoria de Tudo” e “Bohemian Rhapsody”. “Dois Papas” voltou a reunir Fernando Meirelles e o ator Anthony Hopkins. Meirelles dirigiu Hopkins em “360”, de 2011. Depois de se consagrar com o nacional “Cidade de Deus”, de 2002, Meirelles dirigiu, em 2005, o elogiado “O Jardineiro Fiel”, seu primeiro filme em língua inglesa. Ou seja, com a dupla Meirelles/McCarten, “Dois Papas” só poderia dar certo. Como realmente deu. “Dois Papas” foi indicado ao Oscar 2020 em três categorias: Melhor Ator (Jonathan Pryce), Melhor Ator Coadjuvante (Anthony Hopkins) e Melhor Roteiro Adaptado. Saiu de mãos abanando, mas é um ótimo filme. Imperdível!   

Indicado para disputar o Oscar 2020 em três categorias (Melhor Filme, Melhor Edição de Som e Mixagem de Som), “FORD VS. FERRARI” corre por fora para Melhor Filme, ou seja, um azarão para concorrer com filmaços como “O Irlandês”, “Coringa”, “1917” e “Era Uma Vez... em Hollywood”. Em todo caso, vamos aguardar o veredito da Academia – estou escrevendo este comentário poucas horas antes da cerimônia do Oscar. “Ford vs. Ferrari”, 2019, Estados Unidos, 2h33m, foi dirigido por James Mangold, com roteiro de Jez Butterworth, John-Henry e Jason Keller. A história é real e relembra os acontecimentos da década de 60 envolvendo a Ford Motor Company e a italiana Ferrari. Em 1963, numa reunião dos mais altos executivos da Ford com o chefão Henry Ford II (Tracy Letts), chegou-se à conclusão de que a empresa deveria se modernizar, ganhar visibilidade, por exemplo, disputando as corridas de automobilismo. Foi citado o caso da Ferrari, marca que ficou famosa a partir das vitórias nas pistas. Para entrar no jogo, Henry Ford II tentou até comprar a Ferrari, enviando para a Itália o seu diretor Lee Iacocca (Jon Bernthal) para negociar com o próprio comendador Enzo Ferrari. Não deu certo, e Ford acabou liberando a contratação de uma equipe para projetar um carro de corrida próprio. A equipe era comandada pelo ex-piloto e projetista Carroll Shelby), que escolheu como piloto oficial Ken Miles (Christian Bale), também um conhecedor profundo da mecânica dos carros de corrida. O principal objetivo de Henry Ford II seria desbancar a supremacia da Ferrari na famosa “24 Horas de Le Mans”, na França, competição vencida pela marca italiana há vários anos. Depois de vencer o Grande Prêmio de Daytona (EUA) e provar que poderia enfrentar a Ferrari, o pessoal da Ford decidiu disputar Le Mans em 1966. Shelby também ficou famoso por ter projetado para a Ford os modelos Shelby Cobra, Shelby Daytona e Mustang Shelby, que fizeram grande sucesso nas pistas. O filme tem cenas de corrida bastante empolgantes, que garantem muita emoção até o final. Para os fãs do automobilismo, “Ford vs. Ferrari” é um programão. Mesmo quem não curte também vai gostar.