“SOB O DOMÍNIO DO MAL” (“The Manchurian Candidate”), 2004, é um suspense baseado no livro homônimo escrito em 1959 por Richard Condon. O enredo é meio fantasioso, meio ficção científica. Meio complicado também. Nesta segunda adaptação para o cinema – a primeira foi em 1962 – a história tem como protagonista principal o capitão Ben Marco (Denzel Wahington), que comandava um pelotão no Iraque durante a Guerra do Golfo. Um dos integrantes do grupo era o soldado Raymond Shaw (Liv Schreiber), aclamado e condecorado como herói de guerra por ter salvo o pelotão de um massacre. Treze anos se passam e um dos soldados do grupo entra em contato com o capitão Ben Marco afirmando que está tendo alguns pesadelos nos quais aparecem imagens e situações que contrariam a versão oficial sobre o ato de coragem do soldado Shaw, que é filho da poderosa senadora Prentiss Shaw (Meryl Streep) e candidato à vice-presidência dos EUA. O capitão também tem os mesmos pesadelos. Depois de achar um microchip implantado em suas costas, o capitão Ben Marco passa a acreditar que ele e seus soldados sofreram um tipo de lavagem cerebral. Aí a confusão se estabelece, inclusive na cabeça do espectador, graças à complexidade do roteiro. Além da câmera nervosa, todos os personagens se comportam no limite do histerismo e da neurose, o que incrementa ainda mais o clima de um verdadeiro thriller. O diretor é Jonathan Demme (“O Silêncio dos Inocentes”, “Filadélfia”) e o elenco ainda conta com John Voight (o pai de Angelina Jolie), Vera Farmiga e Bruno Ganz. Não deixa de ser um filme bastante  interessante, mas, repito, um tanto confuso.                             

“CURVAS” (“Bends”), 2012, é um filme de Hong Kong dirigido por Flora Lau. Ganhou destaque por ter sido selecionado para a Mostra “Um Certain Regard” do Festival de Cannes 2013. A começar pelo fato de ser asiático, é o tipo de filme que os críticos profissionais adoram: é lento, tem poucos diálogos e não explica muito. A história é centrada no jovem Fai (Kun Chen), motorista particular de uma madame da alta sociedade de Hong Kong, Anna (a ótima Carina Lau). Ao mesmo tempo em que acompanha, silenciosamente, a decadência da patroa, Fai vive o dilema de conseguir uma vaga num hospital em Hong Kong para sua esposa ter o segundo filho e fugir da multa imposta, nesses casos, pela China – Fai e a esposa moram em Shenzhen, na China, próximo à fronteira com a ex-colônia inglesa. O grande destaque do filme é, sem dúvida, a atriz Carina Lau, estupenda no papel da madame falida. Sua interpretação é soberba quando tem de manter a pose de madame sem transparecer que está totalmente falida, pois seu marido, ao sumir do mapa, cortou seus cartões de crédito. Anna é obrigada a vender suas valiosas obras de arte. Nega-se, porém, a deixar de lado o status de seu luxuoso veículo e o motorista particular (Fai), única pessoa, aliás, à qual Anna mostra um pouco de humildade e seu verdadeiro sentimento de derrota. Não deixa de ser um filme interessante, principalmente para aqueles que curtem o gênero “Cinema de Arte”.                      

 

“QUANDO EU TE VI” (“Lamma Shoftak”), 2012, foi o candidato oficial da Palestina na disputa do Oscar 2013 de Melhor Filme Estrangeiro. Trata-se de um drama bastante tocante, principalmente porque o protagonista principal é um garoto de 11 anos de idade, Tarek (Mahmoud Asfa). Ele mora com a mãe Guaydaa (Ruba Blal) no campo de refugiados palestinos de Harir, na Jordânia. Ambientado em 1967, durante o conflito entre árabes e israelenses, o filme mostra o dia-a-dia de Tarek e de sua mãe, ao mesmo tempo em que retrata, de forma quase documental, as condições enfrentadas por quem vive confinado num campo de refugiados. Tarek diz toda hora à mãe que se sente “sufocado” e quer ter a liberdade de retornar à Palestina para reencontrar o pai, que provavelmente está na zona de combate. Não dá outra: para desespero da mãe, o garoto foge do acampamento. No meio do caminho, encontra um campo de treinamento militar dos “fedayins” (guerrilheiros ou, para Israel, terroristas). Tarek ganha a simpatia do pessoal e acaba participando também dos treinamentos. Embora plenamente integrado ao grupo, Tarek continua desejando voltar à Palestina. E não descansará até alcançar esse objetivo. O filme é dirigido pela palestina Annemarie Jacir (do elogiado “Sal deste Mar”), que conseguiu transformar um enredo potencialmente dramático e pesado, num filme bastante sensível e agradável. Grande parte desse mérito cabe, sem dúvida, à irreverência e simpatia do garoto.               

“JERSEY BOYS”, 2014. O novo filme dirigido por Clint Eastwood conta a história de um dos grupos vocais de maior sucesso nos EUA, e no mundo, nas décadas de 50 e 60: “The Four Seasons”. O grupo, inicialmente um trio (The Variety Trio), fundado em 1951 por Tommy DeVitto (Vincent Piazza), tocava e cantava em espeluncas. Nas horas vagas, seus integrantes praticavam assaltos em New Jersey, fato que originou o título do filme. Com a entrada de Frankie Valli (John Lloyd Young), um talento vocal incomum, a banda passou a se chamar “The Four Lovers” e, logo depois, “The Four Seasons”. As músicas eram compostas por Bob Gaudio (Erich Bergen), o mais novo integrante da banda. A trajetória do grupo, como mostra o filme de Eastwood, é repleta de desentendimentos, traições, egos inflados, ligações com a Máfia, conflitos conjugais e muitas atitudes irresponsáveis, principalmente por parte de Tommy DeVitto. Eastwood recheia o filme de números musicais, com o grupo sempre no palco ou em estúdio cantando hits como “Sherry”, “Big Girls Don’t Cry”, “Walk Like a Man”, "Can't Take my Eyes off You" e tantos outros. Com exceção de Christopher Walken (ótimo como sempre), que faz o papel do mafioso Angelo “Gip” DeCarlo, todos os atores principais são os mesmos que participaram do musical homônimo que ficou em cartaz durante anos na Broadway e no qual se baseou o filme. Se a trilha musical dos “The Four Seasons” já é uma delícia, principalmente para quem tem mais de 60, o desfecho reservou uma cena que é a verdadeira cereja no bolo: todo o elenco cantando e dançando na rua o hit “Eapon of Choice”, de Fatboy Slim. Quem sabe uma homenagem de Eastwood aos musicais de Hollywood.           

“RIO SEX COMEDY”, 2010, é uma co-produção França/Brasil idealizada pelo diretor Jonathan Nossiter com o objetivo de retratar a cidade do Rio de Janeiro por três ângulos diferentes: a obsessão dos cariocas pelo corpo (cirurgias plásticas), a vida nas favelas (criminalidade) e a relação entre domésticas e patrões (desigualdade social). A ideia poderia originar um filme interessante, mas resultou num retrato politicamente incorreto da Cidade Maravilhosa, que virou uma casa da Maria Joana, com muita nudez e baixaria generalizada, incluindo índios, traficantes e prostitutas como se fizessem parte obrigatória do cotidiano da cidade. Não deixa de ser também um chamariz para o turismo sexual. O filme, na verdade, parece uma pornochanchada multinacional do mais baixo nível. Custa acreditar que atores do nível de Bill Pullman, Charlotte Rampling e Irène Jacob, entre outros, tenham participado dessa verdadeira bomba a nível atômico. Provavelmente tenham ficado bastante constrangidos com o resultado final. O diretor norte-americano Jonathan Nossiter é casado com uma brasileira e mora no Rio de Janeiro há vários anos. Merecia ser extraditado...       

“THE SILENT MOUNTAIN” (ainda sem tradução por aqui), é uma co-produção EUA/Áustria/Itália de 2013, direção de Ernst Gossner. Trata-se de um drama romântico que tem como pano de fundo a 1ª Guerra Mundial e, em particular, o conflito entre Itália e Áustria. O ano é 1915. Andreas (William Mosely) e Francesca (Eugenia Constantini) se conhecem e se apaixonam durante a festa de casamento dos respectivos irmãos. Do lado da noiva e de Andreas, a família Gruber, austríaca. Do lado do noivo, a família italiana Calzolari. O cenário da festa é um hotel de luxo pertencente à família Gruber, localizado nas proximidades da fronteira com a Itália. Durante as comemorações, alguém interrompe a música e anuncia que a Itália declarou guerra à Áustria. Pronto, acabou a festa. Os italianos (chamados de woich pelos austríacos) são praticamente expulsos do casamento, incluindo o noivo, e fogem apressadamente de volta à Itália. Francesca decide ficar, pois em seu país seria enviada para um severo colégio de freiras. Andreas a esconde num quarto isolado do hotel com a promessa de ficarem juntos para sempre. Só que Andreas é convocado para a guerra e o casal se separa. A partir daí, o filme se concentra nos combates ocorridos nas Montanhas Dolomitas (Alpes), na região fronteiriça com a Itália, onde está o batalhão de Andreas. Enquanto espera pela volta de Andreas, Francesca é descoberta e sofrerá nas mãos dos austríacos. Sua salvação depende do retorno de Andreas. O filme inteiro é levado em clima de novelão e nem mesmo as cenas de guerra conseguem deixá-lo interessante. Como curiosidade, vale citar a (pequena) participação da musa Cláudia Cardinale (quem diria!) no papel de avó.            

O drama espanhol “ESCORPIÃO APAIXONADO” (“Alacrán Enamorado”), 2013, direção de Santiago A. Zannou, conta a história do jovem Julián López (Álex Gonzalez), um lutador de boxe amador que integra, nas horas vagas, um grupo de neonazistas. Ele sai à noite com seus companheiros  espancando imigrantes e destruindo suas lojas. O grupo tem como mentor um grande e poderoso empresário chamado Solís (Javier Bardem). Ao saber das atividades criminosas de Julián, seu treinador, Carlo Monte (Carlos Bardem, irmão de Javier), o expulsa da academia.  Mas Julián tem o sonho de ser um boxeador profissional e, para isso, deixa de lado o grupo de neonazistas, ganhando a confiança de Carlo Monte. Em sua volta aos treinos, Julián se apaixona por Alyssa (Judith Diakhate), imigrante latina que trabalha como recepcionista na academia, o que vai deixar seus amigos racistas ainda mais raivosos, pois ela é negra. O filme é bastante violento e não economiza porrada, dentro e fora do ringue. As agressões aos imigrantes são um tanto realistas demais e podem chocar quem tem o estómago fraco. Apesar disso, o filme conta uma boa história com ação e romance, conta com um bom elenco e ainda com o aval da presença de Javier Bardem, ator que não faria qualquer porcaria. Funciona muito bem como entretenimento e também como filme-denúncia de como certos países europeus tratam os imigrantes. Enfim, uma boa surpresa espanhola.          

Há que curta filmes de curta-metragem. Para esse público, recomendo “TOQUE DE RECOLHER” (“Curfew), 2012, EUA, 19 minutos, vencedor do Oscar 2013 de Melhor Curta-Metragem. Shawn Christensen, ex-vocalista da banda de rock “Stellastarr”, assina o roteiro, a direção e ainda faz o papel principal dessa história bastante interessante, engraçada e criativa. Ele é Richie, um drogado fracassado que aparece, logo no início do filme, tentando se matar. Quando se preparava para cortar o pulso direito, toca o telefone e é sua irmã Maggie (Kim Allen), pedindo que ele cuide de sua sobrinha Sophia (Fatima Ptacek), de 9 anos, por algumas horas. Richie atende o pedido da irmã e vai passear com Sophia, uma menina muita esperta e simpática. Os diálogos entre o tio e sobrinha garantem momentos sensíveis e de muito humor. Uma ótima opção de entretenimento rápido para quem não tem paciência de ficar duas horas em frente à telinha. 

“A ETERNIDADE E UM DIA” (“Mia Aioniotita Ke Mia Mera”), 1997, co-produção França/Itália/Grécia, é um daqueles filmes com o carimbo “Cinema de Arte”. É lento e contemplativo demais, triste e melancólico, as cenas se arrastam, parecendo tornar ainda mais longos os seus 137 minutos de duração. A história é centrada no escritor Alexander (o ator Bruno Ganz, que atuou falando alemão e foi dublado em grego), que está gravemente enfermo e tem pouco tempo de vida. Ao separar seus objetos pessoais, ele encontra uma carta escrita por sua falecida esposa Anna (Isabella Renauld) há 30 anos. O texto da carta faz com que Alexander reative suas lembranças, voltando no tempo, revendo situações como as reuniões em família e sua relação apaixonada com Anna. Em meio a essas recordações (mostradas em flashbacks), Alexander conhece um menino albanês que se perdeu da família e quer voltar para a Albânia. Esta e outras situações permeiam pelo filme, como a destacada menção a Dionysios Solomos, o maior poeta romântico grego. O filme, dirigido por Theo Angelopoulos (“Um Olhar a Cada Dia”, “Paisagem na Neblina”), foi o vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes 1998.  O filme é visualmente muito bonito e tem uma ótima trilha sonora (composta por Eleni Karaindrou).   

“A QUALQUER PREÇO” (“A Civil Action”), lançado nos EUA em 1998, foi um dos vários filmes daquela década que exploraram ações jurídicas indenizatórias contra crimes ambientais. A história dessa produção dirigida por Steven Zaillian é inspirada em fatos reais que aconteceram nos anos 80. Oito mortes de crianças com leucemia aconteceram na cidade de Woburn (Massachusetts), ocasionadas - desconfiava-se – pela contaminação da água. Jan Schlichtmann (John Travolta), um arrogante advogado de Boston, assume o caso e ingressa com ação indenizatória contra duas grandes corporações. O filme mostra toda essa disputa judicial, incluindo as reuniões dos advogados das partes e seções no tribunal. No desfecho, a mensagem é bastante clara: a ética é tão importante quanto a observância das leis. O elenco é muito bom. Além de Travolta, estão Robert Duvall (indicado ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante por esse filme), John Lithgow, William H. Macy, Bruce Norris, Kathleen Quinlan e James Gandolfini ("Família Soprano"), além de uma ponta do diretor Sydney Pollack.                                                      

Podem falar que Steven Seagal é um péssimo ator e que seus filmes são medíocres. Pura verdade. Mas uma coisa não se pode negar: pancadaria e ossos quebrados jamais faltarão. Filme com Seagal é sinônimo de muito bandido espancado, o que dá um certo prazer de ver. Neste “CONFRONTO FINAL” (“A Good Man”), 2012, recentemente lançado em DVD, Seagal está mais canastrão do que nunca. Ainda mais que resolveu adotar um cabelo pintado de preto grudado e bem rente ao couro cabeludo, lembrando um boneco de ventríloquo. Fora a voz de paciente entubado. Começa o filme e lá está ele no papel de Alexander, um agente especial das forças especiais dos EUA, numa missão para prender um traficante de armas chinês. A missão fracassa e Alexander resolve abandonar a carreira de agente especial. A história dá um salto de dois anos e ele aparece trabalhando como um faz-tudo (zelador) – não é demais? - num prédio de alguma cidade da Europa Oriental, talvez Bucareste (Romênia). Uma das moradoras do prédio, vizinha de Alexander, é Lena (Iulia Verdes), com a qual nosso herói fará amizade. Só que Lena tem um irmão, Sasha (Victor Webster), envolvido com um mafioso russo por causa de uma dívida herdada do pai.  Quando o perigo chega perto de Lena, Alexander resolve agir para proteger a moça. E desta vez ele utiliza até uma espada de samurai. Sangue e porrada por todo lado. Grande Seagal!                                                      

Hollywood que me desculpe, mas a França está produzindo filmes policiais bem melhores. Isso há anos. Verdade que não há tantos tiros, pancadarias e perseguições, mas as histórias, os personagens e até mesmo os atores são mais convincentes. Mesmo que apele para um roteiro fantasioso e surreal como em “A OUTRA VIDA DE RICHARD KEMP” (“L’Outre Vie de Richard Kemp”), 2013, o resultado fica bem acima da média no gênero. A história é ambientada em 2009 e centrada no capitão de polícia Richard Kemp (Jean-Hugues Anglade), encarregado de investigar a morte de uma jovem. Na noite em que retorna ao local do crime, Kemp é empurrado de uma ponte e cai na água. Quando sai da água e retorna a terra firme, Kemp nota que houve uma mudança incrível. O tempo voltou 20 anos e ele se vê como o policial novato que investiga crimes cometidos por um serial killer apelidado de “Fura-tímpanos”. Nesse retorno de duas décadas, Kemp volta a encontrar a psicóloga forense Hélène Batistelli (Mélanie Thierry), com quem começou um romance na atualidade, ou seja, vinte anos depois. Complicado? Nem tanto, pois o diretor Germinal Alvarez faz uma convincente transposição de épocas, incluindo a aparência dos atores principais. Você acaba nem ligando para o absurdo da situação. E tem Anglade, um dos melhores atores franceses da atualidade. Ótimo entretenimento!

No começo do filme, um bicho de caracol é mostrado deslizando lentamente. Parece anunciar o ritmo em que vai se arrastar por quase duas horas o drama inglês “VENTRE” (“Womb”), 2010. Não é só pelo seu nome ou por sua lentidão que o filme incomoda.  Mas também por abordar temas desconfortáveis como clonagem humana e incesto. Ambientado em alguma parte do litoral da Inglaterra (não há menção do local), o filme é centrado na amizade de duas crianças, Rebecca e Thomas. Um dia, porém, a mãe de Rebecca consegue um emprego no Japão. Dessa forma, Rebecca se separa de Thomas. Doze anos se passam e Rebecca (Eva Green) volta do Japão e procura por Thomas (Matt Smith), agora homem feito. Percebe-se que a conduta de Rebecca não é muito normal. Fica claro que ela está obcecada por Thomas. Alguns dias depois do reencontro, ele e Rebecca estão viajando quando acontece um acidente fatal. Thomas morre atropelado. Através do DNA do falecido, Rebecca consegue fazer uma inseminação artificial e dá à luz a um clone de Thomas. A partir daí, durante as várias fases de crescimento do garoto, o diretor dinamarquês Benedek Fliegauf reforça a insinuação de incesto em inúmeras cenas, principalmente por parte de Rebecca, já que Thomas não sabe que é um clone. Claro que a situação vai piorar quando Thomas torna-se adulto. O ator Matt Smith, com cara de psicopata abobado, também é outro fator de desconforto para o espectador. Ainda bem que pelo menos dá para curtir a beleza da atriz francesa Eva Green. Nem mesmo fazendo papel de uma mulher desequilibrada ela consegue ser feia. Talvez o único ponto positivo desse drama pra lá de pesado.   

Antes de ficar mundialmente famoso ao conquistar o Oscar de Melhor Ator por “O Artista”, em 2012, Jean Dujardin já era bastante conhecido no cinema francês. Em 2007, por exemplo, ele foi o protagonista principal de “CONTRA-INVESTIGAÇÃO” (“Contre-Enquete”), dirigido por Frankc Mancuso. Ele faz o capitão de polícia Richard Malinowski, cuja filha Emilie (Alexandra Gonçalves), de 9 anos, é estuprada e assassinada por um maníaco sexual. A polícia dá prioridade ao caso e pouco depois é preso Daniel Eckmann (Laurent Lucas), que confessa o crime, é julgado e condenado a 30 anos. Da prisão, Eckmann escreve várias cartas a Malinowski dizendo que é inocente. Malinowski começa a desconfiar que Eckmann pode ser inocente, ainda mais que outro psicopata é preso e confessa o assassinato de quatro crianças da mesma forma como Emilie foi morta. Diante desse fato, o advogado de Eckmann consegue promover um novo julgamento. A dúvida persiste para Malinowski, que continua a investigação por conta própria. A história é baseada num conto do escritor norte-americano Lawrence Block, que Mancuso, um ex-policial, adaptou para o cinema. Mancuso, aliás, deixou a carreira policial para ser roteirista e este é o seu primeiro filme como diretor. Funciona como suspense psicológico, ainda mais pelo desfecho surpreendente e inesperado.

“MESMO SE NADA DER CERTO” (“Begin Again”), 2014, é um filme musical, não daqueles tradicionais, onde os protagonistas começam a cantar no meio de um diálogo ou de repente todo mundo sai dançando. Este é musical porque tem muita música, a história gira em torno da música e até há uma homenagem a algumas músicas antigas. Ou seja, quem não gosta de um filme com muita cantoria vai detestar. O mais certo é dizer que é uma comédia romântica musical. Gretta (Keira Knightley) leva um fora do namorado, Dave (Adam Levine), um roqueiro de sucesso. Gretta é compositora e, nas horas vagas, cantora. Levada por um amigo para cantar num barzinho, Gretta é ouvida por um produtor musical desempregado e alcoólatra, Dan (Mark Ruffalo). Ele se convence do talento da moça e propõe a ela a gravação de um CD ao ar livre, ou seja, nas ruas, praças e parques de Nova Iorque. Para isso, utiliza alguns músicos amadores, incluindo sua filha guitarrista Violet (Hailee Steinfeld). O filme tem algumas cenas muito interessantes, como aquela em que Dan imagina um arranjo especial para a música que Gretta está cantando num bar. Os instrumentos ganham animação, causando um efeito visual bastante criativo. O filme acerta também ao apostar no carisma e na simpatia da dupla Keira Knightley e Mark Ruffalo, embora como cantora ela seja uma ótima atriz. O diretor John Carney é o mesmo de “Apenas uma Vez”(2006), outro filme romântico tendo a música como tema central. Também estão no elenco Catherine Keener, Ceelo Green e James Corden, entre outros.     

Apesar da idade (62), o ator irlandês Liam Neeson ainda tem encontrado bons papeis em filmes de ação, como os recentes “Sem Escalas”, “A Perseguição” e “Busca Implacável 1 e 2. Ele também não nega fogo em “CAÇADA MORTAL” (“A Walk Among the Tombstones”), 2014, um suspense policial baseado num livro de Lawrence Block (um dos melhores autores policiais da atualidade). Nisson é o investigador particular Matt Scudder, que trabalha sem licença e, portanto, à margem da lei. Ele é contratado por Kenny Kristo (Boyd Holbrook), um traficante de heroína, para descobrir quem matou e esquartejou sua mulher, mesmo depois do resgate ter sido pago. Em meio às investigações, Scudder participa de sessões de terapia para se livrar do vício do álcool e faz amizade, um tanto forçada, com um garoto morador de rua, TJ (Brian Bradley), prestes a cair na delinquência. De repente, surge mais um caso semelhante de sequestro envolvendo, desta vez, a filha de outro traficante, e com mais um pedido de resgate. Scudder assume também esse caso. Os atos dos criminosos são mostrados em flashbacks e as suspeitas recaem sobre dois ex-integrantes do DEA (departamento anti-drogas dos EUA). O diretor Scott Frank tem uma trajetória de mais qualidade como roteirista (“Wolverine – Imortal”, “Minority Report” e “Marley & Eu”, entre outros). O filme não tem muita ação e o suspense é fraco, Neeson está apático e a história se arrasta um pouco demais. Se puder, prefira o livro.

“GOOD PEOPLE”, 2014, direção do dinamarquês Henrik Ruben Genz, é um filme policial repleto de ação e suspense. E com um ótimo elenco: James Franco, Kate Hudson, Tom Wilkinson e Omar Sy. A história é inspirada no romance homônimo do escritor Marcus Sakey. O filme é todo ambientado em Londres. Tom (Franco) e Anna (Hudson) são casados e, para reforçar o orçamento doméstico, alugam um quarto no porão da casa para um inquilino muito estranho, que um dia aparece morto. Ao limpar o local e juntar os pertences do falecido, o casal encontra uma mala cheia de dinheiro. É claro que o morto estava envolvido em alguma falcatrua e, mais óbvio ainda, vai aparecer alguém muito bravo querendo o dinheiro de volta. Esse alguém é o psicótico Jack Witkowski (Sam Spruel), conhecido traficante londrino. Para tumultuar ainda mais o ambiente e louco por uma vingança, aparece no cenário outro traficante de drogas, desta fez o francês Khan (Omar Sy, da comédia “Intocáveis”). Tom e Anna, ajudados pelo policial Joan Halden (Wilkinson), tentarão de todas as formas se livrar da perseguição implacável dos bandidos. Encha o pote de pipoca. Entretenimento garantido!                              

“AMAR, BEBER E CANTAR” (“Aimer, Boire et Chanter”), 2013, foi o último filme dirigido pelo francês Alan Resnais. Ele morreu no dia 14 de março de 2014, aos 91 anos de idade. O filme é inspirado na peça teatral escrita pelo dramaturgo britânico Alan Ayckbourn. Resnais fez um teatro filmado, utilizando apenas seis atores e atrizes, todos veteranos do teatro e cinema francês: Sabine Azéma, Hippolyte Girardot, Caroline Silhol, Michel Vuillermoz, André Dussollier e Sandrine Kiberlain. Um time da mais alta qualidade. No filme, eles interpretam três casais que formam um grupo de teatro amador. No primeiro ensaio, eles ficam sabendo que um amigo em comum, George Riley, está muito doente e tem poucos meses de vida. A partir daí, as mulheres do grupo deixam escapar que tiveram algo mais do que uma simples amizade com o tal George, incluindo até mesmo a filha de um dos casais, provocando um ataque de ciúmes por parte dos maridos. Os diálogos, inteligentes e engraçados, são o ponto alto do filme. A cenografia é toda estilizada como se os atores atuassem num imenso palco, como comprovam as fendas de cortinas ao invés de portas. Resnais, sem dúvida, era um diretor muito criativo. Sua criatividade, porém, não era destinada ao grande público. Seus filmes são provas disso: “Vocês ainda não viram nada”, “O Ano Passado em Marienbad” e “Medos Privados em Lugares Públicos”, entre tantos outros.                           

Exibido pela primeira vez no Festival de Cannes 2014, o thriller “À PROCURA” (“The Captive”), do diretor egípcio naturalizado canadense Atom Egoyan, foi recebido com frieza pelos críticos e chegou até a ser vaiado na sessão especial à Imprensa. Trata-se de um suspense policial cujo pano de fundo é a pedofilia e o sequestro de crianças. Portanto, temas bastante incômodos. Histórias semelhantes já foram tratadas em outros inúmeros filmes. Portanto, Egoyan não fez nada de novo. Cass, a filha de 8 anos de Mattheu (Ryan Reynolds) e de Tina (Mireille Enos) é sequestrada por um grupo de pedófilos. A desconfiança da polícia recai sobre Mattheu, que passa por grandes dificuldades financeiras e, portanto, acham que ele vendeu a própria filha. Enquanto isso, a menina é mantida em cativeiro e sofre lavagem cerebral, transformando-se em aliciadora de crianças pela Internet. A polícia só encontrará alguma pista muitos anos depois, quando Cass já está com 16 anos. Apesar de toda crítica desfavorável de Cannes, o filme funciona como suspense. O elenco traz, além de Reynolds e Enos, Scott Speedman, Rosario Dawson, Kevin Duran, Alexia Fast e Ella Ballentina. É bom que se diga: o diretor Atom Egoyan já fez filmes muito melhores. Só para citar alguns exemplos: “O Doce Amanhã”, “Sem Evidências” e “O Preço da Traição”.                     

“AS JOIAS DA COROA” (“Kronjuvelerna”), 2011, é mais um ótimo drama sueco, valorizado pela presença dessa jovem e talentosa atriz Alicia Vikander (“O Amante da Rainha”, “Anna Karenina”). A história começa com o nascimento de dois bebês: Fragância Fernandez e Richard Persson. A primeira é filha de um operário de fábrica e o menino é filho justamente do dono da fábrica, o homem mais poderoso e rico da cidade e da região. Os destinos das crianças se cruzarão durante a infância e toda a juventude. Fragância teve um irmão com Síndrome de Down, sua família continuou pobre, a mãe fica doente e o pai mantém o sonho de encontrar a fórmula química para fabricar ouro. Richard, por seu lado, tem um pai tirano, autoritário e violento, o que motiva a fuga de sua mãe. Richard ainda carrega uma sequela de um acidente ocorrido ainda na maternidade e sofre os maltratos do pai por não ter sido um grande astro do hóquei. Durante muios anos, Richard quis namorar Fragância, que sempre o rejeitou. Para piorar, ela se apaixona justamente por um astro do hóquei. Toda a história é contada em flashbacks por Fragância depois que é presa sob a acusação de ter assassinado Richard. Ela diz ao investigador que a interroga: “Para você entender meu ato, tenho que contar a história desde o começo”. O filme, dirigido por Ella Lemhagen, é bastante original e merece ser visto por quem curte cinema de qualidade.                           

“VIOLETTE”, drama francês biográfico, conta a história de Violette Leduc (Emmanuelle Devos), uma das maiores escritoras francesas do Século XX. O filme aborda com destaque a forte amizade que Violette teve com a filósofa e escritora Simone de Beauvoir (Sandrine Kiberlain). Muito se falou sobre a ligação entre as duas – ambas bissexuais -, que teriam sido amantes. O filme deixa claro que houve, sim, uma paixão por parte de Violette, rejeitada por Beauvoir. Esta, como admiradora do talento de Violette como escritora, a ajudou muito nos contatos com editores e na publicação das obras. Também nos momentos difíceis enfrentados por Violetta, quando chegou até a ser internada num hospital psiquiátrico, Simone sempre esteve ao seu lado, incentivando-a sempre a escrever. Outro grande amigo de Violette foi o dramaturgo Jean Genet (Jacques Bonnaffé). Trata-se, evidentemente, de um filme feito para um público específico, principalmente aquele que gosta de literatura. Muitos dos textos falados e legendados reproduzem trechos das obras de Violette, a maioria dos quais enfatizando a condição feminina da época. O filme, de 2013, é dirigido por Martin Provost, que em 2008 já havia feito outro filme biográfico, “Séraphine”, sobre a pintora francesa Séraphine de Senlis.                            

“ATTILA MARCEL”, 2013, direção de Sylvain Chomet, é um filme fantasioso, meio surreal. Uma fábula ao estilo “Amélie Poulain”, só que com um personagem masculino. Ele é Paul (Guillaume Gouix), que perdeu a fala e a memória quando era criança ao presenciar o acidente que matou seus pais – o pai era justamente o Attila Marcel do título, um lutador de luta-livre. Aos 33 anos, Paul vive com as tias Annie (Bernadette Lafont) e Anna (Hélène Vincent). A vida dele se resume a tocar piano na academia de dança das tias e em casa para convidados. Nada mais. Até que um dia ele conhece Madame Proust (Anne Leny), vizinha do 4º andar. Ela faz um tipo de infusão capaz de despertar lembranças de infância. É bebendo essa infusão que Paul, em flashbacks, recupera a memória dos fatos da infância, incluindo o acidente com seus pais. Muito do estilo fantasioso e feérico dessa produção francesa se deve à experiência de Sylvain Chomet como diretor de filmes de animação (“As Bicicletas de Belleville”, de 2003, por exemplo). “ATTILA MARCEL” foi o último filme da atriz Bernardett Lafont. O filme, aliás, é dedicado a ela.